Crítica Cinéfila: El Hoyo 2

A medida que un líder misterioso impone su ley en el Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla para luchar contra el brutal sistema de alimentación. Pero cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar para salvar tu vida?

Estrenada en Netflix en marzo de 2020 (un momento increíblemente perfecto para una película sobre personas confinadas en una prisión ineludible cuyo diseño enfrenta la salud mental de cualquier persona), “El Hoyo”, del cineasta español Galder Gaztelu-Urrutia, es una alegoría anticapitalista cuya obviedad es su mayor fortaleza. Como tantos éxitos del streaming, este ejercicio de género resonó porque su premisa de alto concepto contaba una historia convincente en sí misma. 

El personaje más memorable de la película es “El Pozo”, donde se desarrolla la trama, una estrecha torre de hormigón (o “Centro de Autogestión Vertical”) con un gran agujero cuadrado en medio de cada piso, un agujero lo suficientemente grande como para que quepa el enorme bufé de comida que baja por los 333 pisos del edificio cada día. Los dos reclusos del piso superior son agasajados con un banquete real, pero sólo quedan unas pocas sobras errantes cuando el banquete móvil llega al nivel 50 por debajo de ellos; cualquiera que sea asignado al azar a la mitad inferior del edificio tiene casi garantizado morir de hambre al final de la rotación mensual... a menos, por supuesto, que se coman a sus compañeros de celda. La barbarie de nuestras jerarquías sociales rara vez se habían mostrado de forma tan clara y punzante, y “El Hoyo” sigue siendo una de las pocas películas que hacen que los fracasos de la economía del goteo parezcan incluso más evidentes de lo que son en la vida real. 

El único problema con una premisa tan inteligente es que el resto de la historia tiene que perturbarla, y si bien la prisión en la película de Gaztelu-Urrutia se volvía más intrigante con cada nuevo detalle que conocíamos sobre ella, no hacía que la gente buscara desesperadamente una salida. Tampoco se veía la ejecución de sus cada vez más febriles planes de escape. Elaborar una metáfora del capitalismo es una cosa; resolverlo en el transcurso de un thriller distópico financiado de forma independiente es otra. 

Al ver la primera mitad de “El Hoyo 2”, parecería que Gaztelu-Urrutia ha identificado dónde se equivocó su película anterior. En lugar de centrarse en el diseño de la prisión (y, por extensión, en cómo sus peculiaridades podrían explotarse para lograr salidas), esta secuela financiada por Netflix inmediatamente cambia su atención a los sistemas que podrían permitir que los reclusos de la película sobrevivan, una decisión que le permite a Gaztelu-Urrutia profundizar en el estudio de la naturaleza humana de la franquicia, al estilo del Experimento de la prisión de Stanford. 

Mientras que su predecesora instruía a la gente a ser el cambio que deseaban ver en el Pozo, “El Hoyo 2” se ocupa de la solidaridad necesaria para que todos sigan vivos. Por desgracia, las personas son, en última instancia, prisioneras de sí mismas (de sus deseos y de sus heridas), y ni siquiera los sistemas más idealistas son inmunes a las debilidades que sembramos en ellos. Al igual que la primera película, que “El Hoyo 2” espera que recordemos detalles delirantemente explícitos, esta secuela se desmorona a la par que su orden social. 

Por mucho que Gaztelu-Urrutia reafirme su talento para mezclar una filosofía cartesiana con una estética inspirada en Saw, también reafirma su lucha por aprovechar esa combinación para crear una historia que valga la pena contar. Si bien esta película reitera la idea original de una manera que demuestra el potencial de franquicia de esta propiedad, se desmorona casi exactamente de la misma manera que la película anterior, abandonando la naturaleza ampliamente representativa de su premisa en favor de la mitología enloquecedoramente específica de sus tontos personajes estereotipados. Excepto que esta vez es peor, porque esa mitología, ya aburrida para empezar, ahora está consagrada en una leyenda de importancia pseudorreligiosa. Al igual que el propio andén, esta secuela rebosa de cosas deliciosas para masticar cuando comienza, solo para ser desmenuzada a medida que desciende hacia la oscuridad a partir de allí. 

