Crítica Cinéfila: The Imaginary

Rudger es el amigo imaginario de Amanda Shuffleup. Nadie más puede ver a Rudger... hasta que el malvado Sr. Bunting llega a la puerta de Amanda. El Sr. Bunting caza seres imaginarios. Se rumorea que incluso se los come. Y ahora ha encontrado a Rudger. Rudger está solo y huye para salvar su vida imaginaria. Necesita encontrar a Amanda antes de que el Sr. Bunting lo atrape... y antes de que Amanda lo olvide y él se desvanezca en la nada. Pero, ¿cómo puede un niño irreal estar solo en el mundo real?

Si la nueva película animada de Netflix, "The Imaginary", te recuerda algunas de las obras de Studio Ghibli, hay una buena razón para eso. La película está dirigida por el veterano animador Yoshiyuki Momose, quien anteriormente trabajó en películas como "Grave of the Fireflies", "Porco Rosso" e incluso "Spirited Away". Además de eso, también está escrita por el ex-productor de Studio Ghibli, Yoshiaki Nishimura, quien fundó Studio Ponoc en 2015. Entonces, si tienes una sensación de déjà vu y la sensación de que ya has visto esto antes, esa historia está incorporada en los antecedentes de todos los que trabajaron en este proyecto. Al igual que su personaje central, hay mucho en su pasado.

La clave de lo que hace que funcione es que nada en "The Imaginary" se siente derivado. Más bien, cuenta con lo que parece ser algunos puntos de inspiración realmente geniales. Incluso cuando no puede alcanzar las mismas alturas en cada momento de forma aislada, la imagen general es poética y lúdica en la que quieres perderte. Es una obra de animación hermosa que logra sostenerse por sí sola, encontrando muchas imágenes sinceramente sentidas pero aún así sorprendentemente horrorosas en su mundo imaginativo. Claro, su premisa en realidad también puede sentirse similar a "IF" de este año, pero el cuidado con el que se desarrolla es lo que la hace mucho mejor que esa. Es poco probable que veas una película animada en Netflix que sea tan frecuentemente sorprendente como esta, incluso cuando uno espera que aún pueda tener un estreno en cines apropiado. Sin embargo, donde sea que termines viéndola, es una que vale la pena buscar para abrir cada rincón de tu propia imaginación.

Basada en la novela infantil homóloga de AF Harrold y las ilustraciones que la acompañan de Emily Gravett, se centra en el joven Rudger, que es el amigo imaginario de Amanda. En una escena inicial temprana, nos sumergimos en la maravilla de los mundos imaginarios donde conviven. Cada uno de ellos es infinitamente impresionante, al igual que el mundo real al que inevitablemente deben regresar tiene muchos desafíos que los encierran. Es decir, la encantadora librería dirigida por la madre de Amanda, Lizzie, está en peligro de cerrar. Esto no impide que los jóvenes amigos se embarquen en aventuras en sus mundos imaginarios juntos, con una escena inicial deliciosamente divertida en la que se los ve en desacuerdo sobre un nombre muy importante de una criatura que crean, pero pronto las fuerzas oscuras de la realidad llamarán a la puerta en forma de un hombre amenazante que tiene un interés específico en Rudger. Lo acompaña una aterradora niña imaginaria, que fácilmente podría ser Samara de The Ring , y quiere consumir al joven imaginario. Después de una crisis que lo separa de Amanda, Rudger tendrá que navegar por un mundo fantástico y encontrar el camino de regreso a su amiga mientras se mantiene alejado de las garras del hombre que lo persigue.

Cualquier otra discusión sobre lo que sucede, especialmente en torno a lo que dio origen a Rudger en primer lugar, es mejor dejarla para la película, ya que hay muchos descubrimientos alegres, así como otros más reflexivos y sombríos. Incluso cuando se acerca demasiado a caer en la extraña tendencia en la animación donde lo mágico se convierte en algo más parecido a un negocio banal, baila hábilmente para salir de esto y se lanza a escenas infinitamente más espectaculares desde los confines del espacio exterior hasta el espacio entre espacios. 

Incluso cuando "The Imaginary" puede llegar a enredarse un poco en explicar en exceso partes de la forma en que funciona su mundo, aún encuentra muchas recompensas emocionales potentes cuando deja todo esto atrás y nos permite sentir la forma en que todo se une. Ya sea después de dicho viaje al espacio donde un personaje tiene la oportunidad de comenzar de nuevo con un nuevo amigo o en todo el acto final donde Rudger debe reinventarse para encontrar a Amanda, es algo realmente maravilloso. Incluso cuando estás hambriento de ver más de este mundo imaginario, el hecho de que siempre debemos volver a la realidad es el punto. No importa cuánto queramos dejar atrás por completo el mundo, son las cosas que atan a Rudger allí las que proporcionan los puntos de apoyo emocional que le dan a la película su peso cuando todo se derrumba.

