Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: John Wick - Chapter 4

John Wick, legendario asesino retirado, vuelve de nuevo a la acción impulsado por una incontrolable búsqueda de venganza. Al tener que luchar contra asesinos sedientos de sangre que le persiguen, John tendrá que llevar sus habilidades al límite si quiere salir esta vez con vida.

La franquicia "John Wick" ha evolucionado de una historia a pequeña escala de venganza (por la muerte de su perro) y resentimiento por la perdida de una esposa, a una epopeya trotamundos que abarca continentes, docenas de personajes y una intrincada mitología. En su cuarto capítulo, el director Chad Stahelski y la estrella Keanu Reeves devuelven esta franquicia a sus raíces mientras expanden el mundo y la historia a lugares más grandes y audaces. El resultado no solo es la mejor película de la franquicia, sino también la más exitosa de acción estadounidense desde "Mad Max: Fury Road" de George Miller.

Después de ir a la guerra esencialmente contra el mundo entero, y causar la muerte de cientos de personas, el "Capítulo 4" finalmente comienza a reflexionar sobre la cuestión de hasta dónde está dispuesto John Wick a vengarse, a cuántas personas cercanas a él está dispuesto a poner en peligro y si todo valió la pena. En este punto, ya no se trata del asesinato de su esposa y su perro, se trata de quemar un sistema que Wick  siempre resintía por abandonarlo.

El problema es que ahora, los amigos y conocidos de John Wick están pagando el precio de su pequeña insurrección. Esto comienza con el cierre y luego la destrucción del Hotel Continental por la enigmática Mesa Alta, que ahora ha recurrido a la contratación de The Marquis. Este es Bill Skarsgård haciendo su mejor Joker francés, interpretando al Marqués como un villano despiadado, a menudo hilarante, siempre caótico e inteligente.

Como con todas las películas de la serie, "John Wick: Capítulo 4" se suma a su mitología ridículamente compleja, introduciendo nuevas reglas al mando de la Mesa Alta, nuevas secciones del mundo secreto de asesinos de la franquicia y nuevos personajes únicos. Está el Sr. Nobody de Shamier Anderson, un rastreador que sabe exactamente dónde estará John Wick a continuación, pero espera pacientemente hasta que su recompensa sea lo suficientemente grande como para que valga la pena para él, y que siempre está acompañado por un pastor alemán fiel (y ladrón de escenas). Si bien la película tiene un mayor alcance, también se las arregla para mantenerse bastante fundamentada en la idea de las relaciones, centrándose en John Wick y sus aliados y amigos, como Winston, que asume un papel más importante esta vez, o el antiguo amigo de Wick, Caine.

Caine es el mejor personaje de la película, con Donnie Yen llevando su estrellato de las artes marciales al universo de "John Wick" con un asesino ciego intimidante pero carismático con una historia de fondo similar a la de Wick, que se ve obligado a cazarlo a petición de la Mesa Alta. Incluso cuando no está peleando, Yen roba todas las escenas en las que se encuentran, incluso simplemente bebiendo fideos mientras sus secuaces mueren a su alrededor, o cuando usa timbres controlados por Wifi para rastrear a sus enemigos.

El creador Derek Kolstad renuncia como guionista de la película, dejando los deberes del guion por completo al coguionista de la secuela anterior en la franquicia, Shay Hatten, así como a Michael Finch. A pesar del largo tiempo de ejecución, "John Wick: Capítulo 4" tiene un ritmo impecable. Nunca se arrastra, pero se siente muy enfocado, y se las arregla para desarrollar incluso el nuevo elenco de apoyo, como el asesino Akira de Rina Sawayama, o Scott Adkins pasando el mejor momento de su vida como asesino alemán cubierto de prótesis pesadas. También ayuda que este capítulo de la historia sea una acción casi sin parar, teniendo cada uno de los tres actos de la película girando en torno a un set tras otro, cada uno con sus propios enemigos, armas y decorados.