Es difícil decir cuánto tiempo ha pasado desde los acontecimientos de “El Hoyo”, pero la nueva heroína de mirada acerada Perempuan (Milena Smit) ha estado allí el tiempo suficiente para aprender los trucos del oficio. Una artista cargada de culpa que comienza la película en el piso 24, le da instrucciones a su nuevo compañero de habitación Zamiatin (el actor, cómico y ex boxeador Hovik Keuchkerian) sobre cómo han funcionado las cosas desde la revolución que parece haber resultado del final ultranebuloso de la primera película. 

Ahora, el Pozo es mucho más justo, ya que la sagrada ley de compartir por igual se infiltra cada vez más en la torre con cada rotación. Impulsados ​​por la historia cristiana de un prisionero que alimentó a otras personas con su propia carne, cada recluso come solo el plato que pidió personalmente al llegar, lo que en teoría garantiza que nadie muera de hambre. Los residentes del Pozo hacen cumplir esta ley con extremo prejuicio, y algunos de ellos llegan al extremo de asesinar (y cosas peores) a cualquiera que pruebe un solo bocado de la comida de otra persona. Eso incluye, fundamentalmente, cualquier posible resto, ya que nadie debería beneficiarse jamás del asesinato de un camarada.

Aún quedan algunos eslabones débiles en la cadena, pero el sistema está empezando a funcionar; algunos restos de comida llegaron hasta el piso 175 durante la última rotación. Como es habitual en esta franquicia emergente, “El Hoyo 2” está en su mejor momento durante las etapas en las que se prepara la mesa, ya que Perempuan convence gradualmente a Zamiatin (que es más inteligente de lo que parece) de que siga las reglas, y la solidaridad que muestran con sus compañeros de prisión genera una amistad genuina entre ellos. Perempuan incluso se ofrece a afeitarle la espalda a Zamiatin. 

Por desgracia, el final del mes llega justo a tiempo y Perempuan se encuentra reubicada en el piso 180, junto con una nueva compañera de habitación (la actriz de "Game of Thrones", Natalia Tena) que está muy familiarizada con el tipo de justicia sagrada que ha comenzado a extenderse por el Pozo. Será solo cuestión de tiempo antes de que ese celo fundamentalista, administrado por un profeta sin ojos llamado Dagin Babi, amenace con volverse incluso más letal que el enfoque de "cada uno por sí mismo" que pretendía reemplazar.

Ese conflicto es lo suficientemente convincente siempre que arroje una luz húmeda y repugnante sobre las verdades reconociblemente feas del mantenimiento de una sociedad: la ley es más fácil de respetar para las personas que están en la cima, y ​​esas personas a su vez tienen una mayor responsabilidad de seguir las reglas que establece. Cuando alguien en el piso 40 decide actuar en su propio interés, son los prisioneros de los 293 pisos inferiores los que sufren las consecuencias... a menos que los prisioneros de arriba acepten aplicarle un castigo apropiado. 

Pero Gaztelu-Urrutia pierde el control de la lucha por crear un futuro en el que nadie tenga que matar a nadie, ya que los argumentos opuestos detrás de ese conflicto pronto dan paso a las cuestiones prácticas de sobrevivirlo. Si bien una película más nutritiva podría haber convertido eso en un comentario social por sí misma, “El Hoyo 2” parece no poder decidir si debe abordar la guerra que comienza a gotear por el Pozo como una crisis literal o filosófica, y por eso, haciendo eco de la última película, se sitúa entre esos dos enfoques de una manera que hace que sea casi imposible preocuparse por cualquiera de ellos. 

Los detalles de los personajes que nos llegan son ridículos de una manera que abarata la realidad que Gaztelu-Urrutia está tratando de construir a su alrededor, y los vagos flashbacks con los que los rellena sólo sirven para desvincularse de los horrores de la situación de Perempuan. Hay suficiente horror en exhibición para mantener a los fanáticos del terror interesados ​​hasta el tercer acto (los acólitos idean algunos métodos de tortura únicos centrados en el Pozo), pero la película se aburre con los límites e implicaciones de su propia metáfora, y su tendencia a volverse más moralista a medida que se hunde más en la prisión la obliga a deshacerse de su drama humano en favor de una abstracción descuidada. 

