Crítica Cinéfila: Things Heard and Seen

Una pareja de Manhattan se muda a una aldea histórica en el valle del Hudson y acaba descubriendo que su matrimonio oculta una siniestra oscuridad que rivaliza con la historia de su nuevo hogar. 

No sorprende que la película de Shari Springer Berman y Robert Pulcini, "Things Heard and Seen", no sea la sencilla historia de terror que sugiere el siniestro avance con su escena inicial. La insistencia del teólogo Emanuel Swedenborg en que "las cosas que están en el cielo son más reales que las cosas que están en el mundo" se cierne sobre la primera hora de esta extraña película como una mano suave en tu hombro diciendo "no tengas miedo de esta vieja casa encantada en el valle de Hudson". El hecho de que venga con un fantasma o dos y un puñado de sustos a medias no significa que sea malvado. Amanda Seyfried podría haber tenido esa extraña pesadilla sobre sacar un extraño feto alienígena del fregadero de la cocina en cualquier lugar.

Para que el público no confíe en esa tranquilidad espectral en una película que a menudo se siente como un intento promedio de otro spin-off de "Conjuring", un sereno F. Murray Abraham aparece como un fanático de Swedenborg solo para glorificar la muerte como "un gran pasaje" y reiterar el ambiente cálido y difuso en términos más explícitos. Es posible que a Catherine (Seyfried) le aguarden cosas terribles cuando acceda a abandonar Morningside Heights por una granja de 200 acres en el norte del estado para que su esposo George (James Norton) pueda dar una cátedra en la pequeña universidad de artes liberales que lo contrató, pero tales tragedias no pueden atribuirse necesariamente a la notoria casa que George compra con el dinero de sus padres. En esta extraña e inestable pero sutilmente entretenida adaptación de Netflix de la novela de 2016 de Elizabeth Brundage "All Things Cease to Appear", la casa es solo un recipiente para la energía que sus nuevos propietarios aportan: el verdadero horror proviene del interior de su matrimonio.

Balanceándose entre Henry James y Philip Roth en su camino hacia una hora final más tonta que se esfuerza por transmutar las ambigüedades de la escritura de Brundage en acción dramática, "Things Heard & Seen" podría ser la más simple de categorizar como una película de terror sobre los peligros de vivir con miedo. Catherine y George han sufrido sus propios terrores privados desde que un embarazo no planeado provocó un matrimonio incierto (su hija Franny es interpretada por Ana Sophia Heger), pero él se adelanta a sus demonios mientras ella simplemente se esconde de los de ella.

La película está ambientada en 1980, una época mágica en la que todavía se animaba a los académicos blancos a engañar al mundo para que les dieran lo que quisieran. Un doctor de Columbia recién acuñado que pasa de la pintura a la escritura y la enseñanza, George está aún más petrificado de su mediocridad de lo que imaginamos al comienzo de la película, mientras que Catherine, una respetada restauradora de arte cuya fe cristiana está más latente que decaída, purga esas dudas en el baño en lugar de ventilarlas en público. Pero George oculta detalles aún más morbosos a su esposa; insiste en que las mujeres son demasiado frágiles para manejar tales cosas, incluso si su misoginia casual y su afán por comprar la primera casa que encuentra parecen estar ocultando una ansiedad más profunda. Y así, "Things Heard & Seen" se instala en el punto de vista de Catherine a medida que se entera de los inquilinos anteriores a su propio ritmo, un proceso que incluye una composición musical críptica, visiones de una mujer vestida de negro y el descubrimiento de una lista de los personas que han muerto en su nuevo hogar.

Todos estos incidentes están dotados de una tensión familiar, pero Berman y Pulcini, cuya experiencia previa con el horror se limita a las escenas entre Harvey Pekar y David Letterman en “American Splendor”, parecen tener miedo de apretar demasiado los tornillos. Si bien ciertas secuencias te condicionan a contener la respiración, el material fuente que difumina el género de la película obliga a sus directores a resistir una sensación más penetrante de pavor malévolo. Las luces parpadean y Catherine sigue encontrando reliquias espeluznantes en la casa, pero hay poca amenaza de peligro inmediato por lo que sea que suceda en la noche.

