Crítica Cinéfila: Squid Game, 3ra temporada

Tras perder a su mejor amigo en el juego y quedarse sin esperanza por culpa del Líder, que ha ocultado su verdadera identidad para infiltrarse en el juego. Gi-hun continúa empeñado en poner fin al juego, pero el Líder planea su siguiente movimiento y las decisiones de los supervivientes derivan en consecuencias cada vez peores a medida que avanzan las rondas.

¿Qué tan sombrío puede ser “Squid Game” ? Al concluir la segunda temporada del sensacional drama de Netflix, nuestro héroe, Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), se vio envuelto en su mayor fracaso. Tras reunir a sus compañeros contra las fuerzas que controlan los juegos, el líder (Lee Byung-hun) cambió el guion, llevando a Gi-hun a presenciar el asesinato de su mejor amigo ante sus propios ojos. Fue una decisión del creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, que recordó a los espectadores que, a pesar de conocer lo que estaba en juego, Gi-hun está tan atrapado ahora como lo estuvo en su primera participación en los juegos. "Abandonen toda esperanza, los que entran aquí".

La temporada 3 dedica gran parte de sus episodios a la devastación, lo que hace que los primeros compases de la temporada final sean apropiadamente sombríos. Si bien la temporada 2 incluyó mucha preparación, esta nueva entrega se adentra en las consecuencias inmediatas de la rebelión fallida. Gi-hun y los demás protagonistas, como Lee Myung-gi (Im Si-wan), Kim Jun-hee (Jo Yu-ri), Dae-ho (Kang Ha-neul), Cho Hyun-ju (Park Sung-hoon), Jang Geum-ja (Kang Ae-shim), Park Yong-sik (Yang Dong-geun), entre otros, se ven arrastrados de nuevo al meollo del asunto. 

Si bien las frustraciones por un final en suspenso pueden haber molestado a la audiencia al final de la segunda temporada, el enfoque dividido y el aumento general en el número de episodios dan sus frutos. De forma similar a cómo el comienzo de la temporada pasada subvirtió las expectativas de la audiencia sobre los juegos que podrían jugarse, este bloque de episodios se beneficia una vez más de que el espectador no sepa qué está por venir. Cada interacción entre los personajes adquiere un tono significativamente más serio a medida que "Squid Game" se acerca a su conclusión, un impacto que se hace aún más poderoso por el hecho de que Dong-hyuk deja de lado activamente a Gi-hun durante las primeras horas para dedicarse al reparto secundario. Es una decisión muy efectiva, que encaja a la perfección con las crecientes apuestas de los juegos de las últimas rondas. El efecto infunde a la serie una nueva sensación de desesperanza. ¿Recuerdan lo aplastante que fue el juego de canicas en la primera temporada ? Un episodio temprano de la tercera temporada logra superar eso, con un efecto absolutamente desgarrador.

Sin embargo, hay algo de luz; después de todo, esto es la serie al final de este oscuro túnel. A medida que avanza la temporada, Dong-hyuk explora las relaciones familiares con un efecto sorprendentemente emotivo. Este elemento siempre ha estado presente en la serie, pero el concepto de lo que padres e hijos se deben mutuamente se convierte en una parte crucial de la trama y, por ello, enriquece aún más la serie. Parte de esa elevación se debe a la actuación de Lee Jung-jae. El recuerdo de su fracaso como padre siempre ha sido una gran preocupación para Gi-hun, y sin revelar mucho, la posibilidad de cierto nivel de redención personal ayuda a elevar la ya superlativa actuación de Lee Jung-jae a otro nivel. Su trabajo, especialmente en el quinto episodio, es mágico.

Lo que sigue siendo menos convincente son las tramas de Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon) y Kang No-eul (Park Gyu-young), que no ofrecen a ninguno de los personajes mucho que hacer más allá de sus tramas existentes de la primera mitad de la temporada. Ambos se encuentran prácticamente atrapados en la misma rutina: intentar escapar en el caso de No-eul o encontrar la isla en el caso de Jun-ho. El resultado final es que estas tramas se estancan hasta el episodio final, resolviéndose de maneras que no son ni de lejos tan impactantes como la narrativa principal. Además, entrelazar sus tramas diluye la fuerza y ​​el impulso de los juegos, estancando la tensión en lugar de aumentarla. Lo mismo ocurre con la inclusión de una nueva ronda de VIP, cuya naturaleza, similar a un coro griego, se convierte en un vehículo para reiterar lo obvio en lugar de ofrecer algo nuevo o revelador a los procedimientos.

