Crítica Cinéfila: Juror #2

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Imagine que usted es una persona cumpliendo con ser jurado de un juicio por primera vez, y de repente, el primer día, descubre que el acusado ha sido acusado de un crimen terrible del que usted es, de hecho, responsable. Ése es el detonante de la última película de Clint Eastwood, “Juror #2”, una extensión ligeramente absurda pero sumamente atractiva de la fascinación que ha sentido durante toda su carrera alrededor de las temáticas de la culpa, la justicia y las limitaciones de la ley.

En las películas en las que Eastwood actúa, las armas son de gran ayuda para resolver problemas que el sistema no puede resolver. Pero el director no aparece en “Juror #2”, un drama judicial de corte moral en el que Nicholas Hoult interpreta al único que se resiste en un juicio por asesinato. La película puede comenzar con una nota de idealismo, pero rápidamente se vuelve cínica cuando el personaje de Hoult, el esposo “perfecto” y ciudadano honrado Justin Kemp, honra su citación al jurado, aunque preferiría quedarse en casa con su esposa embarazada, Ally (Zoey Deutch).

En el momento que la fiscal Faith Killebrew (Toni Collette) describe el asesinato (un claro caso de violencia doméstica, en su opinión), Justin se da cuenta de que estaba en el bar de la carretera la noche en cuestión. Lo que es aún más inquietante es que, según los flashbacks de Justin, parece claro que el ciervo al que atropelló de camino a casa no era un ciervo, sino la víctima, Kendall Carter (Francesca Eastwood).

¿Cuáles son las probabilidades? Es mejor no cuestionarlo. O estás de acuerdo con la premisa o no estás en una película que se toma en serio la situación resultante, invitando al público a reflexionar sobre lo que harían en el lugar de Justin. Para complicar las cosas, el futuro padre es un alcohólico en recuperación, y su padrino (Kiefer Sutherland) —que también es abogado— le advierte que si confiesa, nadie creerá que estaba sobrio en la fatídica noche.

No es casualidad que la película esté ambientada en Georgia, donde el homicidio vehicular en primer grado se considera un delito grave. La ubicación le da a Collette (y a nadie más del elenco) la oportunidad de hacer un marcado acento sureño, ya que su personaje alterna entre los tribunales y la campaña electoral. Faith se postula para fiscal de distrito con una plataforma dura contra el abuso doméstico, y este caso podría llevarla a la victoria, lo que hace que la verdad sea tan incómoda para ella como lo es para Justin. 

Una vez que el juicio termina y comienzan las deliberaciones, Eastwood parece contar con que haya visto “12 Angry Men” (1957), y plantea la posibilidad de que Justin pueda convencer al resto del jurado para que se absuelva, o bien empujarlos hacia un veredicto de culpabilidad, dejando que el novio de Kendall, James Sythe (Gabriel Basso), cargue con la culpa. Pero el guión de Jonathan Abrams tiene algunos giros bajo la manga que parecen encajar con la visión más escéptica de Eastwood sobre el proceso legal.

Al principio, Justin da un breve discurso digno tipo Frank Capra sobre cómo el acusado merece el beneficio de la duda, pero está claro que es su conciencia la que habla. Diez de los jurados están dispuestos a condenar, mientras que Justin encuentra un aliado en Harold (JK Simmons), un ex detective de policía cuyo instinto le dice que el acusado es inocente.

Justin se da cuenta de que el problema de influir en los demás es que actúan con base en prejuicios, lo que supone una crítica bastante dura del sistema de “pares” con el que funcionan los jurados. Al igual que la policía y el fiscal, estos civiles son susceptibles a los prejuicios, ya que solo consideran las pruebas que respaldan las conclusiones a las que llegaron apresuradamente. Por supuesto, todo podría resolverse bastante rápido si Justin dijera la verdad.

El editor Joel Cox y su hijo David siguen haciendo cortes para mostrar primeros planos del rostro de Justin, mientras Hoult transmite su confusión a través de ojos furtivos y miradas nerviosas, emociones que seguramente mantendría ocultas en la vida real. No es el único personaje que enfrenta una crisis de conciencia: Faith finalmente comienza a cuestionar su caso, lo que podría poner en peligro sus ambiciones políticas, al tiempo que le da a Collette la oportunidad de redimir a un personaje que antes parecía un obstáculo moralista a la justicia y ahora parece su defensor más digno de Eastwood.

Después de centrarse en la culpabilidad de Justin durante la mayor parte de la película, el guion de Abrams juega una mala pasada hacia el final, saltándose el voto final del jurado para sorprendernos cuando se lee el veredicto en el tribunal: una trampa eficaz, dramáticamente hablando, que deja la decisión más importante de Justin fuera de la pantalla. Si bien hay mucho que analizar a lo largo de la película, la última escena de la película nos deja a nosotros como jueces.

Como siempre, Eastwood respeta nuestra inteligencia. Y, sin embargo, “Juror #2” es una anomalía en su obra: se encuentra entre sus películas más serenas a nivel de acciones, en las que se renuncia al espectáculo en favor de la autorreflexión. Se podría decir que todo el sistema está siendo juzgado, y, sin embargo, el único hombre enojado aquí es Eastwood, no los jurados, ya que Harry el sucio no termina con una explosión, sino con un susurro ambivalente.

Crítica Cinéfila: Klaus

Un cartero es enviado a una ciudad congelada en el norte, donde descubre que Papá Noel está escondido. 

