Crítica Cinéfila: El Secreto del Río

Un niño llega a un pequeño pueblo en México sin saber que ahí surgirá una amistad inesperada y un oscuro secreto que sellará su vínculo para siempre.

Los indígenas zapotecas consideran a los “Muxes” un tercer género; generalmente son hombres que se sienten y visten como mujeres. Pero en "El Secreto del Río" son indicadores del encuentro de identidad y cómo esto no debería ser un tema prohibido. En este nuevo drama mexicano, un niño se muda a un pequeño pueblo de Oaxaca y ve a los Muxes por primera vez, lo que le hace pensar en quién es. Mientras esto sucede, una muerte misteriosa acerca al niño a su mejor amigo.

"El Secreto del Río" es una hermosa historia de autodescubrimiento, pero también es un relato de dos mitades. Esto es quizás irónico dado que la serie se divide básicamente entre las hazañas de dos niños muy diferentes: Manuel y Erik. Los primeros 4 episodios parecen un drama conciso sobre el paso de la infancia a la adultez, con una gran caracterización y una exploración de lo que significa ser una niña o un niño. Sin embargo, la segunda mitad se inclina fuertemente hacia aguas melodramáticas, sacando a relucir puntos de la trama que no fueron resueltos en la primera mitad.

Manuel (Frida Sofía Cruz Salinas) llega a un pequeño pueblo de Oaxaca para quedarse con su abuela Rafaela (Mercedes Hernández). Luisa (Iazua Larios), una amiga de la madre de Manuel, le presenta a su hijo Erik (Mauro Guzmán), que tiene la misma edad. No parecen tener mucho en común; Erik juega baseball, pero a Manuel no le gusta mucho practicar deportes. Sin embargo, a Erik le dijeron que hiciera que Manuel se sintiera cómodo, y los dos comienzan a conectarse cuando Manuel hace algunas cosas atrevidas como quitarles iguanas a los adolescentes que intentan cazarlas, tomar las bicicletas de los cazadores y entrar en un parque eólico restringido.

Cuando Manuel va al mercado a entregar los platos de su abuela a algunos de los vendedores, queda fascinado con Solange (La Bruja de Texcoco), una mujer transgénero. En la cultura zapoteca, a las personas como Solange se las llama Muxes, u hombres que actúan y se visten como mujeres; los zapotecas consideran a los Muxes un “tercer género”, aunque los hombres de mentalidad más tradicional, como el padre de Erik, Jacinto (Jorge A. Jiménez), no están de acuerdo con este comportamiento.

Jacinto no está contento de que Erik sea amigo de Manuel; también lo llama gay y le dice que pasar tiempo con Manuel también podría hacerlo gay. Erik le señala a Manuel que camina y se comporta de manera diferente. A Manuel no parece importarle, y básicamente a Erik tampoco, pero lo dice para cuidar a su nuevo amigo. Pasan el rato en una cueva sobre el río que ha sido el lugar privado de Erik durante años. Por otro lado, Rafaela lleva a Manuel a la residencia de Solange, donde ella y otras mujeres confeccionan vestidos. Solange habla con Manuel sobre las Muxes, y Manuel queda aún más fascinado. También lo ayuda a solidificar su identidad, encontrando consuelo en las Muxes, que lo acogen y alientan al chico a abrazar su verdadera vocación. 

En el centro de "El Secreto del Río" se encuentra la amistad entre Erik y Manuel, que comienza como una amistad bastante cercana y rápida y solo se vuelve más profunda a medida que los dos chicos intentan encubrir lo que sucedió en el río. De ninguna manera tienen la culpa; pero eso no es lo que los chicos van a pensar. Ellos creen que es su culpa, y a medida que se investiga, es probable que los amigos se vuelvan aún más cercanos mientras intentan mantener sus historias coherentes.

Los primeros cuatro episodios están muy bien escritos, con una edición muy cuidada que alterna entre Erik y Manuel. En la segunda mitad, la historia toma un giro predecible, ya que Manuel acepta su verdadera vocación y se convierte en quien nació para ser. Si bien el mensaje sobre aceptar quién eres realmente es admirable, se hace a expensas de un melodrama adicional y puntos de la trama resueltos que se desentierran nuevamente en aras de una tensión adicional. Ciertamente no es malo, pero es un poco decepcionante, considerando lo ajustada que es en realidad la primera mitad de esta serie.