Cuando "Squid Game" profundiza en sus momentos intensos, la serie demuestra que aún es más que capaz de crear una historia trágicamente cautivadora que logra entretener y conectar emocionalmente con sus personajes. La serie de Dong-hyuk reinventó y revitalizó el género Battle Royale con resultados extraordinarios. Claro, la intensidad es una característica, no un defecto, pero se combina con personajes fuertes y visuales cautivadores que perduran. La tercera temporada continúa esta tradición, ofreciendo un final especialmente impactante.

"Squid Game", en sus momentos finales, dice que mientras la vida continúa, encontrar la manera de mejorar las vidas que nos rodean en el contexto de la gran máquina en la que estamos atrapados vale los sacrificios necesarios para hacerlo posible. La serie logra encontrar un rayo de luz en medio de tanta desolación. En una realidad tan difícil, esa victoria vale todo el dinero del mundo.

Crítica Cinéfila: The Lighthouse

Ambientada a finales del siglo XIX, cuenta la historia de dos fareros que trabajan juntos en una misteriosa isla perdida de Nueva Inglaterra.

Willem Dafoe y Robert Pattinson interpretan al arquero experimentado y su nuevo compañero principiante en The Lighthouse, atrapados en una isla escarpada de Maine en la década de 1890 por un espectáculo apasionante con un dialecto de época sabroso y sacudidas de locura cada vez más intensas, empapadas en ron. Después de sumergirnos en los rincones más oscuros de las mentes de una familia de colonos puritanos de 1630 puritanos de Plymouth en su inquietante debut de 2015 The Witch, el escritor y director Robert Eggers confirma su reputación instantánea como maestro del gótico de Nueva Inglaterra con esta segunda película, aún más claustrofóbica y intensamente abstracta.

Al igual que con su predecesor, la nueva película es más fuerte en una atmósfera embriagadora y un temor de construcción lenta que en la claridad narrativa da su recompensa, y los giros violentos y acelerados del tramo climático probablemente perderán una porción de la audiencia. Pero el director, aquí trabajando con su hermano Max Eggers como coguionista, ha creado otro cuento alucinante distintivo, esta vez fusionando la leyenda marítima con la mitología antigua, la tradición del leñador, la sugerencia sobrenatural, el terror elemental envolvente y la paranoia creciente del aislamiento prolongado.

Desde el principio, Eggers nos empuja a un puesto avanzado de soledad de otro mundo mientras el haz del faro atraviesa la niebla blanca y espesa. El puntaje atonal, vientos de madera y la percusión de Mark Korven se mezcla con el paisaje sonoro intrincadamente estratificado de las olas y el viento, y las explosiones de cuernos de niebla que podrían confundirse con los gritos de las ballenas o los rugidos de los monstruos marinos.

Thomas Wake (Dafoe) y Ephraim Winslow (Pattinson) se ven por primera vez mirando directamente a la cámara, sus graves expresiones nos dicen que la estrecha convivencia de estos dos no está destinada a ir bien. Luego, la cámara se retira para revelar el brillante trabajo del diseñador de producción Craig Lathrop, un faro a gran escala, un edificio de servicios públicos y una cabaña de guardia de piedra construida desde cero y ubicada en la roca volcánica de Cabo Forchu en Nueva Escocia, que se encuentra a finales del siglo XIX en Maine.

En una caracterización lujuriosamente habitada que Dafoe muerde con gran deleite teatral, Wake es un viejo marinero crujiente con ojos salvajes, una barba enredada y una cojera de piernas rígidas frecuentemente acompañada de un pedo. Dejó en claro por adelantado que está a cargo, manejando a Winslow con dificultad para mantenerse al tanto de tareas domésticas como limpiar la cisterna, limpiar los pisos y alimentar el horno de la sala de máquinas, volviéndose espinoso y territorial cuando el joven recién llegado solicita tomar su turno atendiendo el faro en la parte superior de la torre. Wake insiste en que él, y nadie más, es "el guardián del faro".

La insistencia de Wake de que Winslow se mantenga alejado del faro solo hace que el recién llegado resentido esté más ansioso por experimentar su energía posiblemente mística, y las tomas de Pattinson agachado en las escaleras debajo de la cabina superior mientras el rayo giratorio que atraviesa su cara hipnotizada se encuentra entre las más fascinantes de la película. De hecho, el interior de la torre, en lugar de limitar las posibilidades de movimiento de la cámara, crea una cámara de sombras y luz que corresponde al psicodrama que se desarrolla en la cabeza de cada hombre.