De hecho, la mejor manera de describir "John Wick: Capítulo 4" es que a menudo se siente como ver "Mad Max: Fury Road" y maravillarse de cómo lograron esa película sin matar a la mitad del equipo. Cada set aprovecha las diferentes ubicaciones y equipos para ofrecer escenas de lucha totalmente únicas, y como en todas las películas de la franquicia, sigue siendo un placer ver a John Wick de Keanu Reeves constantemente sin aliento, derribado y luego golpeado antes de que vuelva a levantarse. El último arco, en particular, debería colocarse en el Louvre, con una pelea en medio de un Arco del Triunfo transitado.

Y, sin embargo, por genial que sea ver a un vulnerable John Wick, todavía necesita algunos artilugios. Está su traje mágico superpoderoso que parece desviar completamente las balas, lo que convierte a los personajes en superhéroes tan vulnerables como un personaje de dibujos animados. Nunca deja de ser un poco demasiado ridículo ver a estos asesinos cubrirse la cara con sus trajes y simplemente no sufrir ningún daño, al igual que John Wick ahora es aparentemente inmune al dolor por ser atropellado por un coche, pero es fácil dejar que esto se deslice cuando las escenas de acción son tan buenas. El director de fotografía que regresa, Dan Laustsen, continúa realmente entendiendo y utilizando azules y rojos de neón, pero también nos da una pelea increíble hecha como una sola línea con una toma aérea que hace que la escena se parezca al videojuego "Hotline Miami".

Tenemos cuatro películas, y estamos a punto de tener spin-offs. Esta es una película que no mira hacia una secuela de robo de dinero, sino hacia el pasado y cómo llegamos aquí. Ya sea que salga vivo o muerto, John Wick tiene que empezar a pensar a dónde conduce esta búsqueda, a dónde conduce el camino construido sobre todos los cadáveres que ha estado acostado frente a él. La respuesta es sorprendentemente meditativa y conmovedora, una que hace que esta sea la película más resonante emocionalmente de la franquicia.

La saga "John Wick" ha cambiado y evolucionado a lo largo de los años. Para esta película, no se puede negar cómo ha convertido a Chad Stahelski en uno de nuestros mejores cineastas de acción, y cómo la franquicia le dio a Keanu otro papel que redefine su carrera. Ha sido un viaje salvaje, y una de las mejores y más consistentes series de películas de la historia. Sin embargo, no importa a dónde lleven las carreteras, "esté pensando que John Wick ha vuelto".

Crítica Cinéfila: The Matrix Resurrections

Neo vive una vida normal y corriente en San Francisco mientras su terapeuta le prescribe pastillas azules. Hasta que Morfeo le ofrece la pastilla roja y vuelve a abrir su mente al mundo de Matrix.

Dada la naturaleza peculiar de The Matrix Resurrections y la dependencia de la trama de muchos datos considerarán spoilers que provienen de las precuelas, parece prudente sacar algo de todo esto: si te gustan The Matrix y odiaba las secuelas (o simplemente encuentras que no cumplen con tus expectativas), vaya a ver este. Si estás en el club mucho más reducido que cree que las secuelas fueron ejemplos subestimados de creación inteligente de mitos, es posible que Resurrections te rompa el corazón: si bien no pretende que las tramas gigantes de esas dos películas no sucedieron, sí se deshace de gran parte de su importancia personal y no siente la necesidad de sorprender a los espectadores con nuevas ideas o inventos técnicos.

En otras palabras, es el tipo de secuela que más quiere Hollywood, prácticamente lo mismo que la primera, con la novedad suficiente para justificar su existencia, aunque una que crea que puede tener ambas cosas, tanto inclinándose como burlándose de la necesidad de la industria de resucitar constantemente historias familiares. Es imposible explicar esa oración sin revelar detalles de la premisa de la película, así que sigue leyendo bajo tu propio riesgo de que hay spoilers.