Sin embargo, el pegamento que mantiene todo unido aquí es el vínculo que comparten Manuel y Erik. Realmente tienen una gran química y esto es cierto tanto para los actores niños como para los adultos, aunque los más jóvenes se destacan bastante, con momentos dramáticos tan naturales y la importantísima empatía que generan sus interpretaciones. Particularmente, Frida Sofía como Manuel fue una de las grandes sorpresas. La segunda mitad es donde entran en juego los actores adultos, y es una buena manera de mostrar cómo las personas cambian (o no, como puede suceder a veces) y le da más profundidad a la historia.

El ritmo también es bueno, ya que la serie se ciñe bastante a la estructura de 40 minutos y ofrece una gran cantidad de material. Es un thriller muy sentimental, pero nunca cae en lo cursi o exagerado, a pesar de la naturaleza melodramática de la segunda mitad. Esta es también una de las mejores historias que retrata los problemas de las personas trans y está muy bien contada a lo largo de los 8 capítulos. 

En general, "El Secreto del Río" es un drama decente. Tiene algunos problemas con el ritmo y el tono al final, pero la primera mitad en particular eclipsa los problemas que se presentan hacia el final, además de que aborda los temas con delicadeza y habilidad. 

Crítica Cinéfila: Bird Box Barcelona

Tras la llegada de una misteriosa presencia que está destruyendo la población mundial llevando al suicido a quien ve las criaturas, el antiguo ingeniero Sebastián sobrevive por las desiertas calles de Barcelona. Por el camino se va encontrando con otros supervivientes con los que forma alianzas inciertas para intentar llegar a lugares seguros. Pronto todos se darán cuenta de que hay una nueva e inesperada amenaza aún más peligrosa.

El escalofriante apocalíptico de ciencia ficción de 2018 de Susanne Bier para Netflix, Bird Box, fue una trama decente con ideas familiares elevadas por encima de su concepción derivada por una imponente Sandra Bullock, canalizando una determinación sombría mientras desafiaba una misteriosa amenaza alienígena para llevar a dos niños a un lugar seguro. El trauma, el dolor y la paternidad bajo presión extrema vuelven a ser un factor en la continuación de los hermanos españoles Alex y David Pastor, Bird Box Barcelona, ​​que es más un derivado que una secuela. Comienza desde cero, al estilo de una antología, agregando nuevos detalles que amplían la amenaza original sin ofrecer mucha iluminación.

La película está técnicamente lograda, bien actuada, con una atmósfera inquietante y ciertamente se puede ver. Como extensión de una propiedad popular que aumenta el empuje de Netflix hacia la producción internacional, tiene un doble propósito. Pero como material de género, es genérica (valga la redundancia), como si los cineastas hubieran combinado al azar elementos de A Quiet Place, The Last of Us, The Walking Dead y otras pesadillas distópicas sobre la humanidad empujada al borde de la extinción por una fuerza letal de origen desconocido, creando un mundo donde el número cada vez menor de sobrevivientes ya no sabe en quién se puede confiar.

Partiendo de la novela original de Josh Malerman de 2014 y del personaje central de Bullock's Malorie, los hermanos Pastor decidieron agregar algunos aspectos al explicar cómo funciona el fenómeno, el cual se dejó establecido como que cualquiera que vea a las criaturas se anima a quitarse la vida de la manera más rápida posible, manteniendo la ambigüedad. Pero el guión de ellos hace demasiado y no lo suficiente para justificar una inmersión más profunda en una historia que ya sufría de artilugios y una lógica tambaleante la primera vez.

Cambiar el escenario a un país católico permite un giro religioso ligeramente intrigante. Un sacerdote con ojos desorbitados, el padre Esteban (Leonardo Sbaraglia), recibe a la entidad letal como un milagro divino, liberando almas perdidas del infierno de la vida en la tierra. Con un pequeño grupo de compañeros "videntes", que han sido testigos del fenómeno pero se resisten a su maldición, el sacerdote deambula por las calles embadurnando las frentes de los sobrevivientes con un tercer ojo y obligándolos a aceptar su destino. Un nuevo desarrollo significativo en el spin-off es un destello de luz que emana de los cuerpos inmediatamente después de su muerte, lo que sugiere una liberación espiritual que agrega credibilidad a la creencia del padre Esteban de que "Nuestro Dios y sus ángeles han bajado a andar por la tierra". Un moribundo habla como en un éxtasis: “Sus naves han viajado millones de años luz para llegar aquí”.

