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lunes, 30 de diciembre de 2024

Crítica Cinéfila: Babygirl

Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Harris Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta tórrida relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios. 



Romy Mathis es dueña de un dúplex en la ciudad y de una gran casa en el campo. Tiene un marido cariñoso, dos hijas adorables y una carrera dorada como directora ejecutiva de Tensile, una "empresa de robots" no específica que gestiona un exitoso programa de entregas a domicilio. Romy lo tiene todo, lo que naturalmente significa que quiere algo más, algo más. Al poco tiempo se ha embarcado en una aventura peligrosa con su pasante de oficina, a quien se le echa encima en el baño al son de "Never Tear Us Apart" de INXS.

Romy es interpretada por Nicole Kidman, cuya brillante y audaz interpretación, sin embargo, tiene un dejo de angustia, como si no estuviera del todo convencida de todo lo que se ha comprometido a hacer, y esta crítica tampoco lo creería. Es la protagonista de la película de Halina Reijn, que podría haber sido el Tár de este año si no fuera tan superficialmente complacida consigo misma, tan emocionada por su propia osadía, y luego tan sumisa con el personaje que menos uno se lo imaginaría. "Babygirl" tiene algunas cosas útiles y ocasionalmente provocativas que decir sobre la dinámica interna de la oficina y el deseo sexual, pero las dice con el profesionalismo entrecortado y alegre de una presentación corporativa anual.

La película comienza con un orgasmo y termina con otro, aunque resulta que el primer clímax fue fingido, porque Romy nunca ha estado verdaderamente satisfecha con su esposo. Confiesa tener “pensamientos oscuros”, se masturba compulsivamente con su computadora portátil y anhela una aventura que la saque de su rutina. Esto explica por qué se siente vulgarmente atraída por Samuel (Harris Dickinson), un veinteañero que entra como pasante en la oficina de Tensile en Nueva York, cuya confianza en sí mismo es vulgarmente atrevida y está justo en el nivel insoportable de la insolencia. El pasante quiere que ella sea su mentora; quiere todo lo que pueda conseguir, aunque la mentoría sea solo para demostrarle lo atrevido que es. Al llegar al trabajo una mañana, Romy lo ve domesticando a un perro salvaje en la calle. Tal vez, piensa, él también pueda domesticarla a ella.

Al igual que el primer clímax de Romy, la película parece ser una parodia y una buena actuación; realizada con maestría pero sospechosa en el corazón de la historia. Reijn disfrutó de un gran éxito con la contundente "Bodies Bodies Bodies" en 2022, pero esta película es menos satisfactoria y, a veces, bastante incómoda. Romy y Samuel están atrapados en una relación tórrida y tóxica. Él le da de comer platillos de leche al son de "Father Figure" de George Michael, mientras que su marido, Jacob (Antonio Banderas), se queda con las niñas y tratando de dirigir su último espectáculo off-Broadway. El equilibrio de poder cambia: Samuel comienza a pensar que él es el jefe y Romy (por alguna razón que solo ella entiende) cede. Señala que tiene un control crucial sobre Romy y que todo lo que se necesitaría es una llamada telefónica para terminar instantáneamente con su carrera (pero, ¿a quién es esa llamada?). Mientras más cede al control de él y sus juegos tóxicos, más incómoda se vuelve la historia, solo alzando la pregunta de hasta donde llegará este "juego".

¿Es un spoiler mencionar que la aventura de Romy y Samuel no termina bien? Es obvio. No puede haber un final feliz para estos dos; solo más desorden, más estrés y, finalmente, una pelea a puños junto al árbol de Navidad. El drama de Reijn merece crédito por su falta de moralización y sugiere que incluso la aventura más imprudente puede traer beneficios imprevistos. Pero su mayor logro lo alcanza demasiado tarde en la trama, y a pesar de toda su carnalidad excitada y sus luchas de poder en sucesión, las emociones de la película se sienten maquinadas y envasadas al vacío. "Babygirl" culmina luciendo tan ordenada y anónima como una caja del almacén de entregas de Tensile, con la inquietud de su contenido pudo haber sido más emocionante si se hubiese empacado mejor.