Independientemente de lo que le sucedió exactamente a Neo cuando pareció sacrificarse al final de la tercera película, ahora está de vuelta en la simulación digital, viviendo de nuevo como un Thomas Anderson dos décadas más adulto. Anderson se ha convertido en un exitoso diseñador de videojuegos cuya mayor creación fue una trilogía de videojuegos llamada The Matrix. Parte de Anderson sabe que estos juegos son una historia que realmente vivió, pero ha permitido que las personas a su alrededor convenzan de que es un enfermo mental: regularmente ve a un terapeuta anónimo (Neil Patrick Harris) que le da medicamentos (píldoras azules) y le ayuda a hablar sobre los episodios violentos en los que imagina que el mundo entero es una realidad simulada de la que necesita escapar.

Anderson no ha dejado atrás exactamente su lucha contra Matrix: ha escrito fragmentos de códigos "modales", en los que los personajes de la IA juegan a través de variaciones de escenas en las que no puede dejar de pensar, pero profesionalmente, es su pasado lejano. Imagínese su sorpresa cuando un asociado le dice que "nuestra querida empresa matriz, Warner Bros." ha decidido que es hora de hacer una secuela de Matrix y lo hará con o sin la participación de Anderson.

Algo como esto aparentemente sucedió en nuestro propio mundo: hace varios años, se habló de un reinicio sin Wachowski escrito por Zak Penn, posiblemente protagonizado por Michael B. Jordan. Dos años después, los planes habían cambiado, con Lana Wachowski, sin su socia original Lilly, a bordo para dirigir y coescribir.

Cualquiera que sea el significado del movimiento de ir sola de Lana, o su posible relación con el emparejamiento de la película del creador único Thomas con un socio comercial moral y creativamente sospechoso (Jonathan Groff), no hay malentendidos sobre lo que viene a continuación en la pantalla. En una secuencia larga en la que jóvenes superficiales intercambian ideas sobre el nuevo juego de Anderson para él, los realizadores se distancian de su proyecto. Se burlan de los cinéfilos que encontraron pretenciosas las ambiciones filosóficas de las secuelas, imaginando al público como idiotas que solo quieren más tiempo de balas. Y una vez que termina este interludio egoísta, eso es casi exactamente lo que les dan.

En una secuencia que recuerda intencionalmente a su contraparte en la primera película, Thomas Anderson tiene otra oportunidad de seguir a extraños misteriosos fuera de la simulación en la que vive su cerebro. Las cosas son un poco diferentes con esta extracción, pero no demasiado diferentes: como señala condescendientemente la película, un poco de nostalgia ayuda en gran medida a calmar la ansiedad en quienes pasan de una realidad a otra. Tal vez eso explique por qué Wachowski usa tantos clips de las películas anteriores, ilustrando innecesariamente los recuerdos de Neo a lo largo de esta aventura.

Finalmente, estamos con Neo en el mundo "real", donde los supervivientes de carne y hueso han aprendido a trabajar con algunas de las máquinas contra las que alguna vez lucharon. Esta comunidad, todavía atrapada muy por debajo de la superficie de la Tierra, ha experimentado altibajos desde que Neo se fue. Sin revelar nada (o señalar las preguntas sin respuesta del guión), digamos que Resurrections tiene una explicación satisfactoria de por qué Morpheus de Laurence Fishburne ha sido reemplazado por uno interpretado por Yahya Abdul-Mateen II.

Aparecerán otra cara familiar o dos, pero los compañeros de equipo más importantes de Neo son recién llegados que se inspiraron en las leyendas de sus hazañas para hacer sus propios escapes de Matrix. El principal de ellos es Bugs (Jessica Henwick), que puede patear muchos traseros simulados a pesar de usar gafas de sol.