Sin adelantar nada, el final de este viaje es donde la película te deja en el suelo una última vez. Te envuelves en la fantasía de todo justo antes de que todo te golpee como un camión, encontrando un montón de flashbacks emocionales resonantes que contextualizan y profundizan la experiencia justo a tiempo para la conclusión. Cuando se complementa con algunos giros audaces, tanto narrativamente en términos de una revelación tardía como formalmente en la vibrante fusión de estilos de animación, se construye hacia algo más pequeño al mismo tiempo que es expansivamente demoledor. Todo encaja perfectamente, una demostración de cómo la fusión de arte y emoción en esto que llamamos cine puede crear una experiencia sinigual. Sería difícil imaginar una mejor prueba de esto.

Crítica Cinéfila: The Boy and the Heron

Mahito, un joven de 12 años, lucha por asentarse en una nueva ciudad tras la muerte de su madre. Sin embargo, cuando una garza parlante informa a Mahito de que su madre sigue viva, entra en una torre abandonada en su busca, lo que le lleva a otro mundo. El título de la película se basa en la novela de 1937, 'Kimitachi wa Dō Ikiru ka' escrita por Yoshino Genzaburō pero la película presenta una historia original que no guarda relación con la novela.

Cada país tiene varios cineastas que se convirtieron en sus grandes representantes y voceros por el cine de esa cultura y región. Hay algunos que se especializaron en estilos, géneros e incluso se distinguen del resto por llegar a grandes festivales y nominaciones. Hayao Miyazaki es sin duda el padre del ánime en el cine, y considerado el mejor cineasta de este subgénero de la animación.

El cineasta de 82 años y cofundador de Studio Ghibli siempre ha pertenecido en una categoría propia, que formal o informalmente abandonó el negocio no menos de siete veces a lo largo de su ilustre carrera, la más reciente después de su obra maestra "The Wind Rises". Una película biográfica ficticia sobre el ingeniero aeronáutico Jiro Horikoshi, cuyos diseños más visionarios fueron construidos con mano de obra coreana forzada y desplegados a merced del despilfarro de la campaña japonesa de la Segunda Guerra Mundial, la película funcionó como un autorretrato devastadoramente crudo de un artista que lucha por reconciliar el costo y el valor de sus propias creaciones: para conciliar la pureza de su imaginación y la violencia necesaria para hacerla real. 

Fue la señal ozymandiana de un titán cinematográfico que contempla sus poderosas obras con desesperación y se esfuerza por convencerse a sí mismo de que la fealdad de nuestro mundo no invalida la belleza de nuestros sueños tanto como la belleza de nuestros sueños valida la fealdad de nuestro mundo. “El viento se está levantando”, concluye Horikoshi, citando un poema del escritor francés Paul Valéry mientras observa uno de sus gloriosos aviones deslizarse por el aire. "Debemos intentar vivir". La única pregunta que quedaba, por supuesto, era cómo. 

Era una pregunta que “The Wind Rises” planteó implícitamente pero también retóricamente, ya que Miyazaki sabía que también era una pregunta que todos tendrían que responder por sí mismos. Y por "todos" me refiero a todos: por más que lo intentó, Miyazaki, que se torturaba a sí mismo, no podía librarse del apuro.

El jubilado menos convincente del mundo del cine había hecho una película que claramente estaba destinada a servir como el período final de su incomparable carrera y, sin embargo, no pudo evitar convertir sus momentos finales en una elipsis burlona. Sorprendidos como algunos por el anuncio de que Miyazaki se atrevería a hacer otra película después de “The Wind Rises”, ese shock inmediatamente se suavizó hasta convertirse en algo inevitable cuando se reveló el título de su última película en octubre. Por supuesto, se llamaría “¿Cómo vives?” Sería la declaración definitiva de alguien que no se había dejado otra opción que hacerlo antes de dejarnos para siempre, alguien que tuvo que retirarse , por octava y última vez, para poder morir en sus propios términos.

No hace falta decir que eso no le entusiasmó. "No hay nada más patético que decirle al mundo que te retirarás debido a tu edad y luego regresar", escribió Miyazaki al comenzar a trabajar en "How Do You Live?" (Se incluyeron extractos de su diario en las notas de prensa de la película). “¿Es realmente posible aceptar lo patético que es eso y hacerlo de todos modos? Una persona mayor que se engaña a sí misma pensando que todavía es capaz, a pesar de su olvido geriátrico, ¿no demuestra que ya no está en su mejor momento? Puedes apostar que sí”.

Bueno, sí y no. Es cierto que "¿Cómo vives?" — que cuenta una historia original que toma prestado su título de la novela homónima de Genzaburo Yoshino de 1937, y que inexplicablemente ha sido rebautizada como "The Boy and the Heron" para su lanzamiento internacional a instancias del Estudio Ghibli, a pesar de que el libro de Yoshino actúa como un punto crucial de la trama en una película cuyo clímax depende de un sustituto obvio de su guionista y director que literalmente pregunta a la audiencia "¿Cómo vives?" - no es la mejor película de Miyazaki. Le falta todo el cinetismo de “El castillo de Cagliostro”, la furia de “Nausicaä del valle del viento”, la aventura de “El castillo en el cielo”, el Totoro de “Mi vecino Totoro”, la efervescencia de “Kiki's Delivery Service”, el romance de “Porco Rosso”, la grandeza de “La princesa Mononoke”, el encanto de “Spirited Away”, el florecimiento de “Howl's Moving Castle”, la exageración de “Ponyo” o la megapotencia emocional de “The Wind Rises”. 