jueves, 2 de julio de 2020

Temporada de Premios: Ganadores a los Premios Platino 2020


El cine y la televisión iberoamericana han celebrado una vez más la entrega de los Premios Platino 2020. Aunque no se celebró en el Teatro Gran Tlachco de Xcaret como estaba previsto, la era digital ha sido el responsable de darnos la oportunidad de vivirlo por otro año más hasta que todo se regule. Las producciones españolas Dolor y Gloria, de Pedro Almodóvar, y la serie La Casa de Papel han sido las galardonadas arrasadoras de la edición con hasta nueve estatuillas, anunciadas a través de YouTube por el actor Omar Chaparro y la actriz y cantante Májida Issa.

El filme de Almodóvar continúa siendo premiado con otros seis galardones, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor actor para su protagonista Antonio Banderas, un reconocimiento que se suma al Platino de Honor que concedieron en 2015 al malagueño. Por su parte, los ladrones más famosos de la ficción española, se llevaron el premio a mejor teleserie, mejor interpretación masculina para Álvaro Morte, como El profesor, y mejor interpretación femenina de reparto para Alba Flores, en el papel de la queridísima Nairobi.


Mejor película iberoamericana de ficción:
Dolor y Gloria

Mejor dirección:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación masculina:
Antonio Banderas, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación femenina:
Carol Duarte, por A Vida Invisível

Mejor música original:
Alberto Iglesias, por Dolor y Gloria

Mejor película de animación:
Buñuel en el Laberinto de las Tortugas

Mejor película documental:
Democracia em vertigem

Mejor guión:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor ópera prima de ficción iberoamericana:
La Camarista

Mejor dirección de montaje:
Teresa Font, por Dolor y Gloria

Mejor dirección de arte:
Juan Pedro de Gaspar, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección de fotografía:
Jasper Wolf, por Monos

Mejor dirección de sonido:
Lena Esquenazi, por Monos

Premio Platino al cine y educación en valores:
El Despertar de las Hormigas

Mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana:
La casa de Papel

Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie:
Álvaro Morte, por La casa de Papel

Mejor interpretación femenina en miniserie o teleserie:
Cecilia Suárez, por La casa de las Flores

Mejor interpretación masculina de reparto en miniserie o teleserie:
Gerardo Romano, por El marginal III

Mejor interpretación femenina de reparto en miniserie o teleserie:
Alba Flores, por La casa de Papel

jueves, 13 de febrero de 2020

Crítica Cinéfila: Dolor y Gloria

Narra una serie de reencuentros en la vida de Salvador Mallo, un director de cine adolorido. Algunos de ellos físicos, y otros recordados, como su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia, en busca de prosperidad, así como el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine, y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.



Pedro Almodóvar ha encontrado un registro más intensamente personal que nunca para su nueva y tierna película sobre un director de cine envejecido retirándose de su profesión que enfrenta problemas de salud, depresión y el declive de sus poderes. Es la característica número 21 de Almodóvar: tal vez podría llamarse 20 ½ .

Dolor y Gloria es una película otoñal en clave menor negativo, con más dolor que gloria, aunque la gloria hace un resurgimiento tardío. Hace que el enfoque de Almodóvar muera: el suyo y el de las personas que ama, pero también la pasión por el cine que aún puede conquistar la muerte o proporcionar una forma de aceptarla.

Como siempre, Almodóvar ha realizado una película sobre el placer, que es en sí misma un placer: ingenioso, inteligente y sensual. Se trata de amor, memoria, arte, madres, amantes y, sobre todo, se trata de sí mismo, que en manos de un director menor sería terriblemente indulgente. Pero Almodóvar es un maestro de la autorreferencia e intertextualidad: la película dentro de una película, la historia dentro de una historia, el sueño dentro de un sueño. Almodóvar opera en una especie de motor de combustión interna de creatividad y sentí que esta película se estaba ejecutando de manera tan suave y tan seductora que podría haber continuado durante otras cinco horas.