Pero los personajes más racionales no están más cerca de identificar qué está causando exactamente los suicidios masivos. Algunos ven demonios y otros ven extraterrestres, algunos ven a su torturador y otros a su Dios. Un personaje interpretado por un infrautilizado Diego Calva (Babylon) especula que son una especie de seres cuánticos que toman formas fluctuantes, observan a sus presas y absorben instantáneamente sus miedos, ansiedades y penas para manipular sus mentes.

Experimentamos la llegada de las criaturas a través de ruidos vibrantes, gemidos, gruñidos y una extraña ráfaga de viento que levanta hojas y escombros del suelo, y ocasionalmente vemos lo que ellos ven. Pero la audiencia todavía no los ve, solo un breve vistazo parcial en una escena final.

Los hermanos Pastor han recorrido territorios adyacentes con los anteriores largometrajes Carriers, sobre una amenaza viral mortal, y The Last Days, otra visión de la vida tras un cataclismo. Reflejan la quisquillosa estructura retrospectiva de la película de Bier en su construcción, configurando al personaje central, Sebastián (Mario Casas), como un hombre desesperado, deambulando por las calles con gafas oscuras y escondiéndose en los edificios abandonados de Barcelona mientras trata de evitar que su hija Anna (Alejandra Howard), de 11 años, sufra daños.

Pero después de establecer a Sebastián como un héroe vulnerable cuando es asaltado por un trío de ladrones ciegos, el guión cambia rápidamente nuestras percepciones, haciéndonos cuestionar sus motivos a medida que se gana la confianza de una comunidad de sobrevivientes tras otra. “¿Soy el pastor o el lobo?” se pregunta en un momento de crisis cuándo sus acciones le hacen perder la fe, señalando una dualidad que le da a Casas algo relativamente carnoso para jugar. También nos damos cuenta muy pronto de que Anna no es exactamente lo que parece.

Retrocediendo primero a nueve meses antes, la película resume el comienzo del brote. Los noticieros informan sobre una ola de comportamiento psicótico cuando Sebastián sale corriendo de su oficina a través de la ciudad en medio del caos para recoger a Anna de la escuela, evitando por poco ser arrastrado a un suicidio masivo en una plataforma del metro.

Luego, la acción cambia nuevamente a siete meses antes de las escenas iniciales, después de que Sebastián ha sido aceptado como parte de una comunidad que se esconde en un refugio antiaéreo. Ese grupo incluye al líder Rafa (Patrick Criado); la psicóloga inglesa Claire (Georgina Campbell de "Barbarian"); la turista alemana preadolescente Sofía (Naila Schuberth), separada de su madre en la confusión; la pareja mayor Roberto (Gonzalo de Castro) e Isabel (Lola Dueñas); y el Octavio de Calva.

El conductor de la trama, que idealmente debería haber entrado en acción antes, es mover esa banda de sobrevivientes a un refugio al otro lado de la ciudad en el Castillo de Montjuïc, la fortaleza en la cima de la montaña del siglo XVII a la que se puede acceder desde la ciudad en teleférico. Naturalmente, los números del grupo disminuyen en el camino, dejando un contingente reducido de personajes centrales para enfrentar una doble amenaza: de la fuerza de la muerte de otro mundo y de los humanos decididos a abrir los ojos al "milagro".

Si bien algunos de los suicidios son sorprendentes por su repentina violencia, todo es un poco demasiado vago para llevar mucho horror y demasiado inevitable en sus crecientes muertes para tener mucho suspenso. La película no hace lo suficiente para atraer a su audiencia, con personajes muy finos cuyas historias de fondo son sugeridas en su mayoría por voces susurradas de su pasado, llevadas por el viento con la apariencia de una amenaza amorfa.

El escenario de la fortaleza es un lugar sorprendente para una lucha culminante que señala el camino a más secuelas. El diseño de producción de Laia Colet en general es efectivo, incluso cuando las pinceladas del equipo de CG son visibles, ver un crucero destrozado medio hundido en el puerto o puentes festoneados con cadáveres colgando da una vívida sensación de un mundo sin piedad ni esperanza. Sin embargo, el elemento más impresionante de la película que pone los nervios de punta es su denso diseño de sonido, hábilmente mezclado con la ominosa partitura de Zeltia Montes. Lástima que hay poco en la historia que se mete debajo de la piel con una habilidad comparable.

Crítica Cinéfila: Babylon

Ambientada en Los Ángeles durante los años 20, cuenta una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.