Carrie-Anne Moss ocupa un lugar destacado en el póster de la película, pero hay que esperar un buen tiempo para finalmente ver a Trinity en acción. Ella también ha sido atrapada en el Matrix, y la vida ficticia que le dieron allí la domina. A pesar de las ametralladoras, los robots voladores y las cápsulas de sustancia viscosa, algunas de las escenas más atractivas de la imagen son aquellas en las que Neo/Thomas interactúa con Trinity en ese mundo, donde ella es una madre casada llamada Tiffany, y trata de persuadirla para que recuerde la vida que vivieron juntos.

Rescatar a Trinity se convierte en el único objetivo de la película, lo que nos permite dejar de hacer un seguimiento de todos los Oráculos, Arquitectos, Maestros clave y lo que sea que se asemeje a las secuelas. A medida que se desarrolla esa misión, reconstruimos las formas en que Wachowski ha vuelto a concebir algunas figuras de la trilogía original. Estas reinventaciones en su mayoría tienen sentido y abren nuevas posibilidades interpretativas para los fanáticos que sienten que estos éxitos de taquilla de acción merecen un análisis detenido. Pero tienden a funcionar mejor en papel que en pantalla, y no cristalizan el significado, el sonido y la imagen tan perfectamente como Hugo Weaving lo hizo como Agente Smith.

En cuanto a la acción, es muy agradable incluso si la has visto antes. Los habitantes ordinarios de Matrix a veces se transforman en un enjambre de atacantes sin sentido, no tan escalofriante como ver al Agente Smith poseer los cuerpos de otras personas, pero es bueno para algunas batallas al estilo del apocalipsis zombi. El tiempo de bala se modifica, no como una herramienta para la emoción cinematográfica, sino como una forma recrear escenas icónicas de Neo.

Resurrections deja muchas cosas sin explorar. Para una película que hace referencia tan fuerte al mundo real, su incapacidad para abordar el lugar que el simbolismo de la “píldora roja” ha encontrado en la propaganda de derecha es una leve sorpresa. Y no hay nada aquí que inspire la esperanza de que, si Warner o quienquiera que insista en más secuelas, valga la pena verlas. Pero como alguien que vio Reloaded y Revolutions más de una vez, tratando infructuosamente de creer que eran buenos, le doy una segunda oportunidad a la historia de los personajes que me hicieron creer que quizás el mundo real no lo es.

Crítica Cinéfila: The SpongeBob Movie, Sponge on the Run

Los amigos son lo más importante para Bob Esponja, por lo que no dudará en salir de la comodidad de su hogar en Bikini Bottom, junto con Patrick, para adentrarse en un mundo desconocido, arriesgando sus vidas, para salvar a su amigo de la infancia, Gary, de las garras del rey Poseidón que le ha secuestrado en la Ciudad Perdida de Atlantic City. ¿Serán capaces de lograrlo?

La película Bob Esponja se inclina hacia la aleatoriedad. Eso siempre ha sido parte del encanto cuando se trata de la serie y la franquicia de películas que inspiró. Las aventuras de Bob Esponja son extrañas, alucinantes y vaporosas. Es la materia de la que están hechos los sueños de los adultos y es igual de olvidable. Pero también es lo suficientemente lindo y educado para los niños.

El personaje principal, con la voz de Tom Kenny, hace hamburguesas en el restaurante Krusty Krab en un pueblo submarino llamado Bikini Bottom. Es la respuesta de la animación a Steve Urkel, de alguna manera a la vez molesto y afable, con una risa maníaca. No puedes evitar disfrutar de pasar el rato perezosamente con él y sus peculiares amigos o enemigos como Plankton (Mr. Lawrence) y Sandy Cheeks (Carolyn Lawrence). 

