Crítica Cinéfila: American Fiction

Harto de que las clases dirigentes se lucren a costa del entretenimiento “negro” que recurre a clichés ofensivos, un novelista frustrado decide escribir un estrafalario libro “negro” que lo sumirá de pleno en la hipocresía que él critica.

En 1926, Langston Hughes escribió un ensayo sobre su decepción por un joven escritor que expresó: "Quiero ser poeta, no un poeta negro". Hughes utilizó ese lamento para argumentar que este escritor, de crianza negra de clase media, quería ser blanco. Más interesante que la patología de Hughes en “el artista negro y la montaña racial” fue su separación de la tensión desgastada por el tiempo entre el artista negro, su obra y su audiencia en un país fundado en ideales supremacistas blancos y estereotipos negros.  

De hecho, los artistas negros con aspiraciones dominantes en los Estados Unidos siempre se topan con este escenario de pesadilla, plagado de ignorancia, proyección, culpa y un insatisfactorio vaivén de exageración y subestimación crónica. En 1955, James Baldwin escribió un ensayo criticando la ficción de protesta estadounidense, un género que consideraba historias demasiado sentimentalistas sobre los negros para el mercado. Acusó a su antiguo mentor Richard Wright de vender estereotipos en su novela "Native Son" en lugar de crear personajes humanos vividos. Sin embargo, las novelas de protesta fueron éxitos comerciales y la novela de Wright fue un éxito de ventas. 

Las tensiones resurgieron de manera más prominente a finales de los 90 y principios de los noventa, cuando el mercado literario encasilló a los escritores negros y los trató como negros urbanos. Las obras más célebres fueron las que los editores y lectores blancos consideraban “auténticas” (lo que sea que eso significara) o exponían el tipo de experiencias crudas de las que los estadounidenses blancos consideraban que la vida de los negros estaba hecha exclusivamente. Es durante esta ronda del debate que el escritor Percival Everett publicó su novela "Erasure", de 2001, una sombría sátira sobre la industria literaria.

Veinte años después, el escritor ganador del premio Emmy Cord Jefferson (Watchmen) ha adaptado ese texto abrasador a una película. "American Fiction" es una oferta inteligente y encantadora para la próxima generación de escritores que enfrentan las mismas preguntas existenciales. 

Thelonious Ellison (Jeffrey Wright) es un hombre negro de mediana edad sumido en una crisis creativa. Han pasado años desde que Monk, como lo llaman sus íntimos, publicó un libro, y el estrés de esta improductividad percibida se refleja en su rostro, en sus hombros encorvados y en cómo se la desquita con sus alumnos. La ficción estadounidense comienza con Monk, un profesor universitario, dando una clase sobre los grandes literarios de Estados Unidos. Después de que una estudiante se quejara de que el título del cuento de Flannery O'Connor "El negro artificial" es ofensivo y no debería escribirse de manera tan destacada en la pizarra, un Monk exasperado debate con ella. Ella sale llorando y él les grita a los estudiantes restantes. 

El incidente da lugar a una reunión disciplinaria y, finalmente, a una licencia forzosa. Monk se muda a regañadientes de California a Boston, donde su hermana Lisa (Tracee Ellis Ross) lo regaña por su ausencia. Su madre, Agnes (Leslie Uggams), está perdiendo la memoria y él nunca llama. Monk sostiene que nadie nombró a Lisa, una ginecóloga, como cuidadora, y que tienen otro hermano en quien ella podría apoyarse. Pero Cliff (Sterling K. Brown) no es de fiar, argumenta Lisa, y tiene que gestionar a los niños y su práctica de cirugía plástica en Tucson. 

Justo cuando Monk se reencuentra con su hermana, con quien comparte un vínculo especial aunque incómodo, ella muere. La película corta escenas en las que la pareja se ríe durante el almuerzo, Monk observa a Lisa a través de la puerta del quirófano y luego, finalmente, una pequeña ceremonia en la que la familia lee su testamento y esparce sus cenizas. 