Sin embargo, lo más importante es que “The Boy and the Heron” contiene aspectos de todas esas películas (además de referencias más abiertas al trabajo anterior del dios del anime). Y si bien este trino onírico del canto del cisne puede ser demasiado agudo y disperso para golpearlo con el poder de la fuerza del vendaval que hizo que “The Wind Rises” pareciera una despedida definitiva, “The Boy and the Heron” encuentra a Miyazaki tan transparente, despidiéndose de nosotros y del reino desmoronado de sueños y locura que pronto dejará atrás, que de alguna manera se resuelve en un adiós aún más apropiado, uno adornado con el asombro divino y la nostalgia desgarradora de ver a un verdadero inmortal hacer las paces con su propia muerte. 

Hay que entender que “The Boy and the Heron” se encuentra entre las películas más bellas jamás dibujadas, y que estar inmerso en un mundo animado tan exuberante y vivo después de una década de “Minions” se siente como comerse un bocado de algo mágico. 

Pero a pesar de todo su arte y alegría, las películas de Miyazaki siempre han reflejado una visión bastante sombría de la humanidad, típicamente expresada a través de la codicia y la inclinación de sus personajes hacia el suicidio ecológico. Son las creaciones extáticas de un hombre amargado que ha dedicado su tiempo en la Tierra a crear cosas de maravilla inmaculada. “The Boy and the Heron” está estructurado como una colisión frontal entre esas mentalidades aparentemente incompatibles. 

La primera mitad de la historia nos presenta a Mahito Maki (con la voz de Soma Santoki), un niño de 12 años cuya madre murió en un incendio en un hospital de Tokio en 1943. Se nos presenta a Mahito a través de sus sueños, donde está rodeado por siluetas de una ciudad que observan cómo la madre del niño surge de las llamas como un fénix gritando (un comienzo apropiado para una película que surgió de las cenizas). En la vida real, el fornido padre de Mahito, propietario de una fábrica de municiones aéreas, ya se ha vuelto a casar con su cuñada, convirtiendo así a la tía de Mahito, Natsuko (Yoshino Kimura), en su madrastra. Además, está embarazada del bebé de su padre. Como era de esperar, Mahito no está encantado con nada de esto, lo que pone al ya hosco adolescente de muy mal humor cuando llega al lujoso hogar de su nueva tía-mamá con una creciente malicia en su corazón.

Esperando al niño en el techo de la finca, que se divide entre una casa principal de estilo japonés y la residencia de estilo occidental donde se aloja Mahito, un cisma cultural que refleja una película que de manera similar llegará a cruzar la vida y la muerte, la realidad y imaginación - es una garza real (Masaki Suda). Y si bien el ave de patas largas puede parecer bastante elegante desde la distancia, esta criatura en particular pronto revela ser todo lo contrario. No sólo es una amenaza absoluta, golpeando con su pico la ventana del dormitorio de Mahito y graznando sobre su madre muerta con una voz que suena como un homenaje malévolo a Gilbert Gottfried, sino que resulta que ni siquiera es una garza, sino más bien un pequeño hombre con una nariz bulbosa y dientes horribles disfrazados.

La garza finalmente habla con Mahito, incitándolo hacia una misteriosa torre que el difunto tío abuelo del niño construyó en el bosque más allá de la casa (para acceder a la cual es necesario arrastrarse a través de un sendero de jardín estilo "Totoro"). La traviesa garza le dice a nuestro héroe que su madre está viva y que ella guiará a Mahito si se atreve a entrar a la torre. Lo cual, por supuesto, hace al final de la primera hora de la película, siguiendo a Natsuko y acompañado por una de las solteronas mayores que atienden su casa. 

Y así, lo que hasta ese momento ha sido la película más sólida de Miyazaki en muchos aspectos se convierte en la más abstracta, a medida que la segunda mitad de “The Boy and the Heron” nos sumerge a nosotros y a Mahito en un precario mundo de fantasía que se relaciona con la vida de vigilia y con la metafórica incertidumbre de un sueño. Algunas conexiones son más literales que otras. Mahito conoce a una marinera llamada Kiriko, que parece ser una versión más joven de una de las sirvientas de Natsuko. Una noche, de pie en la proa de un enorme naufragio de madera, observan cómo pequeños duendes sonrientes llamados waru waru ascienden hacia el cielo, almas humanas con la esperanza de nacer en el mundo de arriba. Más tarde, el soldado inexpresivo que el niño vio marchando hacia la guerra mientras se dirigía desde Tokio es claramente extrapolado a un ejército de periquitos humanoides hambrientos, todos los cuales están esclavos sin sentido de su destructivo rey. 

Sin embargo, en su mayor parte, las imágenes que Miyazaki evoca aquí son más ampliamente simbólicas de su pacifismo de toda la vida y su disgusto por sus semejantes, y la historia raída de la película: irregular y apolillada en algunos aspectos que sirven a su propósito, y en otros no es así. El principal de ellos: la tensión ambiental entre los sueños que unen a nuestro mundo y la violencia que amenaza con destrozarlo. Increíblemente hermosa y desgarradoramente trágica a partes iguales.