Con la temeraria y obscena “Babylon”, el director Damien Chazelle lanza una mezcla de amor y odio a la misma ciudad que describió tan obsesionadamente en “La La Land”. Separadas por nueve décadas y casi un océano de cinismo, es muy poco creíble que las dos películas ambientadas en Tinseltown hayan surgido de la misma cabeza; nunca sospecharíamos que lo habían hecho, si no fuera por la partitura ocupada de su eterno colaborador musical, Justin Hurwitz. Aquí, Chazelle hace retroceder el reloj a los estridentes primeros días de Hollywood, específicamente, la transición del cine mudo al cine sonoro, cuando la industria aún estaba fresca y averiguando qué podría ser.

Reuniendo a las estrellas de "Once Upon a Time in Hollywood" Margot Robbie y Brad Pitt, junto con el recién llegado Diego Calva, la película sigue a tres personajes, y varios otros que se aferran a estos parásitos drogados y atrapados en la atracción de carnaval desquiciada que siempre ha sido la cultura americana. ¿Ha habido algún momento en que Hollywood no haya estado en transición? Cambia a diario, en la medida en que "Babylon" se siente como la última opción para observar esa misma transición: es extravagante, bizarra, irrazonablemente larga y costosa.

Desde la fiesta saturnaliana del mundo del espectáculo que da la introducción a la historia —una bacanal completamente libertina e impresionantemente escenificada hasta el montaje encantadoramente cheesy con el que culmina esta locura vertiginosa de tres horas, Chazelle exige que veamos la historia del cine con ojos diferentes. Bien. Hollywood no era la industria inocente y asexual que un clásico como "Singing in the rain" describió con tanto cariño. Pero esas películas brindan mucho más placer que esta, que desgasta escena tras escena, mientras pretende dejar las cosas claras.

Al expandir el marco, no solo a la gloriosa pantalla ancha anamórfica, sino también para incluir las tribulaciones de los personajes negros, latinos y asiáticos tan a menudo marginados, el ambicioso director no recrea tanto el Hollywood clásico como lo revisa selectivamente. A juzgar por el final bizarro, “Babylon” se presenta como el desenlace de todo lo que ha venido antes, un éxtasis del propio potencial del medio, y de hecho, es una experiencia que no será superada fácilmente, en este o cualquier año. Pero eso no la hace genial o incluso particularmente coherente.

Chazelle nos deja saber desde el principio el tipo de imagen que tiene reservada cuando un elefante alquilado vacía sus entrañas sobre un desafortunado domador de animales (y, dado el lugar donde se coloca la cámara, sobre nuestras cabezas también). Ese escandaloso espectáculo se ve rematado instantáneamente por una escena pervertida en lo que podría ser el dormitorio de Fatty Arbuckle, mientras un corpulento cómico mudo espera vertiginosamente su lluvia dorada. Más tarde esa noche, la estrella que lo complació morirá de una sobredosis de drogas, lo que obligará a un reparador desesperado del estudio (Flea) a recurrir al empleado mexicano Manny Torres (Calva) para que sea creativo y se deshaga del cuerpo. Los personajes principales y secundarios mueren constantemente en "Babylon": no menos de ocho en el transcurso de la película, permitiendo una lluvia de obituarios al final; pero el tono se eleva a un extremo tan satírico que nadie lo registra emocionalmente.

Chazelle esencialmente ha orquestado una caricatura de acción en vivo, vulgar y ruidosa, y aunque a veces es emocionante presenciar el puro virtuosismo de su puesta en escena, las actuaciones están por todas partes. "Babylon" carece dolorosamente de un punto de vista. Manny es lo más parecido que ofrece la película a un representante de la audiencia, comenzando como un extraño con los ojos ambiciosos, deseoso de ser parte de la industria, y avanzando hasta llegar a un puesto ejecutivo en el estudio. Pero cuando la fuerza de la naturaleza, Nellie LaRoy (Robbie), le pregunta por qué quiere estar en el mundo del espectáculo, lo mejor que Manny puede decir es: "Solo quiero ser parte de algo más grande, supongo".

Casi todos los personajes principales obtienen un monólogo de por qué las películas importan, pero casi todos están mal escritos. Uno de ellos viene de la estrella de cine Jack Conrad (Pitt, presentándolo como un protagonista romántico al estilo de John Gilbert) quien pregunta: “El hombre que pone gasolina en tu tanque va al cine, ¿por qué? … Porque allí se siente menos solo”. Estos discursos pretenden evocar la poderosa influencia que las películas tienen sobre nosotros, tanto como espectadores y, en el caso de estos personajes, como almas incompletas que darán cualquier cosa por ser parte de ellas. 