El comienzo de "American Fiction" establece la película como una sátira y un drama familiar. Es un desafío adaptar la novela de Everett, una obra experimental compuesta por las anotaciones del diario de su protagonista, ideas para la historia, apartes sinuosos y artículos académicos, pero Jefferson, quien también escribió el guión, inicialmente logra un equilibrio justo entre estos dos géneros. El guionista y director extrae sabiamente partes de Erasure que articulan la tensión entre los artistas negros y sus audiencias, e introduce sus propios chistes que sitúan la ficción estadounidense como un proyecto contemporáneo. En una escena, Monk llama a su agente Arthur (John Ortiz), quien le lee una reseña racista de su último libro, en la que un crítico admira el arte de Monk pero se pregunta qué tiene que ver una reelaboración de una antigua tragedia griega con la experiencia del escritor como un hombre negro. 

Al igual que su material original, la película confronta y se burla de la miopía del mercado cultural. Es icónico ver escenas en las que Monk critica las novelas de un colega blanco en el aeropuerto o un editor le pide a Monk que sea juez de un premio literario debido a recientes cálculos internos por carencia de diversidad en el jurado. Y, sin embargo, el verdadero humor está en la comprensión más oscura de que las demandas y las reacciones al trabajo de los artistas negros no han cambiado. Hace sólo unos años las instituciones se apresuraron a comprometerse a escuchar y aprender sobre los problemas que creaban. 

Cuando Monk asiste a festivales literarios o recorre los pasillos de una librería, descubre que el último bestseller negro es una novela llamada "We's Lives in Da Ghetto" de Sintara Golden (Issa Rae). Enfurecido por esta reciente coronación de una obra mediocre, Monk decide escribir su propia novela sobre la "experiencia negra". Sus personajes cobran vida durante su proceso de borrador nocturno, bañado en alcohol, en una escena gratificante que captura la relación inmersiva y absorbente del escritor con el trabajo.

Monk presiona a Arthur para que presente su novela bajo un seudónimo a los editores que anteriormente lo rechazaron. Un editor ofrece casi un millón de dólares por el trabajo. Monk, cuya madre necesita cada vez más cuidados a medida que su enfermedad neurodegenerativa empeora, no está en condiciones de rechazar el dinero. Escribir no paga mucho y una licencia significa que se queda sin salario.

Después de aceptar el trato, comienza su doble vida, y la película esencialmente alterna tramos de la existencia profesional y personal de Monk. Pero el equilibrio tonal entre lo satírico y lo emocional se altera a medida que Monk se involucra más en el problema y comienza a salir con su vecina, Coraline (Erika Alexander). La película comienza a cambiar a una forma más incómoda entre el escritor misántropo que se hace pasar por un convicto fugitivo (la excusa que Monk afirma para evitar apariciones en la prensa) y Monk que intenta gestionar la salud de su madre, una nueva relación y los propios ajustes personales de su hermano Cliff. Algunos de los momentos dramáticos, bañados por una amplia música orquestal, no llegan con tanta fuerza como deberían, obstaculizados por el ritmo cada vez más desiguales de la película. 

También hay mucho material intelectual que extraer entre la novela de Everett y la realidad de ser negro en Estados Unidos. "American Fiction" aborda gran parte de este tema (desde la educación de clase media de Monk y su desdén por la ficción popular hasta la capacidad moral de capitular ante las fuerzas del mercado) con ingenio y entusiasmo. Pero el amplio alcance y la complejidad de estos temas significan que algunas ideas se exploran con más confianza que otras. 

Aun así, "American Fiction" es inteligente y, gracias a su excelente reparto, tiene un corazón genuino. Wright interpreta a Monk, una figura tan absorta en cómo lo percibe el mundo que se olvida de ver lo que tiene frente a él, con una discreta ternura. El actor añade una fisicalidad sutil, desde la forma en que sostiene esos hombros redondeados hasta la expresión de sorpresa que cruza su rostro cada vez que Monk descubre un nuevo secreto familiar, que aporta profundidad a su personaje. Esto complementa la actuación cada vez más sombría de Uggams como el encantador giro cómico de Agnes y Brown, que inspira comparaciones con su papel en "Honk for Jesus, Save Your Soul". 