Muchos han hablado sobre el origen de la leyenda de Santa Claus. Recientemente, Sergio Pablos se inventó su propia versión con una historia inesperada y muy agradable para el hombre barbudo que entrega juguetes cada nochebuena. Sacudiendo la mayoría de los clichés en favor de una historia desde cero sobre cómo incluso la generosidad dudosamente motivada puede conducir a la alegría, contiene ecos de otros favoritos de temporada (como Grinch del Dr. Seuss) mientras está parado completamente por sí mismo. La animación bellamente diseñada llega en un buen momento  para Netflix, justo cuando el imperio de Disney comienza a trasladar todas sus creaciones animadas a su propio reino exclusivo: decir adiós a los clásicos para niños no será tan doloroso si Netflix puede encontrar y apoyar talento de animación de este calibre.

Escrito por Zach Lewis y Jim Mahoney de una historia original de Pablos, quien también escribió la historia que se convirtió en Despicable Me y Smallfoot. La película comienza en un lugar inesperado: la Royal Postal Academy en Noruega. Allí conocemos a Jesper (Jason Schwartzman), un niño mimado que solo es un cadete solo de nombre: su padre, que está a cargo del servicio postal de la nación, ha insistido en que aprenda el oficio familiar, pero es un fracaso absoluto en el trabajo. Como último recurso, su papá le da un ultimátum a Jesper. Lo está enviando a la remota aldea de Smeerenburg (en la isla de Svalbard, a medio camino entre el continente y el Polo Norte) para poner en marcha la oficina de correos desaparecida de la ciudad. Hasta que el joven no logre mover 6,000 cartas a través de su estación, no podrá regresar al lujo que ama.

Smeerenburg resulta peor incluso de lo que este joven protegido podría imaginar: es un páramo cuyos residentes se odian entre sí, donde las peleas violentas son la única forma de interacción social. Es una especie de infierno que Grinch apenas podría haber imaginado para Whoville, y a los dos clanes principales de la ciudad (Krums y Ellingboes) les gusta de esa manera.

Los forasteros con buenas intenciones se marchitan aquí, como la antigua maestra de escuela Alva (Rashida Jones), quien finalmente convirtió su aula en una pescadería con la esperanza de ganar suficiente dinero para regresar a casa. La ahora cínica Alva hace un buen papel instruyendo a Jesper, cuya autocompasión es de una variedad enérgica e inteligente que debería jugar especialmente bien con precoces preadolescentes. Pero también le lleva poco tiempo volverse desesperado: en ninguna parte de esta isla de perros guardianes amenazantes y sabotaje de vecinos puede encontrar a alguien que quiera enviar una carta a alguien más. Lo más cercano que puede encontrar es el triste dibujo de un niño de sí mismo en un ático solitario, que se ha volado por su ventana, es una misiva enviada involuntariamente, sin destinatario.

Pablos y compañía disfrutan el viaje, y, sin disimular, se mueven lo suficientemente deliberadamente como para que los espectadores se deleiten al ver cómo encajan las piezas. Aprendemos que hay un hombre en el bosque (JK Simmons), un carpintero cuyas cuchillas afiladas asustan al joven Jesper. Parece que no hace juguetes para nadie, solo perfecciona sus habilidades de carpintería, o tal vez el pasatiempo es una forma de superar un viejo dolor. Antes de que Jesper aprenda alguno de los secretos del Sr. Klaus, tiene que inventar una razón para que cientos de niños escriban las cartas que les permitirá ganarse sus juguetes.

La versión suavemente revisionista de la película sobre la leyenda de Santa Claus se complementa perfectamente con su estilo visual, que combina personajes y escenarios que podrían haber sido diseñados hace medio siglo con técnicas modernas. Los animadores aprovechan la capacidad de las computadoras para convencer la profundidad y el movimiento, pero mantienen una apariencia dibujada a mano en todo momento. Los diseños tienen una sensación universal de libro de cuentos, pero el ambiente de la ciudad sombría se ilumina considerablemente con la introducción de un elemento muy específico: un niño de una comunidad sami cercana usa los colores primarios de la ropa tradicional de esa cultura, y su gente tendrá una gran parte para jugar una vez que el carpintero toma en serio su operación de entrega de regalos.

Además de uno o dos momentos en el tercer acto donde, comprensiblemente, la película aterriza más de lo necesario en puntos emocionales, los mayores pasos en falso de Klaus están en las tres escenas donde la música de los géneros contemporáneos enturbia la atmósfera intemporal. Aunque nunca distraen mucho, estas señales musicales serán dolorosas si, como podría suceder, Klaus se convierte en algo que las familias se encuentran viendo en décadas.

Pero lo que realmente les ganará el corazón de todos es cómo la historia toma todas las leyendas y detalles sobre el místico personaje y lo adecúan a las aventuras de la película. Está tan bien contada que solo nos queda disfrutar cada segundo, reír con las locuras de los personajes y sus líneas tan irónicas, y llorar de nostalgia al recordar una buena niñez que ya no será.

La película se enfoca mucho en dejar atrás los problemas del pasado para dar apertura a las oportunidades del futuro, pero a la vez, también se enfoca en el perdón, la compasión y el dar sin pensar en que recibir, sobretodo en las escenas cuando se ven los dos bandos cediendo poco a poco al cariño mutuo. La magia no faltará pero lo que estaremos esperando con ansias es esa gran frase al final donde cae la tímida lágrima sobre la amistad y el diferenciar entre las inocencias infantiles y las nostalgias de adultos.