El énfasis en que Catherine desconcierta el pasado de la casa se vuelve tedioso a medida que queda claro que tiene más que temer de su esposo, y mientras Seyfried se desenvuelve, una actriz de su talento se desperdicia en un personaje que pasa la mayor parte de la película simplemente conectando los puntos, sobre cómo Catherine despierta mientras pierde la fe en su esposo. El mismo esposo que está ocupado sorbiendo la atención de sus alumnas incluso antes de comenzar una aventura muy poco saludable con una chica de veintitantos años (Natalia Dyer) que lo seduce con una sola referencia de Caravaggio.

Norton, un actor que nunca tiene miedo de aprovechar al máximo una cara hermosa que pide ser besada o golpeada dependiendo de cómo le dé la luz, hace un trabajo experto al llevar a George del chovinismo a la sociopatía, pero la historia de la película está tan ansiosa por que el personaje se convierta en un emblema de la mediocridad en crisis que lo aísla en un riff poco cocido que parece completamente separado de lo que está pasando con Catherine (incluso si esos hilos no podrían estar más entrelazados). “Tiene miedo”, diagnostica alguien a George. Y ese miedo, a medio esbozar pero demasiado fácil de rastrear, eventualmente se convierte en una tumba para varias de las personas que tienen la mala suerte de interponerse en su camino.

Pero mientras la película sigue volviendo a la idea de la muerte como un puente entre el mundo físico y el espiritual, nunca encuentra la manera de conectar los dos lados de la historia que está contando, lo que finalmente los desanima a ambos. Mientras que el tramo final de la película evoca todo, también se apresura a cerrar la brecha que forma una distancia irreconciliable entre Catherine y George. La película de Berman y Pulcini se siente como si estuviera más obsesionada por un potencial no realizado que por cualquier otra cosa.

Crítica Cinéfila: Mank

Biopic sobre Herman Mankiewicz, guionista de 'Ciudadano Kane', que repasa el proceso de rodaje de la obra maestra de Orson Welles, dirigida y estrenada en 1941.

Mank, el décimo primer largometraje de David Fincher, termina con las palabras "la magia de las películas". Pero no se deje engañar; esta es una carta de amor clara a Hollywood, tanto con el glamour como con las realidades desordenadas de la industria del cine y el acto de creación en sí, todo envuelto en algunas de las artes cinematográficas más inimaginables.

El guión fue escrito por su difunto padre antes de que el director hiciera Alien 3. Es un trabajo denso y rico sobre la intersección entre el cine y la política, el alcoholismo, la manipulación de los medios, la tradición de Hollywood, el talento desperdiciado y la lucha por mantener la integridad. Es un regreso triunfal al cine para el director después de su paso por la pantalla chica en el drama asesino en serie Mindhunter y la antología animada Love, Death + Robots.

Han habido dramatizaciones de la producción de Citizen Kane antes, principalmente el RK0 281 producido por Ridley Scott, llamado así por el número de producción de Kane, pero Mank adopta un enfoque más granular. En lugar de un 'making of' de la película, es una inmersión profunda en la mentalidad y los eventos que la crearon, tejida en dos líneas de tiempo distintas. El tiempo presente ve al guionista fracasado Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), con un ingenio agudo pero mayormente borracho, que se refugió en un rancho en el desierto de Mojave a instancias del niño prodigio teatral Orson Welles (Tom Burke) para escribir un guión que ensartara al magnate de los periódicos William Randolph Hearst (Charles Dance). Convaleciente después de un accidente automovilístico y en reposo, tiene solo 90 días (o como dice Welles, 60 días con 30 días para reposar el borrador) para dictar la obra a Rita Alexander (Lily Collins), una secretaria inglesa que puede tomar dictado veloz. Lo que sigue es una pieza de cámara bellamente escenificada e interpretada, una batalla de ingenio entre Mank y el cohorte de Welles, John Houseman (Sam Troughton) para cumplir su fecha límite, entre Mank y Rita para mantener seco al escritor, y entre Mank y él mismo para permanecer fiel a su talento.

Fincher usa el Welles de Burke con moderación, a menudo como una presencia incorpórea en el teléfono, pero el actor captura la voz reconocible al instante de Welles y el encanto de seguirlo a cualquier parte. La película solo insinúa la controvertida batalla por el crédito en la pantalla: Mankiewicz originalmente no iba a recibir ningún reconocimiento, pero al final el escritor y Welles compartieron el crédito y ganaron los Oscar, aunque ninguno de los dos recogió las estatuillas, y aunque está claro que la película llega al lado de Mank, también presenta un retrato imparcial del director. Estas secciones también se benefician de una excelente Collins, que le da a Rita una columna vertebral mientras agrega notas más vulnerables cuando se entera de que su novio ha desaparecido en batalla durante la Segunda Guerra Mundial.