Dividida, como lo están la mayoría de los sueños, entre la obviedad y la impenetrabilidad, esta segunda mitad de “The Boy and the Heron” sostiene la inquietud etérea de la secuencia del tren fantasma de “Spirited Away” durante la mayor parte de una hora entera, una conexión que prácticamente se hace cuando Mahito se ve obligado a realizar trabajos de baja categoría para pagar su paso por el inframundo. Sin embargo, por muy reflexiva que pueda ser esta película, nunca te deja con la sensación de que Miyazaki se está repitiendo. 

Por el contrario, “The Boy and the Heron” encuentra a la leyenda del anime sobre los escombros de su todopoderosa carrera (una montaña inescalable de impresionantes obras maestras y memes fulminantes, de juguetes de peluche y traumas privados, de singular brillantez y frustraciones comunes) y entrecerrando los ojos contra la puesta de sol para medir el valor de esa creación antes de dejarlo todo atrás. Se enfrenta a temas familiares desde una nueva perspectiva y con el desorden urgente de alguien que sabe que nunca podrá volver a abordarlos. 

Si “The Wind Rises” fue una obra de autoexamen hiriente y penetrante, “The Boy and the Heron” es, por el contrario, una obra de autoeliminación tremendamente conmovedora. Una vez más, Miyazaki se cuestiona el propósito de la creación artística en un mundo tan propenso a la ruina, pero esta vez nos lo pregunta a nosotros. ¿Por qué hacemos algo cuando todo parece desmoronarse ante nuestros ojos y cómo encontramos la fuerza para hacerlo? Si Miyazaki supiera la respuesta, ya nos la habría dicho; no habría sentido la necesidad de dedicar los últimos años de su vida a una película minuciosamente animada que temía no poder terminar antes de que la guerra (o la muerte por cualquier otro medio) hiciera que todo el proyecto fuera una pérdida de tiempo. No se trata de “¿qué haremos sin el genio de Miyazaki?” sino más bien “¿qué aprenderemos de su legado y de su fracasos?”

Ese aire de inutilidad agridulce alcanza su punto máximo durante un encuentro culminante entre Mahito y su tío abuelo desaparecido, cuando al niño (en términos tan básicos que reflejan tanto la ingenuidad de un niño como la sabiduría de un anciano) se le da la imposible tarea de restaurar el equilibrio en un ámbito que ha perdido todo sentido de equilibrio. Puede parecer una petición particularmente cruel de un cineasta que ha pasado la peor parte de su vida luchando por reconciliar la belleza de nuestro mundo y la fealdad que provoca, pero Miyazaki se lo pide a Mahito sin expectativas. "¿Como vives?" No espera una respuesta más que la madre de Mahito cuando escondió una nota para su hijo en cierto libro que él sólo encontró después de su muerte. Él sólo espera, como ella, que su recuerdo inspire a Mahito a seguir buscando una respuesta, aunque sólo sea en sus sueños.

“Construye tu propia torre”, suplica el tío abuelo antes de que la torre en la que ha vivido durante tanto tiempo comience a desmoronarse. Y la última toma de la última película de Miyazaki (la imagen más simple de una película repleta de maravillas espectaculares) nos deja solos con todas las herramientas que podríamos necesitar para hacer precisamente eso.

Crítica Cinéfila: A Whisker Away

Miyo "Muge" Sasaki es una joven estudiante de secundaria que se ha enamorado de su compañero Kento Hinode. Aunque le persigue todos los días, él nunca parece percatarse de su presencia. Sin embargo, mientras esconde un secreto que no puede contar a nadie, Muge decide seguir persiguiéndole.

Es fácil apreciar por qué la última película anime de Netflix ha sido retitulada "A Whisker Away" para su lanzamiento. No solo suena muy parecido a la popular "Spirited Away", sino que también es una forma bastante breve de unir dos puntos de venta más importantes de esta película: la fantasía juvenil y los felinos. Por otro lado, el título original sorprendentemente expresivo del proyecto, traducido literalmente del japonés como "Queriendo llorar, pretendo ser un gato", realmente se traduce al tema central de la película.

El último largometraje producido por la emergente potencia del anime Studio Colorido ("Penguin Highway"), la dulce y vibrante película original de Satô Jun'ichi y Shibayama Tomotaka nos presenta a una colegiala cuya exuberante personalidad oculta sus sentimientos privados de abandono y un cambio refrescante de ritmo que tiende a anclar sagas de mayoría de edad sobre la soledad y el amor no correspondido. piensa en ella. Miyo es muy extrovertida y alocada; sus compañeros de clase se ríen y la llaman "Miss Ultra Gaga" directamente a la cara, pero eso no impide que ella siempre le recuerde a voz alta a Hinode el amor profundo que siente por él, algo que no es muy bien visto por él, y que nunca oculta su desinterés hacia ella.

