Crítica Cinéfila: Juror #2

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Imagine que usted es una persona cumpliendo con ser jurado de un juicio por primera vez, y de repente, el primer día, descubre que el acusado ha sido acusado de un crimen terrible del que usted es, de hecho, responsable. Ése es el detonante de la última película de Clint Eastwood, “Juror #2”, una extensión ligeramente absurda pero sumamente atractiva de la fascinación que ha sentido durante toda su carrera alrededor de las temáticas de la culpa, la justicia y las limitaciones de la ley.

En las películas en las que Eastwood actúa, las armas son de gran ayuda para resolver problemas que el sistema no puede resolver. Pero el director no aparece en “Juror #2”, un drama judicial de corte moral en el que Nicholas Hoult interpreta al único que se resiste en un juicio por asesinato. La película puede comenzar con una nota de idealismo, pero rápidamente se vuelve cínica cuando el personaje de Hoult, el esposo “perfecto” y ciudadano honrado Justin Kemp, honra su citación al jurado, aunque preferiría quedarse en casa con su esposa embarazada, Ally (Zoey Deutch).

En el momento que la fiscal Faith Killebrew (Toni Collette) describe el asesinato (un claro caso de violencia doméstica, en su opinión), Justin se da cuenta de que estaba en el bar de la carretera la noche en cuestión. Lo que es aún más inquietante es que, según los flashbacks de Justin, parece claro que el ciervo al que atropelló de camino a casa no era un ciervo, sino la víctima, Kendall Carter (Francesca Eastwood).

¿Cuáles son las probabilidades? Es mejor no cuestionarlo. O estás de acuerdo con la premisa o no estás en una película que se toma en serio la situación resultante, invitando al público a reflexionar sobre lo que harían en el lugar de Justin. Para complicar las cosas, el futuro padre es un alcohólico en recuperación, y su padrino (Kiefer Sutherland) —que también es abogado— le advierte que si confiesa, nadie creerá que estaba sobrio en la fatídica noche.

No es casualidad que la película esté ambientada en Georgia, donde el homicidio vehicular en primer grado se considera un delito grave. La ubicación le da a Collette (y a nadie más del elenco) la oportunidad de hacer un marcado acento sureño, ya que su personaje alterna entre los tribunales y la campaña electoral. Faith se postula para fiscal de distrito con una plataforma dura contra el abuso doméstico, y este caso podría llevarla a la victoria, lo que hace que la verdad sea tan incómoda para ella como lo es para Justin. 

Una vez que el juicio termina y comienzan las deliberaciones, Eastwood parece contar con que haya visto “12 Angry Men” (1957), y plantea la posibilidad de que Justin pueda convencer al resto del jurado para que se absuelva, o bien empujarlos hacia un veredicto de culpabilidad, dejando que el novio de Kendall, James Sythe (Gabriel Basso), cargue con la culpa. Pero el guión de Jonathan Abrams tiene algunos giros bajo la manga que parecen encajar con la visión más escéptica de Eastwood sobre el proceso legal.

Al principio, Justin da un breve discurso digno tipo Frank Capra sobre cómo el acusado merece el beneficio de la duda, pero está claro que es su conciencia la que habla. Diez de los jurados están dispuestos a condenar, mientras que Justin encuentra un aliado en Harold (JK Simmons), un ex detective de policía cuyo instinto le dice que el acusado es inocente.

Justin se da cuenta de que el problema de influir en los demás es que actúan con base en prejuicios, lo que supone una crítica bastante dura del sistema de “pares” con el que funcionan los jurados. Al igual que la policía y el fiscal, estos civiles son susceptibles a los prejuicios, ya que solo consideran las pruebas que respaldan las conclusiones a las que llegaron apresuradamente. Por supuesto, todo podría resolverse bastante rápido si Justin dijera la verdad.