Como ocurre con todos los escritores contemporáneos preparados para el éxito, Monk consigue un contrato cinematográfico; bueno, su personaje seudónimo, al menos, lo facilita el productor Wiley (Adam Brody). Aquí, Jefferson personaliza la película, añadiendo una serie de buenos chistes sobre el proceso de escritura de guiones y cómo Hollywood canibaliza la identidad para obtener ganancias. También es a través de este hilo que "American Fiction" sugiere que la crisis existencial del artista negro es una especie de problema imposible de superar. Si estás de acuerdo o no con esa conclusión es una historia diferente.

Crítica Cinéfila: The Lovebirds

A punto de separarse, una pareja se enreda involuntariamente en un extraño, divertido y misterioso asesinato. A medida que se acercan al momento de limpiar sus nombres y resolver el caso, necesitan descubrir cómo ellos y su relación pueden sobrevivir a esa noche.

Después de su primera cita juntos, Jibran (Kumail Nanjiani) y Leilani (Issa Rae) sabían que la química era lo suficientemente fuerte como para mantenerla viva por varias citas hasta lograr formalizarlo. Pero como toda relación amorosa de cuatro años, llegaron al punto de que no solo cuestionan su futuro juntos sino también si podrán seguir llevándola aunque se queden estancados con el mismo título mutuo en la costumbre de su compañía. Uno más uno ocasionalmente puede ser demasiado.

La nueva comedia de persecución de Netflix "Lovebirds", presenta a Rae, una mujer amante de la diversión, es mejor conocida por crear y protagonizar la fabulosa serie de HBO "Insecure", y Nanjiani, torpemente observador, quien coescribió y protagonizó "The Big Sick", nominada al Oscar. Ambos son geniales, y en "The Lovebirds" resultan un buen partido.

Mientras que en la película, son una pareja en New Orleans que después de estar juntos por cuatro años, ya no se soportan. En el auto camino a una fiesta, rompen dramáticamente, cuando de repente su auto es secuestrado para cometer un asesinato. Pareciendo culpables como el infierno, los dos huyen del área y pasan el resto de la película tratando de descubrir quién fue el responsable y limpiar sus nombres. 

Hay tantas películas sobre adultos profesionales aburridos que son atrapados en una noche de crimen. "Date Night", con Steve Carell y Tina Fey, y "Fun Mom Dinner" saltan a la mente. Pocos de ellos son buenos, pero un destacado reciente fue la Game Night de 2018. Con pocos detalles nuevos para agregar al patrón, "The Lovebirds" funciona como una bandeja para Nanjiani y Rae, que hay que reconocer tienen exhibiciones mucho mejores. Es verdad que no todas las comedias deben destruir el terreno con agallas e innovación, pero el fracaso parcial aquí es pura credibilidad. La mayoría de sus escenas aparecen como rutinas de duelo de bajo riesgo. Sin embargo, con un guión estrictamente estructurado y las estridentes pero raras interpretaciones, The Lovebirds puede también resultar un paseo encantador e inesperado.

Lo que ayuda a que la película se destaque es su modernización de la fórmula de Judd Apatow que ha llegado a caracterizar la mayoría de las comedias de estudio. Dirigida por Michael Showalter (The Big Sick) con un guión de Aaron Abrams y Brendan Gall, Lovebirds confía en su audiencia y en sus protagonistas, lo suficiente como para evitar abrumarnos con demasiadas tonterías, dejando un amplio espacio para ritmos de comedia romántica silenciosamente reflexivos. El equilibrio bien calibrado de estos diferentes tonos y notas es lo que hace que la película funcione por momentos. Resulta que un misterio de asesinato absurdo proporciona el telón de fondo adecuado para explorar por qué las relaciones a largo plazo pueden fracasar, y por qué hacer el trabajo necesario para mantenerlas puede valer la pena.

Showalter tiene la intención de garantizar que el humor sea lo que impulse la película, sin enviarla por completo por un acantilado; él confía en la coreografía de configuraciones bien tramadas, recompensas bien ganadas y la proporción justa de bromas físicas a chistes verbales.