Winslow, un tipo escaso de pocas palabras cuya renuencia a participar en un brindis en su primera noche sugiere una historia problemática con el alcohol, encuentra una figura de sirena escondida en su colchón, que alimenta sus sueños y sus fantasías sexuales. Si bien es cauteloso acerca de su pasado, resulta que Winslow era un maderero de la Bahía de Hudson que dejó ese trabajo atrás en circunstancias misteriosas y ha estado yendo de un trabajo a otro. Ahora está buscando ahorrar su salario y construir una casa en algún lugar donde no pueda estar en deuda con nadie.

Lo que la cabra llamaba Black Phillip era para The Witch, para esta película es una gaviota particularmente irritante  mirando a Winslow como si el intruso humano fuera el propio Tippi Hedren. Wake, al observar la respuesta agresiva de su subordinado a la gaviota, le advierte que es mala suerte matar este tipo de ave porque llevan las almas de los marineros que se encontraron con sus creadores. Pero un desagradable roce con la gaviota hace que Winslow olvide esas palabras. A partir de ese momento, el viento cambia, marcando el comienzo de lo que Wake llama "clima sucio", que se convierte en una temible tormenta, arruinando sus provisiones y trayendo olas atronadoras que chocan contra la cabaña.

El brindis con el que Wake prepara cada cena termina con "Dios, que escucha las oleadas, se digna para salvar un alma suplicante". Pero ni Wake ni Winslow podrían llamarse suplicantes, y mucho menos una vez que el alcohol es lo único que les queda para mantenerlos. Y mientras Wake mantiene su diario de registro bajo llave, guardándolo tan estrictamente como mantiene la cabina de la luz fuera de los límites, la determinación de Winslow de descubrir los secretos del hombre mayor convierte su creciente batalla de voluntades en un espantoso choque de motín y locura.

Al igual que The Witch, los detalles meticulosos se han convertido en la creación de un mundo completamente inmersivo desde hace mucho tiempo. La película es un poco exagerada debido a que es un juego de dos jugadores de un solo escenario, pero solo por su originalidad, exige ser vista.

Esa originalidad no es menos legítima por estar impregnada de inspiraciones que se extienden desde Moby Dick hasta The Shining, con un sentido de lugar robusto que a menudo recuerda el escenario del documental de ficción de Robert Flaherty, El hombre de Aran. Una vez más, junto con el director de fotografía Jarin Blaschke, Eggers filma la película en las texturas de tinta en blanco y negro con poca luz y en la relación de aspecto cuadrada de Movietone de finales de la década de 1920 y principios de los años 30. El formato produce retratos especialmente ricos de los rostros de Dafoe y Pattinson, quienes no ocultan nada.

Dafoe está en su elemento, haciendo poesía salada a partir del antiguo diálogo de Wake, mientras que Pattinson al principio parece menos confiado, lidiando con un acento errático. Pero se vuelve cada vez más dominante a medida que Winslow, cuya verdadera identidad finalmente se revela, se rebela contra la autoridad de Wake. Ambos actores aportan un aspecto físico estimulante a sus actuaciones, junto con momentos particularmente cómicos, especialmente en una noche de borrachos en la que se divierten con canciones marinas antes de sumergirse en un baile lento y desordenado como amantes exhaustos. A veces parece poco claro si van a pelear o acostarse.

Lo que está claro desde el principio es que ninguno de los hombres saldrá intacto de su confinamiento compartido, pero Eggers, sus actores del juego y el equipo de artesanos ingeniosos, que incluye la contribución clave del diseñador de sonido Damian Volpe, hacen de su vertiginoso descenso un espectáculo fascinante.

Crítica Cinéfila: Black Mirror Bandersnatch

En 1984, un joven programador intenta adaptar una caótica novela de fantasía a un vídeojuego. Un desafío alucinante que le llevará a cuestionarse la realidad que le rodea. 

Los videojuegos e incluso los parques temáticos ofrecen el juego interactivo desde hace muchos años, tanto así que las principales apps para celulares se tratan normalmente de este comando. Ya era hora para que el cine también comenzara a ser más interactivo. Y lo hace con un universo que se ha destacado desde sus inicios en la presentación de las nuevas tecnologías como una forma de evolución y autodestrucción de la humanidad a la vez.

Está es la primera película interactiva, desarrollada en el universo/estilo de "Black Mirror" y dirigida por David Slade, en la que el espectador puede tomar decisiones que cambian el rumbo de la historia, con más de cinco finales posibles y 300 minutos filmados en total. También existe la opción de ver la película sin tomar ninguna decisión, lo que da como resultado un film de 90 minutos. ¿Pero por qué elegir esa opción cuando puedes ser tú el director de esta película?