El editor Joel Cox y su hijo David siguen haciendo cortes para mostrar primeros planos del rostro de Justin, mientras Hoult transmite su confusión a través de ojos furtivos y miradas nerviosas, emociones que seguramente mantendría ocultas en la vida real. No es el único personaje que enfrenta una crisis de conciencia: Faith finalmente comienza a cuestionar su caso, lo que podría poner en peligro sus ambiciones políticas, al tiempo que le da a Collette la oportunidad de redimir a un personaje que antes parecía un obstáculo moralista a la justicia y ahora parece su defensor más digno de Eastwood.

Después de centrarse en la culpabilidad de Justin durante la mayor parte de la película, el guion de Abrams juega una mala pasada hacia el final, saltándose el voto final del jurado para sorprendernos cuando se lee el veredicto en el tribunal: una trampa eficaz, dramáticamente hablando, que deja la decisión más importante de Justin fuera de la pantalla. Si bien hay mucho que analizar a lo largo de la película, la última escena de la película nos deja a nosotros como jueces.

Como siempre, Eastwood respeta nuestra inteligencia. Y, sin embargo, “Juror #2” es una anomalía en su obra: se encuentra entre sus películas más serenas a nivel de acciones, en las que se renuncia al espectáculo en favor de la autorreflexión. Se podría decir que todo el sistema está siendo juzgado, y, sin embargo, el único hombre enojado aquí es Eastwood, no los jurados, ya que Harry el sucio no termina con una explosión, sino con un susurro ambivalente.

Crítica Cinéfila: Anatomía de una Caída

Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tumultuosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira.

La última prueba de que las películas francesas más interesantes de hoy están dirigidas por mujeres, "Anatomía de una caída" (Anatomie d'une chute), de Justine Triet, marca un emocionante paso adelante para una cineasta que parece preparada para un mayor reconocimiento internacional.

Protagonizada por una sensacional Sandra Hüller como una novelista alemana juzgada por el asesinato de su esposo, esta segunda película de Triet a la competición de Cannes (después de "Sibyl" de 2019) es un drama apasionante y gratificante: en parte en el proceso legal, en parte como retrato de una mujer complicada por un matrimonio al borde. "Anatomía de una caída" trata, sobre todo, de la incognoscibilidad esencial de una persona, de una relación, y de la peligrosa imposibilidad de tratar de comprender lo que ha ocurrido, ya sea desde el punto de vista de un niño que se pregunta sobre sus padres o desde un tribunal que se esfuerza por encontrarle sentido a un sospechoso inescrutable. En otras palabras, es una película que se ocupa de la narración: las historias que contamos a los demás sobre nosotros mismos y las que nosotros, como individuos y sociedad, nos contamos sobre los demás.

Si el más mínimo cuestionante surgiese de "¿por qué esta película, ahora, de este director?" al principio, "Anatomía de una Caída" sirve en última instancia como un correctivo tonificante para el sensacionalismo y la simplismo de tanto contenido con temas criminales en estos días. Este es un trabajo matizado, que se resiste a la calidad burlona que caracteriza incluso esfuerzos de “prestigio” como el reciente "The Staircase" de HBO (basado en un caso de la vida real que comparte líneas generales y algunos detalles específicos con el caso ficticio de esta trama). La película también presenta una reprimenda sutil pero directa a cierto conservadurismo cultural arraigado (y quizás para algunos sorprendente) en Francia, particularmente en lo que respecta al género y la familia.

Es una flexión discreta de Triet. Tanto "Sibyl" (en la que Hüller desempeñó un divertido papel secundario) como "Anatomía de una Caída" giran en torno a escritoras cuyo instintivo rechazo a quedar encasilladas en las convenciones las mete en problemas. Pero la película anterior mezclaba farsa de dormitorio, melodrama, cine negro y thriller erótico con un abandono garabateado que era más divertido en teoría que en la práctica. "Anatomía de una caída" es una visión mucho más placentera, un poco paradójica, dado el tema grave de la película, el control sensato de la directora y el compromiso con la plausibilidad. Aunque hace que la historia sea claramente suya, Triet no intenta nada salvaje aquí, lo que resulta sabio; ¿Por qué jugar con un material tan jugoso o eclipsar a una actriz principal tan formidable?