Dedicado al creador Stephen Hillenburg, quien murió en 2018, la primera película de Bob Esponja animada por CGI aparentemente trata sobre una misión de rescate. En esta ocasión, su mejor amigo y mascota Gary se ha extraviado, llegando a manos del gran poderoso Poseidón. La baba del caracol mantiene joven la piel de Poseidón. Bob Esponja abandona sus deberes en el Krusty Krab para recuperar a Gary en compañía de Patrick para recuperar a su caracol mientras que el Krusty Krab se sale de control pues sin Bob Esponja, nada es igual, y ahora también Sandy, Mr. Crab y Squidward salen a encontrarlo.

Pero hay una delgada línea entre disfrutar perezosamente de la aleatoriedad y que la aleatoriedad termine siendo perezosa. Y la nueva película de Bob Esponja, a pesar de todos sus placeres, entra en la última categoría.

En el camino, Bob Esponja se encuentra con zombis bailarines presididos por Snoop Dogg; Keanu Reeves aparece como un sabio alucinatorio que parece ser un mentor para Bob Esponja. Awkwafina está en la mezcla dando voz a un robot fuera de control. Cada una de estas cosas es agradable. Pero no suman mucho a la historia.

Al final del juego, la película cambia de tema a una historia de origen de Bob Esponja, revelando cómo el personaje principal conoció a cada uno de sus amigos y se deleitó con lo que significa para ellos. Pero como todo lo demás, estas partes se sienten como una ocurrencia tardía.

Lo que era una historia de rescate, se convierte en una reflexión de apreciación hacia la figura de Bob Esponja, pero ya es un tema que se ha requete quemado en la serie y por tanto no sorprenden las palabras de alago. No deja de impresionar cómo siempre se salen con la suya, pero al igual queda muy poca lógica para realmente creérselo.

Sin embargo, no todo es irrescatable. Hay que valorar la creatividad con el uso de los universos de Bob Esponja, al igual que la manera en que introdujeron a Atlantic City como la versión que muchos conocemos en New Jersey. Estas animaciones siempre han sido muy particulares para hacer sentir el fondo del mar como una versión de la superficie, y una vez más no decepcionan en ese aspecto.

Ese tipo de irreverencia es admirable, y quizás la nueva generación de niños se la disfrute tanto como la generación que creció con esos cartoons. Sin embargo, el diálogo, la poca creatividad en la historia y el poco (para no decir nulo) crecimiento de los personajes es un poco retrasado para los más mayores. Quizás ya es tiempo de superar a Bob Esponja.

Crítica Cinéfila: John Wick, Chapter 3

John Wick (Keanu Reeves) regresa a la acción, solo que esta vez con una recompensa de 14 millones de dólares sobre su cabeza y con un ejército de mercenarios intentando darle caza. Tras asesinar a uno de los miembros del gremio de asesinos al que pertenecía, Wick es expulsado de la organización, pasando a convertirse en el centro de atención de multitud de asesinos a sueldo que esperan detrás de cada esquina para tratar de deshacerse de él.

Hace una semana decidí ver las primeras dos películas de John Wick, las cuales nunca había visto. Antes de verlas, me preguntaba por qué nunca me interesé en verlas si siempre he pensado que Keanu Reeves es el actor perfecto para las películas de acción, sobretodo por el contraste que hay entre lo que está pasando alrededor y su gestualidad despistada que crea ironía tras la audiencia es testigo de sus buenos trucos de Kungfu. Pero después de ver las tres películas una detrás de otra, puedo explicar en pocas palabras qué fue lo que nunca nada verdaderamente me llamó: el exceso de violencia y muertes que había en una simple escena de acción. Y no me malinterpreten, seguro es la trama perfecta para los verdaderos amantes de este tipo de películas.

La película inicia en el preciso momento donde John Wick quedó: con apenas una hora para que fuese oficialmente excomunicado y convirtiéndose en el objetivo de muchos otros asesinos alrededor del mundo, con la idea de que quien asesine a Wick recibirá una recompensa de 14 millones de dólares. Sin embargo, no importa el estilo o las armas que los acompañen, John Wick es la peor pesadilla del Boogeyman, definitivamente un desafio de vida o muerte para cualquier otro que crea tener la suficiente capacidad de acabar con John Wick. Y así como en otras ocasiones, la historia demuestra secuencias de batalla, de todos contra la cabeza de John.