Partiendo de unas alturas tan altas, “El Hoyo 2” desciende hasta convertirse en un lodazal aburrido y delirante de geles de color, iconografía religiosa y referencias que dejan aún más confundido (que continúan hasta bien entrados los créditos finales), ninguna de las cuales es ni la mitad de interesante que la premisa básica de la trama que todos se esfuerzan tanto por diluir. Hay espacio para seguir expandiendo este mundo, y el final de “El Hoyo 2” sugiere que Gaztelu-Urrutia pretende hacer justamente eso, pero “El Hoyo 3” necesita darnos mucho más para justificar otra temporada en el Pozo. Los prisioneros allí pueden tener suerte si encuentran algo en su plato, pero los suscriptores de Netflix ávidos de alegorías de ciencia ficción torpes no tienen nada si no estropean la elección. 

Crítica Cinéfila: Madres Paralelas

Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana, una adolescente, está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva.

Como sugiere su título, Madres Paralelas es un análisis del instinto maternal, un tema central en gran parte de la filmografía total del gran director español. Asimismo, las complicadas comodidades de las relaciones entre mujeres, los legados de un pasado oculto y la importancia del pueblo como depósito de esos recuerdos. Abriendo la competencia principal del 78º Festival de Cine de Venecia con una nota alta y ahora disponible en Netflix para toda la audiencia digital, este es un trabajo deslumbrantemente elaborado que nuevamente ilustra con una belleza inefable que nadie usa el poder expresivo del color y el diseño como Almodóvar. 

Si bien Madres Paralelas no coincide con las capas intrincadamente entrelazadas del trabajo de primer nivel de Almodóvar: Todo sobre mi madre, Hable con ella, Dolor y Gloria, aún así el melodrama se destaca por su pasión y sus emociones satisfactorias. Sobre todo, le da a la maravillosa Cruz uno de los mejores papeles de su carrera: una mujer cuya realización se ve destrozada por una verdad sorprendente que la conduce hacia el engaño, hasta que ya no puede contenerlo. La actriz responde con su trabajo más destacado desde Volver.

Cruz interpreta a Janis, una exitosa fotógrafa comercial que lleva el nombre de Janis Joplin por su madre hippie, quien murió joven y la dejó para que la criara su abuela. Después de una sesión de fotos con el antropólogo forense Arturo (Israel Elejalde), Janis solicita su ayuda para obtener los permisos y la financiación de una sociedad histórica para excavar una fosa común en el pueblo de su infancia. Según su familia, su bisabuelo fue arrojado allí después de ser asesinado por los fascistas durante la Guerra Civil Española. Janis y sus familiares sobrevivientes esperan que se exhume el cuerpo para poder darle un entierro adecuado junto a su esposa. Mientras tanto, Janis inicia una relación con el casado Arturo y queda embarazada, liberándolo de toda responsabilidad una vez que ella decide seguir adelante y tener al bebé, al que llama Cecilia, en honor a su abuela.

En la sala de maternidad, Janis conoce a la adolescente Ana (Milena Smit) y se forma una rápida amistad a pesar de los dolores de parto. Ambas son madres solteras cuyos embarazos no fueron planeados, y mientras Janis se llena de alegría por la inesperada sorpresa de una hija en este punto relativamente avanzado de su vida, Ana, por razones reveladas solo más tarde, se ve superada por la depresión. La actriz madre de Ana, Teresa (Aitana Sánchez-Gijón), ha prometido ayudar a criar a su nieta, llamada Anita, mientras que la roca firme de Janis es su agente y querida amiga Elena (Rossy de Palma). Ambos están presentes en los nacimientos, filmados como agonizantes milagros.

Cuando Teresa es elegida como la protagonista de un drama de Lorca, emprende una gira regional previa a Madrid, dejando a Ana y a la bebé al cuidado de su ama de llaves. En un estilo almodóvariano típicamente lúdico pero sombrío, un monólogo apasionado de la obra interpretada por Teresa durante un ensayo proporciona una meta reflexión sobre el destino de las mujeres rechazadas en España.