Pero debajo de su confianza y apertura, Miyo está sufriendo. Vive con su padre y su novia Kaoru desde que su madre se separó de la familia desde hace algún tiempo; Miyo es indiferente al afecto que siente en su casa y desesperada por el afecto que parece no poder sentir fuera de él. Ella quiere ser amada incondicionalmente; ella quiere que Hinode piense que su devoción hacia él es adorable en lugar de loca; ella quiere acurrucarse en sus brazos y calentar su corazón hasta que se abra. En otras palabras, ella quiere ser el gato de Hinode. Y eso es exactamente lo que le ofrece el vendedor de máscaras, un gato atigrado tipo genio cuya obesidad de dibujos animados no es lo único mórbido sobre él. Él le da una máscara de gato inspirada en kitsune que le permite a Miyo ignorar sus problemas y convertirse en un gatito de ojos azules cada vez que quiera, y la niña está demasiado encantada con la idea que ignora preguntar si hay alguna trampa detrás de esta oferta.

Esa es en realidad la primera escena desorientadora de la película, como se dice "A Whisker Away" con un desinterés infantil en la línea entre fantasía y realidad, posee un guión de Okada Mari que siembra cuidadosamente sus reglas a lo largo de la historia (al menos hasta que todo se vuelva loco en el acto final), pero siempre hay una agradable sensación de que estamos atrapados en la imaginación hiperactiva de Miyo y solo tratamos de aferrarnos a esta mientras ella trata de escapar. Pero ella realmente se está convirtiendo en una adorable gata y se escabulle para ver a Hinode, quien la llama "Taro" por su difunto perro y le devuelve el amor de cachorro que Miyo siempre ha querido de él.

Este nuevo vínculo es casi suficiente para distraer a Miyo de sus problemas en el hogar (y a Hinode de la pérdida del estudio de cerámica de su abuelo y la mayor carga económica de mantener a su familia), pero estos niños están a punto de aprender que un buen sueño no es siempre preferible a la vida que quieren asumir, sobretodo en el caso de Miyo que debe asumir características peculiares de gatos, como el hecho de que ellos se limpian solos con la lengua. 

Uno de los aspectos más impresionantes de esta animación es el detalle en sus escenarios. Aunque las ciudades están claramente inspiradas en calles reales de una ciudad de Japón, es difícil poder diferenciarlo de imágenes reales por el pincel tan sutil que sus animadores han utilizado para darle vida a cada espacio. Los colores son los que nos regresan a la realidad, de que estamos viendo una película animada con un árbol elevado en el mismo cielo que es la ciudad de los gatos pero que solo ellos pueden ver, o los fuegos artificiales durante el festival del Año Nuevo. 

Exuberantemente animado en un estilo poco exigente, "A Whisker Away" mantiene las cosas livianas y amigables para los niños, incluso cuando toca el tipo de heridas emocionales crudas que pueden llevar a Miyo y Hinode para confundir vulnerabilidad por debilidad. Los espectadores no deberían esperar el golpe emocional agudo que podría estar dentro de una película de Shinkai Makoto como "Your Name": esta película está más interesada en dividir la diferencia entre Miyazaki Hayao y el Disney clásico, con la influencia de esta última especialmente clara después del gato doméstico de Kaoru se pone la máscara humana de Miyo y comienza a disfrazarse de una persona que se lame las patas, pero incluso en su forma más juguetona y dispersa, la historia es aún más emocional de lo que su trama podría sugerir.

"A Whisker Away" equilibra todos sus aspectos narrativos en su celebración de la plenitud de la vida humana. Los altibajos que sienten algunos personajes pueden ser difíciles de seguir, pero a medida que el mundo humano y de gatos se desarrollan en papel, se vuelve cada vez más palpable que Miyo y Hinode están aprendiendo a apreciar el balance entre lo bueno y lo malo de la vida. Si un viaje culminante a la Isla del Gato es demasiado frenético por su propio bien, solo hace que sea mucho más fácil apreciar cuán ansiosos están Miyo y Hinode por volver a casa y aprovechar al máximo el amor que les han dado. Divertido, atractivo y siempre lleno de vida: "A Whisker Away" es una experiencia completa.

Crónica Cinéfila: La visión narrativa de Sakura Card Captor

Año 2000. Estaba tan obsesionada (como ahora) con series anime como Digimon, Dragon Ball Z y Sailor Moon. Pero una se robó mi atención por su honestidad y sencillez: Sakura Cardcaptor. Yo agradezco no haberla tenido en Netflix u otra plataforma de streaming en aquellos tiempos, porque creo que no hubiese parado de verla aún si eso significase volver a iniciarla después de ver los 70 episodios. Como dice el buen dominicano: la serie da seguidilla. 

Sakura es una niña de cuarto grado que descubre que tiene poderes mágicos cuando accidentalmente libera un set de cartas que pertenecían a un poderoso mago llamado Clow Reed y que habían sido selladas hace muchos años. Con ayuda de Kero, el guardian protector de las cartas Clow, y su amiga Tomoyo, Sakura comienza a recolectar las cartas mientras se desatan poco a poco en su ciudad. En su aventura conoce a Syaoran Li, un niño chino que llega de intercambio para recolectar las cartas Clow ya que es descendente del mago; aunque al principio se comporta como un rival pues tiene la misma meta de Sakura, con el tiempo se desarrolla una amistad entre ellos, convirtiéndose en un romance. Así también, la historia se mezcla con la familia de Sakura, sus amigos, profesores y demás personas que viven en la ciudad.