Antonio Banderas asume el papel para el que nació para jugar, aunque sin el sorteo copo de nieve. Él es Salvador Mallo, un director de cine que no ha hecho nada durante años pero que ha acumulado suficiente dinero para vivir cómodamente entre obras de arte caras, reflexionando sobre sus diversas dolencias: dolores de cabeza, dolores de espalda, una tendencia a ahogarse con cualquier alimento sólido, y en general depresión; todos estos tienen una misteriosa relación de causa o efecto con su bloque creativo.

Un encuentro casual con una vieja amiga actriz, Zulema (un cameo para Cecilia Roth) lo reconecta con el ex actor estrella Alberto (Asier Etxeandia); se pelearon hace décadas mientras hacían su obra maestra. Alberto le presenta a Salvador la heroína, un nuevo sabor peligroso que le recuerda a un guión de teatro autobiográfico abandonado llamado Adicción, sobre el abuso de drogas de un ex amante. Se lo da a Alberto para que actúe en el escenario y esto trae a las personas del pasado a la vida de Salvador, y su estado mental se altera repentinamente. Todo el tiempo hay recuerdos extáticos de su madre, interpretada magníficamente por Penélope Cruz y como una mujer mayor al borde de la muerte por Julieta Serrano. La madre mayor lo desaprueba cuando su hijo comienza a pedirle sus propios recuerdos de su vida: "No quiero nada de esto en sus películas".


Como siempre, el cinematógrafo José Luis Alcaine y el diseñador de producción Antxón Gómez le dan a la película una riqueza y calidez maravillosas, los colores pululando y reventando. Hay algunas risas, especialmente cuando Alberto y Salvador han sido persuadidos para hacer una sesión de preguntas y respuestas en el escenario después de una proyección de su controvertida película. Almodóvar puede tener sentimientos encontrados acerca de las preguntas y respuestas como una tradición cinematográfica.

Hay una agilidad magistral en el estilo narrativo de Almodóvar: una cosa lleva a otra, o a un recuerdo asociado, o a una versión ficticia creada. Saltamos de un lado a otro entre el pasado y el presente. Hay algo incompleto o inacabado en este trabajo, pero quizás esto simplemente representa la condición de la vida misma. Dolor y Gloria te deja con una dulce tristeza, pero con un fuerte apetito por la próxima película.


domingo, 26 de enero de 2020

Temporada de Premios: Ganadores de los Premios Goya 2020


La 34ª edición de los Premios Goya fue dominada por Pedro Almodóvar y su película Dolor y Gloria, la cual ha ganado 7 de los 16 premios a los que estaba nominada, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actor Protagonista para Antonio Banderas. 

Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, ha conseguido 5 de las 17 nominaciones a las que aspiraba, mientras que la tercera favorita de la noche, La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, solo ha conseguido 2 de las 15 nominaciones a las que aspiraba, entre ellas la de Mejor Actriz protagonista para Belén Cuesta.

Andreu Buenafuente y Sílvia Abril han repetido como presentadores de la gala más importante del cine español, que este año además ha otorgado el Goya de Honor a la actriz Pepa Flores.

A continuación, le ofrecemos la lista completa de los ganadores de los Premios Goya 2020, subrayados en negrita los premiados:

Mejor película
Ganadora: Dolor y gloria
Intemperie
La trinchera infinita
Lo que arde
Mientras dure la guerra

Mejor dirección
Ganador: Pedro Almodóvar, por Dolor y gloria
Aitor Arregi, Jon Garaño, Jose Mari Goenaga, por La trinchera infinita
Oliver Laxe, por Lo que arde
Alejandro Amenábar, por Mientras dure la guerra

Mejor actor protagonista
Ganador: Antonio Banderas, por Dolor y gloria
Antonio de la Torre, por La trinchera infinita
Karra Elejalde, por Mientras dure la guerra
Luis Tosar, por Quien a hierro mata