Nanjiani y Rae brillan. Showalter simplifica la cinematografía con primeros planos medianos de los dos sentados en automóviles, en mesas de restaurantes o en lugares íntimos; estas escenas forman el corazón de la película. Incluso si no siempre compras a estas personas como pareja, su comedia de payasadas da en el blanco; es difícil no apoyar a este par de ingenuos.

Una de las sorpresas agradables de The Lovebirds es que no busca resaltar al extremo ni ignorar ciegamente el hecho de que sus protagonistas son asiáticos y negros. Este no es un caso de casting inclusivo para obtener puntos de "diversidad" superficiales; Showalter se adhiere a los principios de la buena cinematografía, inclinándose hacia el subtexto sin ahogarnos en momentos de enseñanza dignos de vergüenza.

Algunos de los toques más divertidos tienen su origen en comentarios sociopolíticos divertidos porque es cierto. Al mismo tiempo, los elementos técnicos, incluida una puntuación inesperada de neo-soul, son sólidos y están sincronizados, lo que ayuda a la película a cambiar las bromas de las comedias románticas (sobre la futilidad del matrimonio, la frecuencia del sexo, etc.) a travesuras más oscuras con una facilidad impresionante.

The Lovebirds es esa rara comedia tonta inteligente que no solo espera que la audiencia entienda por qué una mujer negra y un hombre musulmán estadounidense asumirían lo peor de la policía, sino que también saben aprovechar esa verdad para reír. La película ofrece más pruebas de que a veces el mejor tipo de comentario político es ningún comentario. Ofrecer personajes interesantes, imperfectos y bien redondeados destinados a leerse como negros y marrones en una comedia que es corriente, accesible y ampliamente atractiva es en realidad todo el comentario que necesitamos.

Crítica Cinéfila: The Photograph

Cuando la famosa fotógrafa Christina Eames muere inesperadamente, su hija Mae Morton se queda confundida, enfadada y llena de preguntas. Cuando encuentra una fotografía escondida en una caja de seguridad, Mae comienza a investigar la vida de joven de su madre, comenzando al mismo tiempo un apasionado e inesperado romance con un periodista, Michael Block.

The Photograph es un vehículo estelar "romántico" para Issa Rae y Lakeith Stanfield que es profundamente defectuoso pero a la vez sexy y reflexivo. El cuarto largometraje de la escritora y directora Stella Meghie (después de  The Weekend, Everything Everything, Jean of the Joneses), es grueso y cubierto de múltiples capas con un lenguaje visual bien preciso, que invita a la audiencia a mirar debajo de la superficie de un encuentro estándar.

Para perseguir fotos históricas de una historia en la que está trabajando, el veterano reportero Michael (Stanfield) se encuentra en los archivos del museo donde Mae (Rae) trabaja como curadora. Michael se enamora al instante, pero Mae es más cautelosa, y que su mente está preocupada por la reciente muerte imprevista de su madre. A medida que avanza su relación, Mae siente la necesidad de conocer el pasado de su madre.

En realidad, hay bastantes historias de amor en la película: aparte de la que está entre los dos personajes principales, está el amor que se muestra en flashbacks entre la madre de Mae, Christina (Chanté Adams, quien da la mejor actuación en la película) y el pescador del país, Isaac (Rob Morgan); la estrecha relación de Mae con su padre (Courtney B. Vance); la estrecha relación de Michael con su hermano mayor Kyle (Lil 'Rel Howery); y el feliz matrimonio de Kyle con Asia (Teyonah Parris).

La trama de The Photograph literalmente se centra en la fotografía de Christina. Meghie envió a la entonces estudiante-fotógrafa de la Universidad de Nueva York, Jheyda McGarrell,  para capturar el paisaje de Luisiana de la infancia de Christina, y la forma en que estas imágenes se entrelazan con la historia hace que desees poner fin a la omnipresente sesión de fotos de la cara de un actor en imágenes de archivo tan a menudo vistas en películas. Los marcos del director de fotografía Mark Schwartzbard emiten tonos dorados de los actores contra un telón de fondo que en su mayoría sesga lo masculino y lo oscuro. Hay un brillo duradero en la apariencia de la imagen que es un verdadero regalo.