Esta es una serie enfocada a una audiencia relativamente joven, con un discurso aclarativo constante, recordándonos aspectos de la historia, de los personajes, los cambios en su vida y el lugar dónde se encuentran. Desde un punto de vista crítico, las aclaraciones llegan a ser innecesarias en algunas ocasiones, pero reconociendo que la serie está dirigida para niños y niñas menores de 10 años, tiene sentido que a veces quiera recordarnos por qué están ocurriendo ciertas situaciones. Ahora... para ser de ese tipo de audiencia, hay subtramas, relaciones e incluso temáticas que se sienten como pensamientos muy modernos para la época y el lugar donde surge esta serie. 

Han existido múltiples críticas hacia el anime, sobretodo en las características principales de la protagonista Sakura, al punto de eliminar ciertos aspectos de la historia cuando esta fue presentada a la audiencia occidental. La serie comenzó como un manga y fue adaptada en una serie de televisión de anime de 70 episodios por Madhouse, transmitida en Japón desde 1998 hasta 2000. Durante este período, la animación japonesa estaba comenzando a entrar en el mercado estadounidense y la serie de aventuras dirigida a los niños era más popular.

En lugar de ajustarse al estereotipo en muchos espectáculos contemporáneos que requieren que las heroínas adopten rasgos masculinos para lograr sus objetivos, Sakura mantiene una personalidad convencionalmente femenina. Su poder proviene del amor y la pureza de corazón, complementado siempre por los atuendos llamativos que le realiza su amiga Tomoyo. Aunque muchos de los vestuarios podrían caer en el exhibicionismo, si se comparan a los típicos trajes de superhéroes y superheroínas que existen hoy en día, estos tienen un mensaje más cercano a la seguridad y cualidad del personaje de Sakura, siempre recordando que, al final del día, sigue siendo una niña de 4to grado. Así mismo, al llegar al doblaje inglés, las cortesías de los personajes fueron eliminadas para darles un lenguaje más plano y similar al occidental, algo que también hace un choque de culturas por cómo actúan y son los japoneses.

El anime también explora las complejidades del amor, tanto platónico como romántico, algo que, para aquel entonces, no era tan común en las series para jóvenes. Sakura tuvo un amor platónico durante toda la serie por Yukito, el mejor amigo de su hermano Toya; más adelante en la segunda temporada, cuando ella le revela sus sentimientos hacia él, se da cuenta de que este amor que siente es más un amor paternal. Sin embargo, en el caso de Syaoran, el amor que Sakura siente hacia él no se desarrolla verdaderamente a lo romántico hasta el último episodio de la 2da temporada y la secuela de Clear Cards, dejando que su relación fuese más de amistad y cariño relativamente infantil para las edades de los personajes. 

El tema del amor platónico y romanticismo se amplia cuando toca áreas "inimaginables" para ese momento, como las relaciones profesor-estudiante (como es el caso de Toya y Miss Mitzuki), el bromance (Toya y Yukito), el matrimonio en la adolescencia (como es el caso de los padres de Sakura, sobretodo resaltando las diferencias de edades y otra vez relación de profesor-estudiante), y los enamoramientos entre amigos (como Tomoyo hacia Sakura, que aunque no cayese en el romanticismo, siempre resaltaba el amor fraternal que sentía hacia su amiga). Así mismo, se tocan las atracciones hacia el mismo sexo, la pansexualidad y los romances triangulares, que en las producciones manga no es algo sorprendente, pero para la comunidad asiática es aún parte de los "temas delicados".

De modo que, a pesar del discurso aclaratorio del anime, Sakura Cardcaptor siempre estuvo moderno para la época. Estaba abierto a temas diferentes y considerados complicados, lo cual para algún niño o niña que lo veía en el inicio de los 2000, quizás no tenía el mismo significado, pero le permitían reconocer la diversificación de las relaciones interpersonales y amorosas, así como la apreciación hacia las familias distintas (sin el considerado típico nucleo familiar). 

Sakura abre los ojos a un universo emocional distinto. Ser testigo una vez más del anime me recordó momentos de mi niñez que pensé nunca podría volver a experimentar. Me hizo volver a valorar las historias que, aún teniendo fantasía de por medio, se sienten reales, vivas y cercanas a mi corazón. Es increíble cómo uno puede seguir disfrutando los recuerdos animados de nuestra infancia.

P.s.: ¿sabían de la secuela de Clear Cards? ¿Cómo es posible que me acabo de enterar?

Crónica Cinéfila: La visión de "Avatar: the Last Airbender"

El que no creció con "Avatar: The Last Airbender", una serie animada de Nickelodeon, probablemente se sorprendió por todo lo que sonó cuando finalmente llegó a Netflix el mes pasado. Yo fui una de esas que en tan solo dos semanas (y con mucho trabajo de fondo) ya había visto las tres temporadas completas. 

Mientras tanto, fue el programa más visto en Netflix durante días: se convirtió en un tema de tendencia en Twitter a medida que se prolongaban los debates sobre la serie, se crearon GIF divertidos, los hashtags fueron compartidos, entre muchas otras cosas.