El segundo hilo de la película, que va y viene de la carrera anterior de Mank en el Hollywood de los años 30, es complicado y exigente. En la sección más animada de la película, las primeras aventuras de Mank son una evocación alegre (pero aún fundamentada) del Hollywood de los años 30, ya sea Mank y su grupo de escritores escupiendo ideas de películas de terror para David O. Selznick (Toby Leonard Moore) y Josef Von Sternberg (Paul Fox), o una gloriosa caminata y conversación con Louis B. Mayer (Arliss Howard), suturada con detalles internos y anécdotas sobre la Edad de Oro; ya sea Mayer diciéndole a los talentos de MGM que deberían aceptar un recorte salarial, o enojo por los hermanos Marx asando perritos calientes a la parrilla en el fuego abierto en la oficina de Mayer. Desde la grandilocuente, tarjeta de título de la vieja escuela en adelante, todo es el sueño de un cinéfilo, las escenas de la industria del cine a menudo infectadas con la entrega de un estilo noir que ya se ve muy poco. El guionista de Forrest Gump, Eric Roth y el propio Fincher, se inspiran tanto con el lenguaje como la pirotecnia verbal de Aaron Sorkin para The Social Network.

Pero Mank no es solo una ensoñación nostálgica; también aprovecha las preocupaciones contemporáneas. La materia prima para Charles Foster Kane llega cuando Mank entra en la órbita de William Randolph Hearst. Mank tiene un asiento en el ring cuando Mayer y el subteniente Irving Thalberg (Ferdinand Kingsley), en connivencia con Hearst, comienzan a influir en la elección del gobernador de California a favor del republicano Frank Merriam, a través de noticieros falsos y transmisiones de radio que desacreditan al demócrata Upton Sinclair; los temores sobre el futuro de los cines hacen resonancia con el 2020. Mank encuentra un aliado en la anfitriona y compañera de Hearst, la actriz Marion Davies, inspiración para Susan Alexander en Kane. Una Amanda Seyfried, la mejor de su carrera, interpreta a Davies como una mujer mundana, más inteligente de lo que deja ver, con el control total de su persona, que se convierte en una mente similar a la que Mank se aferra. Desde caminar por los jardines zoológicos de Hearst discutiendo su rango, hasta suplicarle a Mank que sea fácil con Hearst en su guión, Seyfried confirma sus dotes dramáticas en cada momento.

Todo esto se captura en un impresionante blanco y negro, a la vez moderno y elegante. Fincher ha filmado en blanco y negro antes, pero aquí las imágenes suavizadas se sienten como si pertenecieran a los años 30/40, una llamada de regreso con unas transiciones muy al estilo de la vieja escuela. La cinematografía de DP Erik Messerschmidt es toda tinta negra y ventanas sobreexpuestas, capturando un mundo que es a la vez glamoroso y sucio, realzado por la partitura de Trent Reznor y Atticus Ross, cambiando entre jazz de alto tempo y la prole al estilo de Bernard Herrmann.

Mank está repleto de grandes actuaciones: Howard como Mayer y Tuppence Middleton como la sufrida esposa de Mank, la "pobre" Sara; Tom Pelphrey como el hermano menor y guapo de Mank, Joseph, que comparte las aspiraciones intelectuales de su hermano y el sentido de tener para vivir en los barrios bajos de Hollywood; Charles Dance como Hearst, con una increíble paciencia aún en los momentos más intensos. Pero esta es la película de Oldman. Prácticamente en todos los cuadros, es vibrante como un bufón de la corte, pero trágico como un hombre que lidia con sus dones, y poco a poco comienza a darse cuenta del peso de sus propias palabras. El actor puede dar una gran actuación - un arrebato de última instancia en una cena de disfraces es puro teatro - pero a través de las dos líneas de tiempo él graba perfectamente a un hombre que encuentra la determinación de mantenerse fiel a sus creencias e instintos que finalmente resulta en su mejor trabajo. En estas verdades y belleza, Mank ofrece la "magia de las películas" a su manera única.

Filmada en un impresionante blanco y negro, Mank ofrece Hollywood en una multitud de grises. Construido sobre una actuación imponente de Gary Oldman, es inteligente, sofisticado, emocionante y difícil por turnos, y uno de los mejores filmes de Fincher.