Al verse en una situación que, según él, le costará la vida, John decide regresar al hogar donde lo entrenaron para convertirse en quién hoy es, donde finalmente se reencontrará con la matriarca (Anjelica Huston) a quién le pide que le otorgue su último ticket de ida, pidiendo ser transportado a Casablanca. Mientras tanto, una árbitra del High Table (Asia Kate Dillon) se presenta en Nueva York, visitando a aquellos que ayudaron a John Wick, advirtiéndoles que ellos también correrán las consecuencias, al mismo tiempo que recluta a Zero (Mark Dacascos) y sus seguidores, para castigar a los colaboradores del escape de John Wick. 

Esta tercera película recoge toda la violencia que ya se había visto, y la triplica al punto de que a la misma audiencia le duelan los golpes, cuchilladas y hasta balazos. Con un total de 8 importantes secuencias de pelea, se podría hacer un aproximado de más de 170 personas que fueron asesinadas por John Wick a lo largo de la historia. Entre cuchillos, disparos, perros desgarrando miembros y caballos descontrolados, aquí se muestra otro nivel de creatividad para las famosas muertes que John Wick deja en su camino. Finalmente superó la historia del lapiz con la enciclopedia antigua que mató a su primera víctima. Pero esto es lo que verdaderamente hace especial a la trama. No se trata ya de que tan rápido saldrá de la situación, sino que tan creativas serán las muertes. 

Y al parecer, los guionistas involucrados en el proyecto quisieron concentrarse en estos, decidiendo mantener la misma estructura narrativa que ya se ha visto desde hace mucho tiempo: John está en peligro, va por ayuda, pelea contra un grupo, regresa al Continental y se toma una copa con uno de sus propios enemigos, tiene toda una escena preparando su armamento, pelea final en la que su vida corre peligro y no se sabe si logrará salir con vida... y lo peor no es que incluyan cada una de las mismas escenas en todas las películas de esta franquicia, sino que hasta el orden parezca el mismo, dando una visión bien predecible de cómo terminará la historia. Quizás el climax puede ser inesperado, pero eso no le quita que las primeras dos horas de la historia estaban marcadas con sus antecesoras.

Algunos aspectos impresionantes fueron la inclusión de una asesina femenina, con Halle Berry interpretando a Sophia, quien le debía un favor a John Wick y decide pagarlo ayudándole a conseguir el camino hacia los ancianos del High Table que podrían perdonarle la vida a Wick. Berry se acompaña de dos canibales que no solo la hacen lucir sino que se comportan en un arma casi imposible de olvidar, quienes estaban muy entrenados para reconocer cual es el punto débil para matar a alguien. Así también se presta aún más atención al personaje de Winston y Charon, quienes no solo se unen a John Wick para ir en contra del High Table, sino también demuestran sus capacidades para negociar sus propias vidas y demostrar que son más que dos supervisores de un hotel para asesinos.

Es importante destacar una vez más la preparación física y dedicación de Keanu Reeves en el papel de John Wick. Sin embargo, y a pesar de que la película lleva su nombre, es imposible no darse cuenta cómo la importancia del personaje pierde valor a partir de un punto de la historia. Ya no se trata de que John Wick está tratando de evitar de que maten a Winston y así mismo, sino que se comporta como un personaje secundario, donde ya no tiene un objetivo en específico ni está tratando de resolver el conflicto, sino que simplemente está peleando hasta que las balas y los cuchillos se agoten. Y quizás haya sido a propósito, con la visión de otorgar una cuarta entrega donde el personaje se vengará de lo que no pudo evitar en esta película, pero la manera en que toman esta decisión hacen que el personaje pierda valor narrativo y creativo, algo que había logrado mantener en sus anteriores entregas.