Pero esto no es sorpresa: "Avatar" siempre se destacó. Cuando apenas salió entre el 2005 y 2008, me sumergí en ella durante los bloques de maratón que Nickelodeon a veces transmitía por las tardes. Su atractivo era su proximidad visual a las series de animé, pero también era infinitamente atrayente y única. No solo una serie de cortas aventuras episódicas, "Avatar" fue una invitación a sumergirse en un viaje épico con conflictos, personajes y bromas de larga duración (como las desgracias de un desafortunado vendedor de repollo).

Cuando "Avatar" se estrenó en Netflix, volví a la mitología para examinar su reputación como uno de los mejores programas animados de las últimas dos décadas. La volví a ver de principio a fin y descubrí una nueva característica en la serie, algo que no me había percatado durante sus años de origen, pero que se agregó como una razón para seguir tan enamorada de esta.

Aunque a menudo se celebra por sus sofisticadas narraciones y personajes complejos, "Avatar" está dibujado sobre un mundo libre de la comunidad blanca, un refugio cultural y ungüento refrescante en un país que, especialmente en los últimos meses, ha mostrado a las comunidades marginadas su cara más horrible.

Creado por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, "Avatar" se desarrolla en un mundo asiático que comprende cuatro naciones que están definidas por un solo elemento natural: tierra, fuego, agua y aire, y ciudadanos dotados conocidos como "benders" que pueden manipular los elementos de sus tierras natales. Este mundo está amenazado por la Nación del Fuego, gobernada por un régimen totalitario que ataca, explota y oprime las otras tierras.

El único que puede equilibrar el mundo es el Avatar, quien en la historia renace como un miembro diferente de las cuatro naciones durante cada vida y tiene la capacidad de dominar los cuatro elementos. En la serie, el Avatar es un monje de 12 años llamado Aang, que reaparece después de cien años atrapado en un estado de hibernación, para completar su entrenamiento de flexión y derrotar al señor del fuego.

Aang se une a dos miembros de la Tribu Agua del Sur, una maestra de agua llamada Katara y su hermano, Sokka, y viajan por el mundo en busca de maestros de los elementos, mientras también tienen aventuras secundarias, frustrando a las tropas de la Nación del Fuego y evadiéndolos, sobretodo al hijo del señor del Fuego, Zuko, que tiene una obsesión con derrotar al Avatar. Mientras tanto, algunos personajes secundarios reaparecen a lo largo de la serie para ayudar a Aang y sus amigos a prepararse para una guerra final contra la Nación del Fuego, para devolver la armonía a las cuatro naciones.

El universo de Avatar es expansivo y fantasioso, con terrenos rocosos, cañones formidables llenos de insectos de gran tamaño, densos bosques amazónicos, templos al revés tallados en los costados de los acantilados, un vasto desierto que esconde una biblioteca borgesiana de conocimiento ilimitado, e incluso una Isla mística en el caparazón de una bestia antigua. Aunque los creadores se inspiraron en franquicias anglocéntricas de construcción mundial como "El señor de los anillos", "La guerra de las galaxias" y "Harry Potter", las culturas, filosofías y estética de "Avatar" fueron influenciadas casi exclusivamente por las tradiciones asiáticas.

Para dominar los elementos, Aang extrae lecciones basadas en el principio del yin y el yang y el funcionamiento de los chakras, y sus valores se toman prestados de los sistemas de creencias orientales como el budismo. La moda y la música se inspiraron en los estilos chino y japonés, y en muchas de las grandes vistas y modelos arquitectónicos de la serie, como la ciudad impenetrable de Ba Sing Se, se inspiró en sitios del mundo real como la Gran Muralla China y la Ciudad Prohibida.

Pero es el "bending", llamado así para describir cómo sus portadores manipulan, provocan y fortalecen su elemento en la sumisión, la adaptación más fascinante de las tradiciones culturales orientales. Cada estilo está inspirado en un clásico arte marcial chino que los creadores del espectáculo desarrollaron bajo la dirección de un consultor de artes marciales. El aire, variable y evasivo de Aang se asemeja a Baguazhang; la suave y fluida flexión del agua toma señales del tai chi; la flexión de la tierra, con su estabilidad y su postura inamovible, se basa en Hung Gar; y el estilo feroz y agresivo del fuego está adaptado del Shaolin kung fu.

Aang es corregido por sus maestros a medida que aprende: debe profundizar su postura o girar el brazo para hacerlo; debe aclarar su mente y dirigir la energía a través de él. El movimiento es clave; los ciudadanos de cada nación se mueven de manera diferente, por lo que el movimiento está vinculado a la cultura, una disposición nacional, una historia dentro de la narrativa y un contexto más amplio de la vida real, de las culturas y tradiciones que informan estos estilos ficticios.

La admiración de DiMartino y Konietzko por la cultura oriental aparece a lo largo de la serie, una recopilación de alusiones e inspiraciones: anime, películas de Kung Fu, mitologías mundiales, tribus nativas, películas de Studio Ghibli. En un episodio, cuando Aang se ve afectado por una serie de pesadillas sobre su inminente enfrentamiento con el señor del fuego, la animación imita a otra famosa series animé, "Dragon Ball Z".