Mejor actriz protagonista
Ganadora: Belén Cuesta, por La trinchera infinita
Penélope Cruz, por Dolor y gloria
Greta Fernández, por La hija de un ladrón
Marta Nieto, por Madre

Mejor actor de reparto
Ganador: Eduard Fernández, por Mientras dure la guerra
Asier Etxeandia, por Dolor y gloria
Leonardo Sbaraglia, por Dolor y gloria
Luis Callejo, por Intemperie

Mejor actriz de reparto
Ganadora: Julieta Serrano, por Dolor y gloria
Mona Martínez, por Adiós
Natalia de Molina, por Adiós
Nathalie Poza, por Mientras dure la guerra

Mejor Película Iberoamericana
Ganadora: La odisea a de los giles, de Sebastián Borensztein (Argentina)
Araña, de Andrés Wood (Chile)
El despertar de las hormigas, de Antonella Sudasassi (Costa Rica)
Monos, de Alejandro Landes (Colombia)

Mejor película documental
Ganadora: Ara Malikian una vida entre las cuerdas, de Nata Moreno
Aute retrato, de Gaizka Urresti
El cuadro, de Andrés Sanz
Historias de nuestro cine, de Ana Pérez-Lorente, Antonio Resines

Mejor película de animación
Ganador: Buñuel en el laberinto de las tortugas, de Salvador Simó
Elcano y Magallanes: la primera vuelta al mundo, de Ángel Alonso
Klaus, de Sergio Pablos

Mejor película europea
Ganadora: Les Miserables, de Ladj Ly (Francia)
Border, de Ali Abbasi (Suecia)
A Portrait of a Lady in Fire, de Céline Sciamma (Francia)
Yesterday, de Danny Boyle (Reino Unido)

Mejor dirección novel
Ganadora: Belén Funes, por La hija de un ladrón
Salvador Simó, por Buñuel en el laberinto de las tortugas
Galder Gaztelu-Urrutia, por El hoyo
Aritz Moreno, por Ventajas de viajar en tren

Mejor actor revelación
Ganador: Enric Auquer, por Quien a hierro mata
Nacho Sánchez, por Diecisiete
Vicente Vergara, por La trinchera infinita
Santi Prego, por Mientras dure la guerra

Mejor actriz revelación
Ganadora: Benedicta Sánchez, por Lo que arde
Pilar Gómez, por Adiós
Carme Arrufat, por La inocencia
Ainhoa Santamaría, por Mientras dure la guerra

Mejor cortometraje de ficción
Ganador: Suc de Síndria
El nadador
Foreigner
Maras
Xiao Xian

Mejor cortometraje documental
Ganadora: Nuestra vida como niños refugiados en Europa
2001 destellos en la oscuridad
El infierno
El sueño europeo: Serbia

Mejor cortometraje de animación
Ganadora: Madrid2120
El árbol de las almas perdidas
Homomaquia
Muedra

Mejor canción original
Ganadora: Intemperie de Javier Ruibal, por Intemperie
Invisible de Caroline Pernell, Jussi Ilmari Karvinen (Jussifer), Justin Tranter, por Klaus
Allí en la arena, de Toni M. Mir, por La inocencia
Nana de las dos lunas de Sergio de la Puente, por La noche de las dos lunas

Mejor montaje
Ganadora: Teresa Font, por Dolor y gloria
Laurent Dufreche y Raúl López, por La trinchera infinita
Alberto del Campo, por Madre
Carolina Martínez Urbina, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección artística
Ganador: Juan Pedro de Gaspar, por Mientras dure la guerra
Antxón Gómez, por Dolor y gloria
Pepe Domínguez, por La trinchera infinita
Mikel Serrano por, Ventajas de viajar en tren

Mejor música original
Ganador: Alberto Iglesias, por Dolor y gloria
Arturo Cardelús, por Buñuel en el laberinto de las tortugas
Pascal Gaigne, por La trinchera infinita
Alejandro Amenábar, por Mientras dure la guerra