Crítica Cinéfila: Scoob!

Scooby y la pandilla enfrentan su misterio más complicado: un complot para liberar al perro fantasma Cerbero contra el mundo. Mientras corren para detener el apocalipsis perruno, el grupo descubre que Scooby tiene un épico destino que nadie sospechó nunca.

Poco más de 50 años después de su debut en la televisión del sábado por la mañana en Scooby-Doo, Where Are You!, los cuatro detectives adolescentes de Mystery Inc. y su compañero canino gran danés regresan con otra misión llena de acción para combatir el crimen. Scoob!, recientemente renovado con animación digital, reinicia la propiedad venerable al expandir su universo cinematográfico, uniendo una variedad de caricaturas de la extensa biblioteca Hanna-Barbera, ahora propiedad de Warner Bros.

La decisión del estudio de cambiar el lanzamiento de la película de los cines con pandemia cerrada a video premium puede representar en parte una estrategia para capitalizar el deseo del público confinado en el hogar de nuevos contenidos con una franquicia familiar. Cualquiera que sea el cálculo, Scoob! ofrece una distracción atractiva para las familias que todavía están atrapadas en el hogar (aunque algunas de las escenas pueden ser un poco intensas para los más pequeños), incluso cuando plantea otra prueba para la resistencia de las ventanas teatrales.

Después de innumerables episodios de dibujos animados, casi tres docenas de películas directas en DVD y dos películas de acción en vivo, los orígenes de la amistad entre el comelón Norville "Shaggy" Rogers (Will Forte) y su mejor amigo canino Scooby-Doo (Frank Welker) pueden haberse vuelto un poco confusos. De modo que este último reinicio ofrece una breve recapitulación, retrocediendo cuando el cachorro perdido Scooby apenas escapa de un roce con la ley después de robar comida de un café de Venice Beach, California.

Afortunadamente, encuentra al joven Shaggy, lo que desencadena una amistad de por vida basada en gran parte en su apetito compartido sin fondo. Un encuentro de Halloween más tarde esa noche con Fred (Zac Efron), Daphne (Amanda Seyfried) y Velma (Gina Rodríguez) presenta a los amigos recién unidos la emoción de la investigación después de descubrir una casa supuestamente embrujada que es solo el frente de un ladrón del vecindario (director Tony Cervone en un breve cameo). Su éxito inicial motiva a los niños a crear Mystery Inc. y lanzar sus carreras como detectives aficionados.

Las breves escenas iniciales enseñan una especie de retroceso a algunos de sus casos más populares, las primeras caricaturas de Hanna-Barbera Scooby-Doo, que a menudo presentan a los niños como investigadores paranormales, luego de sus improbables hazañas que desacreditan una variedad de engaños sobrenaturales perpetrados por delincuentes menores. Gran parte de la comedia era situacional, derivada de estas circunstancias a menudo tensas, así como los rasgos de personalidad específicos del equipo: la respuesta confiablemente cobarde de Shaggy y Scooby a cualquier amenaza percibida, los pasos en falso al peligro de Daphne o el análisis demasiado intelectual de Velma sobre sus adversarios. Sin embargo, en episodios posteriores, las historias se centraron cada vez más en apuestas más altas y villanos más amenazantes, confiando en gran medida en el humor verbal en lugar del físico para conducir la trama.

Scoob! se ajusta a este último patrón, que rápidamente se hace evidente a medida que los miembros de Mystery Inc. se reúnen para considerar convertirse en profesionales después de casi 10 años de investigación. Afortunadamente, la siempre ingeniosa Velma ha identificado a un posible inversionista: el empresario Simon Cowell. Parece que Simon tiene una alta opinión de los talentos del grupo, con la excepción de Shaggy y Scooby, a quienes insiste en cortar el trato, obligándolos a separarse de sus socios de toda la vida.

Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que sean recogidos por otro equipo de lucha contra el crimen cuando su ídolo de larga vida, el Halcón Azul (Mark Wahlberg) los arroja a bordo de su impresionante aeronave, apenas salvándolos de un enjambre de robots escorpiones malvados. Los peligrosos drones están al servicio del archi villano Dick Dastardly (Jason Isaacs), le explican el piloto de Falcon Fury Dee Dee (Kiersey Clemons) y el sabueso cibernético Dynomutt (Ken Jeong), quien también revela que su líder de superhéroes es en realidad Brian, el hijo del Halcón Azul original, ahora retirado. La tripulación recluta ansiosamente a Shaggy y Scooby para ayudarlos en una misión para evitar que Dastardly resucite el espíritu de Cerberus, el sabueso de tres cabezas que custodia el inframundo y obtener el legendario tesoro perdido de Alejandro Magno.