"Avatar" logró abarcar todo lo anterior mientras también navegaba concienzudamente por el complicado campo minado de apropiación cultural. Los escritores eran conscientes de los vínculos involuntarios que el programa podría establecer entre una de las naciones ficticias y los países asiáticos reales. Al punto que la producción contrató a Edwin Zane, el ex vicepresidente de la Red de Acción de Medios para los Asiáticos Americanos, como consultor para asegurarse de que se aborden las cuestiones de sensibilidad cultural.

Después de todo, "Avatar" es único en su enfoque para la construcción del mundo. El espectáculo podría haber colocado fácilmente su universo en la comunidad blanca al hacer que las cuatro naciones sean solo una parte de un paisaje más grande aún ocupado por personas blancas, de modo que incluso si la historia estuviera protagonizada por personajes asiáticos, lo blanco seguiría siendo una característica destacada. En cambio, el programa construyó un universo con su propia historia y cultura fuera de eso, donde los personajes parecen, por defecto, asiáticos y ven la vida a través de un lente oriental en lugar de uno occidental.

Sin embargo, y a pesar de su meticuloso cuidado y sensibilidad, "Avatar" todavía tiene características occidentales. La animación, aun inspirada en el anime japonés, con sus características exageradas, reacciones descomunales y escenas de acción dinámicas, luce el brillante estilo estadounidense de otras caricaturas de Nickelodeon. Lo más atroz es que los actores de voz son en su mayoría blancos, un paso en falso evidente para una producción que por lo demás era consciente de la representación cultural. El diálogo del programa también está plagado de palabras coloquiales estadounidenses, y abundan las alusiones al regionalismo estadounidense, como en un episodio que presenta una tribu de agua en pantanos que parecen haber sido sacados del sur profundo.

Pero aun con las instancias de asimilación, se denota la persistencia de un complejo de superioridad occidental. Por el contrario, a medida que Estados Unidos continúa navegando por una relación quejumbrosa con China, sin mencionar una historia sangrienta de guerra e intervención contundente con otros países en el Este, y lidiando con sus desigualdades aquí, tal vez sea más exacto pensar en "Avatar" como entregar algo que nunca buscó adaptar o transcribir de Este a Oeste, pero respetuosamente casarse y unificar a los dos lados.

Su regreso a la televisión ofrece un recordatorio oportuno: la historia no siempre tiene que ser de la misma América gringa. Hay un amplio mundo de narrativas y tradiciones que resuenan debido a la visión alternativa que presentan.

Death Note

Un día, cuando Light termina las clases, un cuaderno negro le cae del cielo, llamado «Death Note», un cuaderno sobrenatural que es capaz de matar personas si se escriben los nombres en él y si el portador visualiza mentalmente la cara de quien quiere asesinar. (FILMAFFINITY)

Una vez más, Netflix advierte y el público se amotina. Apuesto que a estas alturas, la gran mayoría ya vio Death Note, pues no solo se convirtió en "la sensación del bloque" cuando salió el famoso trailer, prometió ser el regreso de un clásico manga aparentemente intocable. La historia de este anime, de un joven que encuentra una libreta capaz de asesinar a toda persona cuyo nombre estuviese en ella, fue un éxito en su época (y según lo que he escuchado, lo sigue siendo). Pero a pesar de las expectativas, la película no me emocionó tanto como pensé.

Comenzando por el dato de que esta adaptación ni siquiera utiliza actores japoneses, la historia cambia muchos detalles de la versión original, desde la forma en que Light encuentra la libreta hasta sus primeros asesinatos y el encuentro con Ryuk, el ángel de la muerte. El guionista decidió readaptar los personajes y el contenido del Death Note al nuevo contexto y el ambiente en que se desarrollaría.

El personaje de Light se ve muy caricaturizado: sus emociones son poco realistas y su interpretación es confusa. En vez de proyectar la idea de "querer utilizar la libreta para salvar al mundo de los malos", su comportamiento diría como que quiere matar a todo el mundo, porque está cansado de la vida. Del mismo modo, sus compañeros de reparto se ven exagerados y poco desarrollados durante todo su trayecto en esta película, principalmente los personajes de Mia y L. El único que sí sale a flote y logra distinguirse de los demás es Ryuk (interpretado por Willem Dafoe), quien con tan solo aparecer podía darle un sentido totalmente diferente a la escena, a parte de la apariencia física del personaje.

Por otro lado, el desarrollo de la historia se limita a los aspectos básicos de este drama y deja a un lado los detalles moralistas que fueron parte fundamental del anime, la lucha intensa entre Light y L, y la verdadera intención de Death Note. Lo poco llamativo es la colorización y la fotografía empleada en las escenas que, si hubiesen mantenido tal cual como la narraba la versión original, hubiese sido bastante interesante.

Diálogos poco cautivadores, personajes vacíos y la ausencia de los sentimientos adecuados para esta historia hacen de esta película una adaptación más que nunca le ganará a la original y desconoce totalmente la esencia del anime.