Coescrita por Triet y Arthur Harari, la película comienza en un chalet en un suburbio nevado de Grenoble, en los Alpes franceses. Sandra (Hüller), una escritora alemana de unos 40 años que vive allí con su esposo francés Samuel (Samuel Theis) y su hijo de 11 años, Daniel (Milo Machado Graner), está siendo entrevistada por una estudiante de posgrado (Camille Rutherford). De repente, la música (una versión instrumental de “PIMP” de 50 Cent, para ser exactos) comienza a sonar a todo volumen desde la oficina de Samuel en el ático, lo que hace imposible continuar la entrevista. Es un gesto inequívocamente provocativo, que sugiere un matrimonio sumido en mezquinos antagonismos, y el enfado de Sandra es palpable bajo sus esfuerzos por ignorarlo. Ella se despide de la estudiante y sube las escaleras, mientras Daniel, cuya visión está afectada debido a un accidente años antes, saca a pasear a su perro. Cuando el niño regresa, su padre está muerto en el suelo afuera de la casa, con la sangre acumulándose debajo de su cabeza (y 50 Cent todavía sonando a todo volumen).

¿Samuel saltó desde la ventana del ático? ¿O Sandra lo empujó? Esas preguntas impulsan la tensión latente de la película; aunque Triet está menos interesada en las respuestas que en la falta de ellas, el efecto de la incertidumbre (de no saber cómo o por qué murió Samuel) queda en el destrozado joven Daniel, quien se convierte en los ojos del espectador a partir de este suceso. Mientras dice, con la voz llena de lágrimas: “Tengo que entender”.

"Anatomía de una caída" es incisiva en su descripción de la tendencia de un sistema legal a llenar los espacios en blanco de un caso con suposiciones y fantasías, aquí a menudo de naturaleza sexista. Pero lo que atormenta más a la película, dándole su carga de escalofriante obsesión, es la cuestión de cómo percibir a Sandra. Ella insiste en su inocencia, aunque no tiene una coartada ni marca las casillas del típico héroe acusado injustamente. Y, lo que es más importante, la cineasta no nos da ninguna garantía, o ningún acceso privilegiado a la información que nos permita formarnos una opinión verdaderamente segura.

Huller es una intérprete tan vívida y precisa que entendemos a Sandra, una intelectual que ha negociado los términos de la vida doméstica para que funcione para ella. Pero Richard Kimble no lo es. No podemos estar seguros de lo que hizo o no hizo Sandra, y Triet nos desafía a aceptarlo sin renunciar a ella. En la mayoría de las películas que se basan en el suspenso sobre si un personaje principal es culpable o inocente (desde "Suspicion", de Hitchcock, hasta "In a Lonely Place", de Nicholas Ray, pasando por Jagged Edge y "Basic Instinct"), hay una especie de colchón de consuelo, un coprotagonista en el que podemos refugiarnos. Aquí no.

La sensación de ambigüedad predominante se extiende a la relación de Sandra con su abogado, Vincent (Swann Arlaud), un viejo amigo que acude en su ayuda pero que puede tener motivos ocultos, o al menos sentimientos propios no expresados. Al contarle su versión de los hechos, Sandra parece protectora con Samuel, un escritor frustrado y profesor a tiempo parcial, y sostiene que él no se habría suicidado. Pero con una autopsia no concluyente (su muerte podría haber sido causada por la colisión con el suelo o por un golpe en la cabeza antes de la caída), Vincent señala que la hipótesis del suicidio es su defensa más segura.