John Wick: Chapter 3 es una película interesante y agresiva, que vuelve a enseñar una temática conocida muy bien por los fanáticos, pero con el plan de darle una conclusión diferente a John Wick. Ya se supone que rompe con su interés de seguir las reglas, ya es tiempo que este asesino intocable pueda crear sus propias reglas y tumbar del trono a quienes creyeron que podían acabar con él. Si él puede matar a alguien con un libro, todo es posible en esta vida.

Hasta los Huesos (To the Bone)

Una joven anoréxica (Lily Collins) empieza un tratamiento poco convencional en un centro donde crea lazos con otros internos que también sufren trastornos alimentarios. (FILMAFFINITY)

El tema de la anorexia va más allá que un desorden alimenticio: es una enfermedad psicológica y social que afecta a miles de personas alrededor del mundo, quienes son motivados por otras miles de personas a través de las redes sociales. Si no me creen, entren a la página de Pro Ana y Pro Mía y admiren sus maravillosos consejos para adelgazar.

To the bone cuenta la historia de Ellen, una joven de 20 años que sufre de anorexia. Después de haber pasado por distintos doctores y haber sido suspendida de distintos centros de rehabilitación, su preocupada madrastra logra conseguirle un cupo con el grupo de rehabilitación del Dr. William Beckham, quien con sus métodos poco ortodoxos la obligará a recapacitar sobre su salud física y mental, y tratará de volver a encaminarla por el sentido de la vida. Una vez instalada en su nuevo hogar, conoce a otros jóvenes que, como ella, están ahí para no morir gracias a la anorexia, bulimia u otros desórdenes alimenticios.

De esta película es necesario resaltar la interpretación de Lily Collins, quien asumió el reto de adelgazar lo suficiente para poder aparentar ser una persona con problemas de este tipo. Con el físico adoptado, logra transmitir ese desgano y falta de fuerzas por las que pasan estas personas, pero también la actitud defensiva que posee el personaje y que saca totalmente a Lily de la zona de confort que ya ha establecido con sus demás papeles. Así mismo, la historia nos presenta otras personas con la misma problemática y técnicas particulares para poder adelgazar rápidamente, como vómito, ejercicios exagerados, almacenar la comida que deberían estar consumiendo, entre otros aspectos.

A pesar de que, en ocasiones, la historia se desenfoca de su idea original, no deja de ser un reflejo interesante sobre esta situación, cómo afecta al individuo y a las personas que le rodean, cómo es que las situaciones a su alrededor son contribuyentes de que él o ella sufran esta enfermedad, y cómo es influenciado por tantas vías, principalmente por el internet, para poder llegar a su cometido: tener la mínima cantidad de grasa corporal en el cuerpo.

El guión es la clave de esta historia, pero los aspectos técnicos pasaron desapercibidos por la sutileza y la sencillez de su desarrollo. En escenas claves para mostrar las personas huesudas y la delgadez extrema de sus protagonistas se utilizaron tomas de cámara específicas que fueron adecuadas y lo suficientemente realistas para mostrar la crudeza del asunto, pero ni la fotografía ni la musicalización tienen detalles en general que sean necesarios resaltar.

Esta película es una historia semiautobiográfica de la directora/guionista Martha Noxon, que aunque tiene escenas entretenidas y divertidas, también tiene sus momentos de reflexión. No tiene como propósito dar soluciones claves de cómo resolver esta problemática, pero sí a abrirle los ojos a su público y demostrar que no es una simple ñoñería de un niño o adolescente. El hecho de que sea narrada de una manera tan llana permite entender instantáneamente la travesía de Ellen y que su final siempre dependerá del camino que ella decida tomar: sus deseos por llegar a la delgadez extrema o el entendimiento de que quiere vivir.