La sensual partitura de jazz llega a ese punto medio entre Coltrane y The Roots, esencialmente el sonido característico del compositor ganador del Grammy Robert Glasper. Meghie claramente voló a través de su presupuesto musical con alegría nostálgica: los artistas destacados incluyen a Al Green, Chaka Khan ("Ain't Nobody"), Whitney Houston ("You Give Good Love"), Anita Baker ("Caught Up in the Rapture") y Luther Vandross (su versión intoxicante de "If You Were Mine" de Marvin Gaye). Tanto la partitura de Glasper como esta mega-lista de reproducción de jams lentos de R&B le dan a la película un brillo emocional. Pero es tan musical que la imagen a veces se siente como un micrófono abierto de palabra hablada.

Pero en términos narrativos, The Photograph es un asunto decepcionantemente impredecible. Las fallas incluyen un huracán artificial que supuestamente es amenazante pero apenas se registra; escenas de sexo PG-13 atrofiadas y confusas de cuerpos apasionados y expuestos; y una química tenue entre Rae y Stanfield que fue forzada en romance, pues este no florece tan natural como se esperaría. Pero lo que más sorprende es el personaje de Rae, quien no termina de aterrizar en la anatomía de Mae y de momentos se siente sin emociones y sin un real atractivo para uno querer apoyarla en su travesía. 

El rendimiento de Rae está notablemente poco cocinado, como si la actriz no estuviera completamente conectada con el material. Esto inevitablemente te deja deseando haber podido acceder a las dramáticas habilidades que mostró sobre todo en el final explosivo de la primera temporada de Insecure . Los momentos sobresalientes de Rae aquí están ligados a la comedia, como cuando Mae habla sobre su amor por el rapero Drake (algo que comparte con el personaje de Rae en Insecure de HBO y la propia Rae). De hecho, la conversación de primera cita entre Kendrick Lamar y Drake entre Mae y Michael es la escena en la que la química aparece más entre los dos. 

La ruptura de Stanfield en los últimos años lo ha visto interpretar a un nerd negro así como al novio en un romance que se ha desmoronado. Pero aquí, tal vez por primera vez, interpreta su versión de un chico sexy y emocionalmente sintonizado con problemas de compromiso. Mientras que Rae a menudo es dramáticamente plano, la fanfarronería de Stanfield nos ayuda a invertir en la pareja.

The Photograph se encuentra en la compañía tonal de películas como el indie Love Jones de Witcher, que se hizo con un presupuesto muy reducido. Que Meghie cuenta con el respaldo de un gran estudio que puso en producción dólares reales, así como una agresiva campaña de marketing que apuesta por estrellas negras nuevas, es algo con lo que Witcher solo podría haber soñado.

The Photograph refleja una tendencia que está ganando más tracción de la que hemos visto antes. A pesar del impacto artístico de la película en el medio de la carretera, representa el crecimiento de algo invisible durante demasiado tiempo: el amor negro real que no solo se juega para reír. 

Crítica Cinéfila: Little

Jordan Sanders es una mujer implacable que, con la seguridad que le da la riqueza con la que cuenta, no tiene ningún tipo de reparo en tratar a sus empleados como si fueran inservibles. La mayor víctima de este comportamiento es April, la dócil asistente de Jordan, que debe satisfacer las caprichosas necesidades de su jefa. Todo cambia cuando, un día, Jordan se despierta siendo una niña de nuevo. 

A pesar de tan solo tener 14 años de edad, la actriz Marsai Martin es, literalmente, la creadora de Little. Presentó el concepto al productor Will Packer a los 10 años y obtuvo su crédito como productora ejecutiva, convirtiéndose en la persona más joven de Hollywood para hacerlo. Pero no es solo la idea la que hace que "Little" sea suya; es la actuación de la actriz la que posee completamente esta comedia de estudio, tomando la pantalla con una confianza admirable cada segundo que está en el encuadre. Pero a pesar de su divertida idea de la historia y su extraña actuación divertida, Martin no puede salvar a "Little" de los problemas más grandes que un adulto debería haber manejado.