Mejor guion adaptado
Ganador: Benito Zambrano, Daniel Remón y Pablo Remón, por Intemperie
Eligio Montero y Salvador Simó, por Buñuel en el laberinto de las tortugas
Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por Madre
Javier Gullón, por Ventajas de viajar en tren

Mejor guion original
Ganador: Pedro Almodóvar, por Dolor y gloria
David Desola y Pedro Rivero, por El hoyo
Jose Mari Goenaga y Luiso Berdejo, por La trinchera infinita
Alejandro Amenábar y Alejandro Hernández, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección de fotografía
Ganador: Mauro Herce, por Lo que arde
José Luis Alcaine, por Dolor y gloria
Javi Agirre Erauso, por La trinchera infinita
Álex Catalán, por Mientras dure la guerra

Mejor sonido
Ganadora: Iñaki Díez, Alazne Ameztoy, Xanti Salvador y Nacho Royo-Villanova, por La trinchera infinita
Sergio Bürmann, Pelayo Gutiérrez y Marc Orts, por Dolor y gloria
Aitor Berenguer y Gabriel Gutiérrez, por Mientras dure la guerra
David Machado, Gabriel Gutiérrez y Yasmina Praderas, por Quien a hierro mata

Mejores efectos especiales
- Ganador: El hoyo
- La trinchera infinita
- Mientras dure la guerra
- Perdiendo el Este

Mejor dirección de producción
- Ganadora: Carla Pérez de Albéniz, por Mientras dure la guerra
- Toni Novella, por Dolor y gloria
- Manolo Limón, por Intemperie
- Ander Sistiaga, por La trinchera infinita

Mejor maquillaje y peluquería
- Ganadora: Ana López-Puigcerver, Belén López Puigcerver y Nacho Díaz, por Mientras dure la guerra
- Ana Lozano, Sergio Pérez Berbel y Montse Ribé, por Dolor y gloria
- Yolanda Piña, Félix Terrero y Nacho Díaz, por La trinchera Infinita
- Karmele Soler y Olga Cruz, por Ventajas de viajar en tren

Mejor diseño de vestuario
- Ganadora: Sonia Grande, por Mientras dure la guerra
- Paola Torres, por Dolor y gloria
- Lourdes Fuentes y Saioa Lara, por La trinchera Infinita
- Alberto Valcárcel, por Paradise Hills

viernes, 24 de enero de 2020

Crítica Cinéfila: Dolittle

Cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura, recuperando su sentido del humor y su coraje a medida que se cruza con viejos adversarios y mientras descubre maravillosas criaturas.



Ningún médico puede curar lo que afecta a esta película de Dolittle. Desde la primera escena, está claro que algo está terriblemente flojo con este intento generosamente equivocado de la popular franquicia literaria cargada de animales que nació exactamente hace un siglo. El actor y productor ejecutivo Robert Downey Jr., extrañamente diferente, nunca se siente lo suficientemente cómodo para energizar una historia que no puede justificar su reinterpretación.

Inmediatamente después de Cats, esto es todo lo que Universal necesita, pero al menos el estudio ahora sabrá mejor que nunca que no debería dar luz verde a ninguna película centrada en animales por el momento.

La historia toma lugar en una Inglaterra del siglo XIX durante el reino de la joven Reina Victoria. Unos años antes, Dolittle utilizaba su hogar como un hospital para animales junto a su esposa Lily. Sin embargo, y después del fallecimiento de Lily, él cerro las puertas de su vivienda, solo teniendo contacto con los animales que viven en esas paredes. Unos años más tarde, Dolittle es impulsado por la urgencia de salvar la vida de una muy joven Reina Victoria para salir de sus paredes. Pero tantos años disfrutando del talento único de poder hablar con los animales que pueblan su vasta propiedad rural, han hecho que lidiar con humanos sea una tarea difícil. 


Es así como a través del viaje, confronta personas de su pasado, la realidad de poder perderlo todo por no querer comprometerse a ayudar a quien lo ayudó en su momento, y de paso cargar con un jóven que dice querer convertirse en su aprendiz, aunque de quien uno tiene que apiadarse es de este niño.