Janis y Ana permanecen en contacto al principio, pero la fotógrafa hace un descubrimiento alarmante que la impulsa a aislarse de casi todos. Ella lucha con un dilema moral en el presente mientras continúa con el proyecto de sacar a la luz los secretos del pasado en su pueblo natal. Cuando una Ana recién emancipada, físicamente transformada y sin ataduras tanto de su madre como del padre que la rechazó, encuentra el camino de regreso a la vida de Janis, la naturaleza de su relación cambia drásticamente, por lo que es inevitable que la verdad salga a la luz.

El amor sin límites que Almodóvar ha mostrado hacia sus personajes femeninos a lo largo de su carrera se muestra abundante aquí, evitando el juicio y encontrando el perdón incluso en el egoísmo y los defectos que les avergüenzan. Esto es muy cierto en el caso de Teresa, orgullosamente dueña de sí misma, de Sánchez-Gijón, quien se desahoga con Janis en una hermosa escena de confesión, admitiendo que nunca sintió la vocación de ser esposa o madre, siendo su primer amor el teatro. Los desafíos y las contradicciones de ser mujer aportan texturas conmovedoras escena tras escena; incluso la revelación potencialmente explosiva del trauma sexual se trata como un peso aplastante más entre muchas pruebas de la capacidad de recuperación de una mujer.

La recién llegada Smit es un verdadero hallazgo como Ana, con un camino hacia la madurez pavimentado por un dolor punzante, un autocastigo fuera de lugar y, en última instancia, una compasión radiante. Almodóvar presenta la vulnerabilidad cautelosa del personaje en un conmovedor contraste con la naturaleza más turbulenta de Janis.

Cruz no oculta nada, exponiendo el anhelo y el dolor devastador de una mujer inicialmente dispuesta a doblegar sus principios para proteger su felicidad. Cuando Janis finalmente se sincera a un gran costo personal, su honestidad le otorga la redención, pero también otro regalo inesperado de la providencia hacia el final. En manos de un cineasta menos hábil, eso podría haber parecido demasiada coincidencia. Pero el espíritu generoso de Almodóvar siempre ha elevado su visión de la condición humana, y esta no es una excepción.

Entre el elenco de apoyo, es gratificante ver a Rossy de Palma, quien regresó después de un largo descanso para trabajar con Almodóvar en Julieta de 2016, abrazar el papel de la mujer mayor solidaria con tanto estilo, calidez y humor natural. Y la veterana Julieta Serrano, nunca más memorable que como la ama de casa agraviada en Mujeres al borde de un ataque de nervios , tiene una escena conmovedora como el último vínculo directo sobreviviente al dolor que ha perseguido a la familia de Janis durante generaciones.

Ana al principio parece demasiado joven para captar esa historia que está destinada a reafirmarse. Pero su presencia, junto con la de Arturo, se suma considerablemente a la recompensa familiar de una conclusión delicadamente conmovedora que une el drama con un sentimiento profundo.

Como siempre en el cine de Almodóvar, las aportaciones técnicas son impecables. El trabajo de cámara del director de fotografía José Luis Alcaine se vuelve más lento y medido en los solemnes momentos finales, al igual que la partitura orquestal de Iglesias cambia a un piano discordante, que es exuberante y envolvente incluso para los distinguidos estándares del compositor. La edición ágil de Teresa Font está adornada con elegantes fundidos a negro que cierran varias escenas conmovedoras, pero quedándonos un buen momento con ese último personaje que retrata.

Pero lo que más llama la atención es el diseño de producción de Antxón Gómez, lleno de una decoración exquisita en los elegantes interiores del apartamento de Janis, su terraza con un limonero que sugiere una conexión ininterrumpida entre la ciudad y la vida en el campo; y la rústica casa de la infancia a la que regresa. En la singular visión estética de Almodóvar, incluso el entorno institucional normalmente estéril de una sala de maternidad de un hospital está vivo con colores llamativos, sus verdes y amarillos son más probables de encontrar en una heladería. La estética hace honor a la reciente Honor y Gloria, y el significado de sus colores, refrescan las intenciones del director detrás de la historia de sus personajes.

Es un testimonio de los dones consumados de uno de los cineastas más preciados del mundo, que ahora ingresa a la quinta década de una carrera aún sólida, que puede deleitar constantemente su vista sin riesgo de perder su participación en las vidas emocionales de los personajes que él tanto adora, y que lo demuestra constantemente, independientemente de la historia que cuenta.