Al igual que "The Day of the Locust" antes, "Babylon" tiene más éxito cuando su atención se centra en el deseo devorador de sus estrellas, Manny, Nellie y Jack, de verse a sí mismos en la pantalla. En un momento temprano, todos trabajan para el estudio Kinoscope, y Chazelle nos lleva al set para un día de rodaje. Él escenifica una secuencia de planos elaborados, donde vemos múltiples producciones arrancando una al lado de la otra en un campo abierto. En un extremo, hay una escena de batalla masiva filmada con cientos de extras; por el otro, Nellie hace su debut en la pantalla, invocando una lágrima para un primer plano.

La testigo de todo es una columnista de chismes llamada Elinor St. John (Jean Smart), que dicta sus despachos desde la barrera. Es un personaje curioso, una Hedda Hopper adelantada a su tiempo, aunque es la más elocuente. Su discurso de "por qué se rieron" es la mejor escena de una película llena de escenarios mucho más vistosos. Temprano en la película, Elinor será contratada por el estudio como una especie de entrenadora de modales para Nellie, lo cual no tiene sentido, pero tampoco lo tiene la idea de que una mujer bisexual llamada Lady Fay Zhu (Li Jun Li), inspirada libremente por Anna May Wong, se desempeña como cantante de cabaret por la noche pero paga sus cuentas pintando intertítulos.

La hora intermedia de la película, que encuentra a Jack y Nellie adaptándose al advenimiento del sonido en el cine. Chazelle apila una gran pieza tras otra, una estructura de collar de perlas, con la comedia obscena más que la música como el foco de cada una, luego pasa a la siguiente escena, a menudo con un estallido de jazz a todo volumen. Se podría argumentar que el trompetista negro Sidney Palmer (Jovan Adepo) también es uno de los personajes principales de la película, aunque obtiene una parte mucho más anémica de la trama y podría haber sido cortado por completo sin cambiar mucho la química de la película. Mientras que todos los demás personajes reciben presentaciones sobrescritas, Sidney hace su entrada en el escenario, tocando su trompeta, y con esto Chazelle demuestra lo obsesionado que está con el jazz. O tal vez el editor Tom Cross se enfrenta a demasiados hilos.

Hay una mirada de otros personajes extravagantes en un conjunto vertiginoso que toma prestado más de lo razonable de otros directores. Esa gran fiesta de apertura, por ejemplo, parece ser la forma en que Chazelle supera a "Nueva York, Nueva York", aunque carece del instinto de Scorsese de privilegiar los personajes por encima de los movimientos de cámara. Hacia el final, un traficante de drogas en el set que se hace llamar "El Conde" (Rory Scovel) mete a Manny en un lío con un gángster nervioso (Tobey Maguire). Allí inicia una secuencia del país de las maravillas en "Boogie Nights", hasta que toma un giro trastornado que sugiere la escena "Gimp" de "Pulp Fiction".

En su libro “Hollywood Babylon”, Kenneth Anger revela los secretos de las estrellas de la Edad de Oro. "La gente del cine de la época se representa participando en alocadas e ininterrumpidas travesuras fuera de la pantalla", escribe. “La leyenda pasa por alto un hecho: el miedo. Ese miedo erótico y emocionante siempre presente de que el fondo podría caerse de sus sueños dorados en cualquier momento”. Chazelle toma prestado tanto su título como esa pizca de sabiduría de la vulgar narración de Anger, centrándose en un fenómeno alarmante de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930 —antes de que nadie se atreviera a etiquetar tal entretenimiento como "arte"— en el que tantas personas involucradas en la industria cinematográfica sacrificaron sus propias vidas con tan solo ser parte de ella.

Chazelle ama las películas y no parece reprocharle a la industria que sus primeros días fueran tan sobrios. En cambio, celebra la sexualidad descarada de la época, tanto en la pantalla como entre adultos que lo consienten. Pero, ¿quiere el público ver a Nellie casada con Manny, que se vuelve cada vez más gritón y beligerante a medida que avanza la película? Chazelle se muestra deliberadamente ingenuo sobre las dinámicas de poder que hacen que el Hollywood clásico sea tan problemático para los estándares contemporáneos. “Era el lugar más mágico del mundo, ¿no?” Jack bromea con un personaje que mantiene su dignidad, a pesar de ser tratada como una cortesana. En lugar de sonar melancólico, la línea parece sorda, como si Chazelle estuviera pidiendo "Hacer que Hollywood vuelva a ser grandioso" a ese mismo nivel.