El primer acto se dedica principalmente a detallar las habilidades de comunicación entre Dolittle y otras especies, manejadas con el doctor hablando el mismo idioma que los distintos animales. Sin embargo, este es uno de los pocos atractivos de la película. Entre problemas narrativos y técnicos, es cuestionable la necesidad de haber vuelto a traer al importante doctor a la gran pantalla.

A pesar de los grandes esfuerzos claramente realizados para hacer que la colección de animales de Dolittle sean visualmente creíble, las escenas fundamentales clave se sienten obligatorias y moderadas. Los planos extremadamente cercanos a los animales hacen aún más notorios los problemas de efectos visuales, mientras que las escenas de acción se sienten claramente falsas. 


Cuando este sarnoso Dolittle y su grupo de animales finalmente se embarcan en su largo viaje por el mundo para encontrar una cura para el joven monarca enfermo, esto implica, por supuesto, el cóctel habitual de efectos especiales y visuales impactantes, pero poca de la emoción deseada y la alegría de un viaje épico se desborda incluso para intoxicar ligeramente al espectador. Junto con la sensación progresiva de que Downey realmente no está disfrutando del personaje que está interpretando, su Dolittle simplemente no es muy divertido, es la sensación de que el director Stephen Gaghan es irreparablemente inadecuado para este material. El talento natural de Gaghan radica en un drama feroz y oportuno, no caprichoso en el orden de lo que se requiere aquí.

La actuación de Downey tiene una cualidad recesiva, algo extraño debido a este extrovertido normalmente irreprimible actor. Cuando Dolittle tiene actitudes que el mismo Downey Jr. ha traído a la vida en ocasiones anteriores, aquí el personaje se siente forzoso y con un acento que es verdaderamente difícil de entender. Sus interacciones con los animales son toscas, muy al contrario del clásico Dolittle donde era bien cercano a cada especie.

Junto con el desempeño vago de la estrella, el ritmo desesperadamente maníaco no le da a Dolittle  ni siquiera un susurro de la posibilidad de convertirse en lo que aspira a ser: encantador y atractivo para niños de todas las edades. La forma en que este desajuste del personaje tanto antes como detrás de la cámara no fue evidente de inmediato para todos los involucrados representa un leve misterio que fruncirá algunas cejas por un segundo al comienzo de esta nueva década.


En cualquier caso, Dolittle y compañía finalmente llegan al rincón más alejado del mundo donde reside el Rey Rassouli (Antonio Banderas), el padre de la difunta esposa del médico, que pereció en un accidente. Michael Sheen proporciona cierta villanía de dibujos animados como Dr. Blair Mudfly, pero esta es una película que se encuentra muy cara en la pantalla sin que nada parezca remotamente en juego. No tiene peso ni sustancia y no produce ningún tipo de impacto.

Ay si se hubiera dedicado tanto trabajo meticuloso a la narración y al guión. La historia pierde ritmo y energía constantemente, y las historias de los animales son las que lideran la pantalla. Entre una ardilla con un constante deseo de venganza, un gorila inseguro, un tigre con "mommy issues" y un super rectil con problemas de constipación, las escenas de los animales ganan sus risas en momentos que son necesarios para que la historia no decaiga aún más. 

Cualquiera que busque diversión genuina podría hacer algo peor que leer el capítulo en las memorias del director Richard Fleischer, Just Tell Me When to Cry, sobre la realización de la igualmente catastrófica adaptación de Lofting, el musical Doctor Fox Dolittle de 1967; es uno de los relatos más divertidos de la realización de cualquier película. Ese fiasco, que casi hundió a 20th Century Fox, es un fuerte contendiente para la peor película nominada al Oscar a la mejor película. Eddie Murphy tuvo mejor suerte con su versión de 1998 cargada de comediantes, que fue seguida por una secuela. Pero definitivamente esta no tendrá otros episodios. O por lo menos, no creo que Robert Downey Jr. lo permita.


jueves, 4 de octubre de 2018

Life itself

Una historia de amor ambientada en las calles de Nueva York y España que se extiende a lo largo de varias generaciones, con diferentes personajes cuyas vidas se entrecruzan.