La historia se enfoca en Stefan, un joven creador de videojuegos que finalmente recibe una oferta de producción en una de las compañías de videojuegos más poderosas de Inglaterra, Tuckersoft. Stefan sueña con adaptar el libro Bandersnatch (un libro estilo "choose your own adventure", escrito por Jerome F. Davies). Cuando finalmente recibe esta oferta para producir el videojuego, su vida será envuelta en una serie de decisiones donde la audiencia será que determinará el camino/opción es la mejor para él.

Basándome en mi experiencia personal de "Choose your own adventure", como Dungeons and Dragons y The Siblings Trouble, el atractivo de elegir la decisión que deberá tomar el personaje es muy interesante, y a pesar de que llega a un punto en que parecería ser predecible si se elige una opción en específico, llega a sorprender, enseñándole a la audiencia si las decisiones que toma en la vida son buenas o malas. No obstante, parece que las decisiones que tome Stefan siempre tratarán de estar a un paso de la realidad, pues no importa cuantas veces vuelva a iniciar y trate de tomar otras opciones, si su videojuego no será exitoso, nunca lo será y fin de la historia. No obstante, el acercamiento a los finales lleva al expectador a través de diferentes secuencias, dando una experiencia diferente y, en ocasiones, más placenteras, sobretodo en esos momentos donde normalmente la audiencia cuestiona la inteligencia del personaje. En esta ocasión, la audiencia deja de cuestionar y decide por el personaje. Es verdad que si no decides a tiempo, la película decide por ti; sin embargo, da suficiente tiempo como para elegir una de dos y llevar a Stefan hacia un nuevo camino en su vida.

Todos los caminos son sumamente únicos. Yo hice la película siete veces, y en todas me sorprendió la nueva información que incluía la historia, desde ser enviado a la carcel por asesinar a su padre, saltar por un balcón bajo el efecto de una droga, descubrir que su padre ha escondido que su madre sigue con vida tras muchos años y que solo está experimentando con el cerebro de su hijo, y otros, todos llevando hacia el cuestionante final de si finalmente entregará el videojuego completo a tiempo o no. Es importante vivir cada uno de los finales para entender cuál es en realidad el mejor final de todos desde tu punto de vista. Desde el aspecto narrativo, la historia resulta simple en principio, pero la complejidad inicia a medida que la audiencia toma una decisión en vez de otra. No hay un camino sencillo para Stefan, y sin importar cuanto se intente por elegir el que supuestamente dará un mejor final, ninguno será como lo predices en su totalidad.

Mi mayor queja va hacia el personaje principal, presentado por Fionn Whitehead, a quien ya habíamos visto en Dunkirk. En esta ocasión, y no sé si será porque es un personaje más protagónico que el rol anterior, los momentos en que lo vemos solo se presentan muy sobreactuados. Los momentos donde la audiencia es quien elige su próxima acción desarrollaba una tensión innecesaria, en su mayoría fuera de lugar. Quizás es del momento de espera mientras la audiencia elige una opción, pero aún así parecía un mal momento por parte del actor. Quien verdaderamente entregó un excelente rol de personaje secundario fue Will Poulter, como un famoso diseñador de videojuegos; él es de los pocos actores britanicos que verdaderamente sabe entregar todo tipo de personajes, antagonistas en su mayoría, con una naturalidad y exclusividad que nunca deja de sorprender, en esta ocasión con un tono de voz al que le da para asumir una personalidad distinta en su personaje.

En cinematografía, la película asume el mismo estilo que Black Mirror ha asumido a lo largo de sus distintas temporadas, dando una tonalidad de color sombría y a la vez fría, con un acercamiento a los aspectos tecnológicos, pero sin dejar a un lado la escenografía y diseño de producción muy característica de la época de los años 80.

Lo que Charlie Brooker ha conseguido con el guion de Bandersnatch es revertir los conflictos de la serie y hacer de la tecnología un aliago para contar una historia intensa, oscura e inquietante. Es unna nueva forma de cine y una que seguramente otros copiarán. Quizás con una historia aún más prometedora pero con la inquietante realidad de que la industria está a punto de cambiar.

Bandersnatch

Ficha técnica

Dirección: David Slade

Producción: Russell McLean

Guion: Charlie Brooker

Música: Brian Reitzell

Fotografía: Aaron Morton

Reparto: Fionn Whitehead, Will Poulter, Asim Chaudhry, Craig Parkinson, Alice Lowe, Tallulah Haddon, Jonathan Aris, Paul Bradley, Alan Asaad, Suzanne Burden, Jeff Minter