Jordan Sanders es el tipo de jefa de la compañía que generalmente solo los hombres blancos y Anna Wintour pueden ser. En su compañía de tecnología de Atlanta, ella es una matona mercurial, cuyos estados de ánimo se empeoran por su falta de carbohidratos. Su asistente April entra en pánico cuando escucha el tono de llamada de su jefe, viviendo con miedo a la brillante, pero brutal, reina que se sienta en un trono ergonómico. Pero no solo sus empleados son el objeto de su ira; Jordan le grita a la maga aspirante Stevie por ser simplemente una niña. "¿Siempre quisiste decir?" Stevie pregunta. "Me hice grande y me hice rico", responde Jordan. Stevie hace un deseo, convirtiendo a la empresaria de 38 años en la torpe niña que era a los 13 años.

La joven Jordan se ve obstaculizada por su falta de poder y capacidad legal para tomar un poco de Rosé cuando se siente estresada. April acepta ayudarla, y ella se hace cargo de su jefe en la oficina mientras Jordan va a la escuela, como es legalmente necesario para los niños de 13 años. Ella le hace ojitos a su maestro, el Sr. Marshall, e intenta ayudar a un trío de jóvenes marginados a sobrevivir a la escuela secundaria, mientras encuentra tiempo para aprender muchas lecciones que debería haber aprendido la primera vez que fue niña.

"Little" tiene más mensajes para sentirse bien que una bolsa de Dove Promises, y cada uno tiene la misma cantidad de poder de permanencia que esos lugares comunes: "Sé tú mismo", se nos dice. "No seas un matón", dice. "La teoría del brillo es real", aprendemos. "Ten confianza", proclama. Estas no son malas ideas con moderación, pero "Little" es extra, empacando la positividad y ocultando el impacto de cualquier tema en particular.

Además de esto, el guión de la directora Tina Gordon y Tracy Oliver está desenfocado como si el guión en sí viniera de la mente adicta al azúcar de un niño de 13 años, rebotando sin preocuparse por la coherencia y continuidad: cómo es que el novio de Jordan, los amigos que ella hace en el colegio o el resto del mundo nunca a vuelve a cuestionarse qué pasó con la Jordan niña. La edición tampoco ayuda: varias escenas tienen momentos clave que faltan y se sienten como si estuvieran en el guión, pero se cortaron, quizás debido a razones de clasificación de la MPAA. Lo que queda se siente inconexo: de repente, nos vemos empujados por un momento en un restaurante donde April niega a la joven Jordan un sorbo de su elegante vino tinto, luego la película corta a Jordan sobre el bar, claramente borracha y comenzando un dúo improvisado con la canción "I'm goin' down" de Blige. Se siente tan aleatorio y completamente fuera de lugar tanto en la escena como en la película, pero sin este momento hubiera sido difícil para Gordon porque ciertamente genera chispa de alegría.

No es un montón de diversión aquí: la perfectamente malvada de Hall como Jordan adulta permite una entrega impecable de Rae de cada línea que se le ha dado, y no podemos olvidarnos de la actuación de Marsai Martin, quien al final se revela como la verdadera protagonista, complementada por el diseño de vestuario y maquillaje de Danielle Hollowell, y su mirada descaradamente femenina que demuestra que los hombres solo pueden representar el romance de la historia y no el logro de objetivos.

"Little" es una película interesante, pero es una pena que no pudo haber sido mejor. Claramente, inspirado en "Big" de Tom Hanks, "Little" es un caso atípico en décadas de comedias de intercambio de cuerpo que han sido hechas por y para el público blanco. Cuando le cuenta la difícil situación de Jordan, April incluso comenta: "Pero eso es para los blancos". Porque los negros no tienen tiempo”. Pero con su talento negro dentro y fuera de la pantalla, “Little” trae algo nuevo al subgénero con la especificidad de las experiencias de sus personajes y su humor. Estas escenas resuenan, a pesar de estar rodeadas por una película que no funciona del todo.

"Little" no es una gran película, ni siquiera una muy buena, pero está llena de momentos maravillosos, impulsados ​​por los increíbles talentos de Martin, Rae y Hall. Podría haber hecho más tiempo en la pantalla para Hall, que ha tenido un par de años particularmente buenos entre "Girls Trip" y "Support the Girls", pero por la naturaleza de la película, eso hubiera significado menos Martin, que no es un sacrificio que estoy dispuesta a hacer. Así como Tom Hanks mostró su rango y sus habilidades cómicas interpretando a un niño atrapado en un cuerpo adulto en "Big", es igualmente encantadora aquí haciendo lo contrario. Esta debería ser una actuación de estrella, incluso si la película en su conjunto no es digna de su talento.