La filmografía de Dan Fogelman se caracteriza por dos factores: la interrelación social y familiar, y el factor sorpresa. Lo hemos visto en Tangled, Crazy Stupid Love y lo estamos viviendo con This Is Us. Es increíble como su estilo de escritura es tan particular que ya es fácil de reconocer. Life Itself es su último ejemplo y, en mi opinión, uno de sus mejores trabajos como guionista.

La trama se divide en multiples pequeñas historias (A continuación - SPOILERS):

Comienza siguiendo el romance entre Will y Abbey en New York, y como cuando estaba embarazada de su hija, fue golpeada accidentalmente por un autobús, muriendo instantaneamente. Dylan (la hija de Will y Abbey) nace una semana antes, pero seis meses después Will decide quitarse la vida, deprimido por la muerte de su esposa. Dylan crece con sus abuelos, pero su suerte no mejora cuando su abuela fallece, y luego su perro. Por otro lado, del otro lado del mundo en España, la historia sigue la complicada relación de jefe y agricultor entre Vincent Saccione y Javier González, y cómo cuando este último es acendido a Supervisor principal de tierras, su novia (que pasa a ser esposa y madre de su hijo) se muda a las tierras donde él trabaja. No obstante, Vincent iniciará una amistad con la esposa y el hijo de Javier, lo cual no será de su agrado y lo llevarán a tomar peores decisiones en su vida y la de su familia.


Un detalle que es necesario resaltar sobre la historia es la individualidad en la que se cuentan cada una de las pequeñas historias y cómo estas se unen de una manera tan orgánica y a la vez inesperado. El subtexto del que está cargado cada una de las escenas de esta película sirve para entender cómo todas las relaciones se conectan y cómo cada uno de los personajes están en el lugar que están por una razón de la vida. No hay un simple momento en que la historia resulte incoherente o incompleta pues Fogelman se toma el tiempo necesario para darle un por qué a todo. 

En ese mismo sentido, y al ser esta una historia muy cercana a cada uno de sus personajes, el desarrollo de estos está tan bien estructurado que es muy difícil perderse en sus filosofías. Cada uno es muy específico de su ser, sigue su propio entendimiento y responde de una manera muy particular. Gracias a la personificación de cada uno de los actores, reencarnan estas vidas a un nivel que la sentimos más cerca de la realidad. Sus tragedias y sus triunfos no resultan exagerados ni mucho menos escasos de verdad. Y a pesar de ser ficticios, obligan a la audiencia a adentrarse en lo que ellos sienten y ven, con una transparencia que sensibiliza cualquier ser humano.


La estructura es otro de los ingenios de Fogelman, en donde rompe todos los parámetros de un guion y cuenta la historia por capítulos, dándole principio y un supuesto final a cada historia, pero a la vez abriendo la posibilidad de una mezcla de historias en algún momento de esta. El final de una es el principio de otra, y las perdidas de un personaje resultan los triunfos de otros. En el último momento la historia conecta tan bien y sorprendentemente que solo nos interesa saber hacia donde sigue la vida de estos personajes.

En aspectos técnicos, la música complementa una narrativa que acompaña las acciones de los personajes para no permitirle a nadie perderse o confundir secuencias. Cada secuencia tiene un narrador distinto que es un personaje extremadamente importante para la historia y se revela al final de la misma. Del mismo modo, la película utiliza un estilo fotográfico similar a los documentales, lo cual hace una buena química con la narrativa, los personajes y la historia en sí.

Life Itself está libre de la dulzura moderada de "This Is Us", pero con una calidad de guión superior a la de 2011 "Crazy Stupid Love". Los últimos 20 minutos de la película resultan ser un sentimentalismo en su máxima expresión, recordándonos que somos de quienes venimos, y que llevamos los espíritus de nuestros seres queridos al próximo capítulo de su historia viviendo nuestras propias vidas.