Fusionando hábilmente la historia de origen de la película con una aventura típicamente orientada a la acción, su guión incluye previsiblemente la característica con un exceso de incidentes. El poco tiempo de inactividad restante se dedica al conflicto de personajes que lucha por el humor, particularmente a expensas de Shaggy, Fred y el Halcón Azul. Sin embargo, la dinámica entre los miembros del equipo de Mystery Inc. permanece bastante intacta, y los roles femeninos en particular se registran con mayor claridad y confianza que en las interacciones pasadas. En parte, eso se debe a la creación de secuencias de comandos más dimensionales, así como a las actuaciones puntuales del elenco de voces, con Rodríguez sacudiendo la geek sin complejos de Velma y Seyfried encarnando a una Daphne suavemente genial. Como resultado, los chicos terminan pareciendo un poco cojos en comparación, particularmente considerando la interpretación bastante genérica de Zac Efron como Fred. Aunque Forte se apega a la caracterización clásica de Shaggy, incluso a su chillona vocalización, falta una cierta energía maníaca en la actuación. Como el único miembro del reparto que regresa de las entregas anteriores, Welker definitivamente cumple al evocar sin esfuerzo la lealtad y (des)confianza de Scooby-Doo, incluso si su enunciado a veces confuso puede ser difícil de seguir.

Como siempre, y recuperando la típica temática de "qué tan duradera es una amistad de infancia", Scoob! revive esos viejos sentimientos de niñez y se adaptan a nuestros tiempos. Es divertida, nostálgica e inteligente. Sirve para traer personajes añorados con la misma calidad, y demostrándonos que no todas las secuelas son innecesarias. Esta supo valorar cada segundo invertido. 

Mamma Mia: Here we go again

"Mamma Mia: Una y otra vez" nos lleva de viaje al verano donde comenzó todo. Desde su vida en el presente, los protagonistas de "Mamma mia!" nos cuentan los hechos acontecidos el mágico verano en el que comenzó esta historia de los tres posibles padres de Sophie. (FILMAFFINITY)

Otra vez, no pude resistirme...

Mamma Mia vuelve a la pantalla grande, y ya no importa saber quién es el padre de Sophie, sino cómo comenzó el romance entre cada uno de los posibles padres. La historia se narra desde dos puntos de vista: Donna joven, después de graduarse de la universidad, cuando decide irse en una aventura alrededor de Europa; Sophie, planeando la reinauguración del hotel de Donna, un año después de que su mamá falleció. Mientras se va conociendo el pasado de Donna, también se explica las razones que la llevaron a quedarse en Grecia, la relación que tenía con su madre y cómo decidió tener a Sophie sola. A pesar de que ambas historias se concentran en Donna, Sophie lleva sus propios conflictos con su esposo, quien trabaja en New York y está pensando quedarse, y con sus posibles padres Harry y Bill, quienes no podrán asistir a la reinauguración del hotel.

Un aspecto que los fanáticos de Mamma Mia notarán es la línea de tiempo que establecen en la trama de Donna, la cual no sigue en exactitud con lo que conocimos en la primera película; mientras el diario de Donna dice que Sam fue el primero, en esta versión Harry es el primero. Mientras Bill era supuestamente con quien ella vivió más experiencias en la isla, Sam es con quien ella compartió más en esta película. No obstante, sí responde al misterio de por qué Donna decidió quedarse aquí, cómo se apoderó de lo que ahora es el hotel de Donna, y el pasado con sus amigas. Lo único que queda en misterio en esta ocasión es la muerte de Donna, de la que nadie quiere hablar, aparentemente para no romperle el corazón a la audiencia.