Las grietas en el caso de Sandra se multiplican, algunas de las cuales indican que no ha sido del todo comunicativa: hematomas en el brazo compatibles con una lucha, un análisis de salpicaduras de sangre que infiere violencia, discrepancias en el relato de los acontecimientos que hace Daniel, y el descubrimiento de una grabación de audio de Sandra y Samuel peleando el día antes de su muerte. También hay peculiaridades logísticas. Dado que Daniel está subiendo al estrado pero vive bajo el cuidado del acusado, se envía a una acompañante designada por el estado, Marge (Jehnny Beth), básicamente para cuidarlo, asegurándose de que Sandra no influya en su testimonio. El vínculo de confianza que Daniel y Marge construyen gradualmente en el fondo contrasta silenciosamente con la distancia cada vez mayor entre el niño y su madre.

Las escenas del juicio se desarrollan con una autenticidad fascinante. Aunque Triet asiente astutamente ante los arquetipos del género: fiscal intimidante (Antoine Reinartz, excelente), juez acosadora (Anne Rotger), testigos expertos demasiado entusiastas, y revelación de última hora, nada está amplificado o subrayado artificialmente. Ausentes están las trampas y los crescendos de justa indignación que provocan asombro y que son característicos de los clásicos de los tribunales estadounidenses como "Anatomía de un asesinato", "El veredicto" y "Testigo de la acusación".

Más bien, Anatomía se centra en la resbaladiza interacción entre el personaje y el proceso legal: las formas en que este último oscurece y distorsiona al primero, así como las formas en que el primero se adapta al segundo. Hüller exuda una inteligencia punzante, pero te hace preguntarte, a través de pequeñas variaciones en el tono y la expresión, si Sandra está suavizando ligeramente su personalidad dentro y fuera de la cancha, jugando el juego que necesita jugar una vez que se da cuenta de lo que está en juego. La actriz también localiza el núcleo de verdadera vulnerabilidad de Sandra: aunque habla inglés y francés con fluidez, sigue siendo (como ella misma comenta) una forastera en Francia, incapaz de explicarse en su lengua materna.

Los sentimientos de Sandra de haber sido incomprendida llegan a un punto crítico cuando el tribunal analiza su matrimonio, una conexión que alguna vez fue eléctrica y corroída por la rivalidad profesional, los celos sexuales y los factores estresantes tanto cotidianos como existenciales. El único flashback que tenemos de la pareja (una disputa en la que resentimientos largamente mantenidos alcanzan un punto de ebullición furiosa) es una de las escenas de conflicto conyugal más persuasivas y poderosamente inquietantes que se pueden haber visto en pantalla. Theis interpreta a Samuel con una angustia terriblemente cruda, mientras que Hüller nos muestra a una mujer oscilando entre la desesperación por salvar su relación y la ira ante la perspectiva de frenar su ambición de acomodar el ego herido de su esposo.

Trabajando con el director de fotografía Simon Beaufils, Triet filma con un estilo de realismo dinámico que es un acto de equilibrio en la cuerda floja: la película no manipula nuestras simpatías, ni se siente clínica o distante gracias a los fluidos cambios de perspectiva que nos acercan al personajes atrapados en la terrible experiencia, particularmente Daniel. En una escena, la cámara hace ping-pong de un lado a otro con Daniel en el medio mientras los abogados discuten sobre su testimonio; en otro, mientras el niño escucha a un investigador teorizar que Samuel fue asesinado, la pantalla muestra imágenes de Sandra golpeándolo.

Estos momentos intensos posicionan a Daniel como la brújula emocional emergente de la película, y Graner se encuentra desgarrado como un niño en una encrucijada agonizantemente adulta. Sin hacer gestos ni fanfarronadas, Triet señala la incómoda necesidad de poder vivir en y con la zona gris, tanto para sus personajes como para los espectadores. Guiándonos a través del pantano de recuerdos esquivos, relatos en constante evolución y narradores poco confiables en esta película fascinante y profundamente inteligente, logra la hazaña más complicada de todas: ganarse nuestra total y completa confianza.

On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.

La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.

El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.

La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.