The Hate U Give

Starr Carter oscila constantemente entre dos mundos: el barrio pobre, en su mayoría afroamericano, donde vive, y la escuela preparatoria rica, en su mayoría blanca, a la que asiste. Este equilibrio incómodo entre esos mundos se hace añicos cuando Starr es testigo de la muerte de su amigo de la infancia, Khalil, a manos de un oficial de policía. Ante las presiones de la comunidad, Starr deberá encontrar su voz y defender lo que cree que es correcto. (FILMAFFINITY)

¿Cómo es la próxima generación de cineastas en 2018? Si las películas tienen un estilo y estructura similar, The Hate U Give se siente como la bienvenida cresta de una nueva ola: no son crónicas fantasiosas, sino reales y a menudo dolorosas. Relatos relevantes sobre raza y justicia e identidad milenaria.

Para Maverick Carter, el padre en The Hate U Give jugado con ferviente autenticidad por Russell Hornsby ( Fences) , no hay muchas opciones al respecto (sin lugar a dudas, tomar la decisión de hablar sobre el tema no es un privilegio que todos los padres de color puedan reclamar). Explicando a su hija Starr y su hijo Siete exactamente cómo tratar con la policía cuando finalmente son detenidos: mantenga las dos manos en el tablero de mando en todo momento, siga las instrucciones y no responda: es una cuestión de vida o muerte. Sus hijos reciben "la conversación", como se sabe en los hogares afroamericanos de todo el país, cuando tienen 9 y 10 años, respectivamente. Por si acaso, Maverick se asegura de que sus hijos también memoricen el programa de diez puntos de Black Panther.

Para algunos jóvenes estadounidenses, esta película, así como la novela de Angie Thomas en la que se basa, puede ser su primera exposición profunda al problema. Afortunadamente, es un análisis matizado, intenso y totalmente envolvente de cómo las políticas racistas dan forma a los resultados económicos y judiciales para las familias como los Carters, y no silencia las cosas en absoluto. En el proceso, cuenta la poderosa historia de la madurez de una joven en un momento en el que el proceso implica el cambio de código y el descubrimiento de la agencia política, al igual que encontrar el vestido adecuado para el baile de graduación.

A Starr no la quieren glorificar como símbolo de un movimiento, sino tratar de mantener con una personalidad y actitud muy real, gracias a la actuación vulnerable y visceral que lleva Amandla Stenberg a su personaje. Ella tiene la ayuda de un elenco de apoyo uniformemente excelente, Russell Hornsby, como un padre constantemente inspirador e impulsador, a Regina Hall como su madre ferozmente protectora, Issa Rae como abogada activista con la esperanza de que ella testifique, y Common como el tío de la policía que ofrece su propia versión de vidas negras y azules.

Para la profunda confusión de su padre, Starr también tiene un novio blanco (KJ Apa de Riverdale), y sus interacciones con él y sus amigos en la escuela ofrecen algunas de las mejores lecciones en lo que significa entender la piel de otra persona. Tillman lo une todo ordenadamente, presentando un mensaje demasiado fresco e importante para descartarlo: no de odio, sino de esperanza y fe en que compartir estas historias no puede arreglar mágicamente lo que está roto. 

Hay mucho terreno que cubrir en la película, y The Hate U Give desarrolla una calidad desigual a medida que avanza de un evento dramático al siguiente. Corre un poco largo, y después de un tiempo, cada nuevo desarrollo devastador, la mayoría con armas o disparos, se siente abrumador hasta el punto de que comienza a amortiguar el impacto.

Aún así, a pesar de la inclinación de la película por el melodrama, The Hate U Give  proporciona un contexto importante para ciertos temas, como por qué decir "No veo el color" o "todas las vidas son importantes" puede ser perjudicial y negador, que de otra manera pueden parecer nebulosas, y no lo son.