Por otro lado, y aunque Donna es la cuestión principal de la historia, es interesante cómo cada personaje desarrolla su propia subtrama, tanto los del pasado como los del presente, sobretodo en el caso de los padres de Sophie y las mejores amigas de Donna. Cada quien tiene su momento de brillar, incluso cuando toca cantar. Y hablando de canto, un aspecto a resaltar es que esta película recupera clásicos de ABBA de su antecesora y agrega versiones que al igual enamorarán a la audiencia, por sus bailes, sus sorpresas y su tono cómico. Otro aspecto a resaltar es que dejan los mejores personajes para el final, sobretodo a Donna y la mamá de Donna (Cher). Ambos momentos son completamente sentimentales y cruciales, pues por igual revelan detalles de estos personajes y las razones que las llevaron a tomar decisiones específicas que afectan a Sophie directamente.

Como en su antecesora, la fotografía es muy específica de video musical, y se complementa con una colorida producción de diseño que destacan las bellezas de sus locaciones y cómo está fue cambiando con el tiempo y las acciones de sus personajes. Las escenas en la costa y los callejones de Grecia son las que mejor destacan la cultura de esta sociedad y cómo aún con un reparto británico se puede distinguir los locales.

Con una estructura simple y entendible, Mamma Mia: Here we go again tiene la gracia suficiente para mezclar los dos tiempos que narra y no confundir a nadie. Es divertida, nostálgica e irresistible, con mejor guion, mejores actuaciones y más ambición en un final completamente inolvidable.

Gringo

Un empresario norteamericano envuelto en un asunto de una empresa farmacéutica verá cómo su vida da un vuelco por un incidente en México. (FILMAFFINITY)

Gringo es un término que hace referencia a una persona estadounidense, utilizado principalmente por latinoamericanos. Aunque a veces se utilice de broma, es más bien un término despectivo o un intento de insulto. Pero quizás lo utilizan dos veces en esta película.

Harold Soyinka trabaja en una compañía como el Director de Operaciones, pero no tiene ni la menor idea de lo que se hace allí. Viaja a donde le dicen y firma lo que le pidan, sin la oportunidad de respuestas a todas sus inquietudes. Fuera del trabajo, su matrimonio se ha quebrado totalmente, con una esposa que le es infiel en sus narices y sin un posible amigo que lo apoye en sus dificultades. En un viaje de negocios a México, Harold decide quedarse atrás y fingir que lo han secuestrado. No obstante, otras personas harán de esto una realidad y Harold se verá en constante peligro cuando una banda de narcotraficantes tiene su imagen como la más buscada de México. 

Harold no es el protagonista perfecto. Es muy miedoso y muy pesimista. Sí se podría sentir compasión por él, por todas las cosas que debe vivir, como la esposa que lo abandona por un correo electrónico, el hecho de que sus compañeros de trabajo se burlan de él en su cara y que no tiene nadie con quien contar; pero no inspira empatía y es difícil seguirlo en su camino. Pero además, es un personaje que en ningún momento decide luchar sus batallas. Siempre hay alguien salvándole el cuello y solo es al final (cuando solo faltan pocos minutos para los créditos) que tira del gatillo para su libertad. Es un crecimiento tan repentino que es poco creíble.

Por igual, es difícil conectarse con los demás personajes, porque todos parecen irse por su gula de poder y dinero, y no dan esa sensación de "tengo algo de bondad aún", al nivel que al final de la historia, lo que más se desea es que todos vayan a la carcel o mueran (excepto por Harold, él se merece aunque sea una buena mujer... aún siento pena por él).

Un aspecto a favor es que sabe jugar con el tema de la ambición y lo retrata en todos sus personajes, desde Harold que lo único que desea es conseguir algo de una compañía que lo ha explotado, hasta sus compañeros de trabajo que prefieren su muerte por el dinero que conseguiría la compañía, y la banda de narcotraficantes, que buscan a Harold para obtener una fórmula que le dará aún más riquezas. Todos los demás personajes se manejan bajo esa misma línea y al final se puede ver cuáles son los resultados de sus decisiones.

Otro punto a resaltar es la comparación que se presenta de la cultura estadounidense y la cultura mexicana, desarrollando el contraste, tanto en el estilo de hablar, como en las decisiones, en su día a día, y en las personalidades. A pesar de que no retrata las principales bellezas de México, si se va a lo más coloquial y te enseña la belleza de la persona común.

Esta historia dirigida por Nash Edgerton (quien también es stuntman), es divertida y entretiene en casi todos sus momentos, pero pierde carácter debido a unos personajes poco desarrollados. La historia que prometía ser interesante, no es fácil de seguir porque no tiene a ese alguien que te motive a continuarla hasta el final. Con una modificación de decisiones, hubiese sido mejor.