Crítica Cinéfila: Good Boy

Un perro leal se muda a una casa rural con su dueño Todd. Allí descubre fuerzas sobrenaturales que acechan en las sombras. Mientras oscuras entidades amenazan a su compañero humano, el valiente cachorro debe luchar para proteger a quien más quiere.

Todos hemos experimentado lo escalofriante que es que una mascota perciba algo que tú no puedes percibir; esa sensación inquietante que se siente al ver a un perro ladrar en plena noche a una pared vacía, con la mirada perdida o alejándose a toda prisa persiguiendo algo que parece invisible. Es lo suficientemente escalofriante como para presenciarlo en persona, pero si a eso le sumamos imágenes de terror inquietantes —como la que abunda en "Good Boy" de Ben Leonberg—, se convierte en la base de una de las películas más aterradoras del año, que además es un emotivo y conmovedor homenaje al vínculo emocional entre las personas y sus amigos caninos. 

“Good Boy” tiene un concepto simple que esconde una producción independiente laboriosa e ingeniosa. El director, coguionista (con Alex Cannon), director de fotografía y productor, Leonberg, pasó tres años con su esposa y socia productora Kari Fischer entrenando a su adorable perro retriever, Indy, convirtiéndolo en uno de los actores más emotivos de su generación, independientemente de su especie. 

Indy es el compañero fiel de Todd (Shane Jensen), quien se muda a la cabaña de su abuelo en el norte del estado después de un susto de cáncer, sin importar que la casa sea espeluznante, que haya estado abandonada hace mucho tiempo, o que la hermana de Todd, Vera (Arielle Friedman), crea que los jardines están embrujados. Todd le resta importancia a todo eso, ajeno a la obvia atmósfera de "película de terror a punto de ocurrir" de la casa. ¿Sabes quién presiente el peligro de inmediato, al observar los ojos fantasmales que lo miran desde la oscuridad de la noche, la figura sombría que se arrastra por los rincones de la casa y los sonidos siniestros que vienen del sótano? Indy, por supuesto. 

Es fácil atribuir el éxito de "Good Boy" al poder de su estrella canina, pero la película se niega a que Indy parezca un truco barato. En todo caso, es un truco muy bien pensado, ya que el acto relativamente simple de reemplazar a un personaje humano tonto en el centro de una historia de casa embrujada por un perro hace que incluso los sustos más comunes y predecibles sean realmente efectivos. Después de todo, el público se muestra inmediatamente escéptico ante las películas de terror con perros (hasta el punto de que existe una página web dedicada a advertir a los amantes de los perros si uno muere en una película). Como Indy no tiene ni idea de lo que ocurre en la casa, ni siquiera es consciente de lo que es una casa embrujada, sus reacciones son más aterradoras y trágicas que las de un humano. Asimismo, la premisa se refuerza por el hecho de que Indy sigue bajo el mando de Todd y no puede salir de la casa a la primera señal de terror; es prisionero de las malas decisiones de su dueño.

El director de fotografía, que también es Ben Leonberg, mantiene la cámara a la altura de los ojos de Indy, usando su punto de vista para mostrar cómo el perro ve las cosas. Todd, el vecino, e incluso las extrañas apariciones, se ven ofuscados simplemente por su altura, lo que aumenta el misterio de la experiencia de Indy, pero también hace que el reconocimiento de la voz de Todd por parte de Indy sea aún más emotivo. Para crear tensión, gran parte de la película se limita a Indy ladeando la cabeza con curiosidad mientras mira a lo lejos, seguido inmediatamente por una toma de espacio vacío que da rienda suelta a la imaginación. El diseño de sonido también merece un gran reconocimiento por lo aterradora e impactante que es "Good Boy", no solo por los extraños y espeluznantes sonidos de la casa, sino también por cómo aísla, o incluso crea, los sonidos que Indy emite a lo largo de la película. 

No es que la actuación de Indy necesite un realce real, ya que el título del debut de Leonberg subestima lo bueno que es su protagonista. Sus ojos oscuros y fijos y sus orejas caídas transmiten una amplia gama de emociones que transmiten el terror con la misma lucidez con la que articulan el profundo e inquebrantable vínculo entre Indy y Todd. De hecho, "Good Boy" utiliza sus matices sobrenaturales para sembrar una historia de género sobrenatural con una simple alegoría sobre un niño y su perro.

Puedes sacar tus propias conclusiones sobre la naturaleza de las cosas raras que suceden en la casa (los perros pueden oler cosas que nosotros no, no solo drogas, sino también la muerte misma), pero hay algo innegable: Indy ama a Todd con locura y haría lo que fuera por él. "Good Boy" no solo te deja temiendo por la vida de Indy, sino que también te asusta pensar en cómo debe ser para un perro lidiar con el concepto mismo de la mortalidad. Puede que el perro real no tuviera ni idea de lo que estaba sucediendo en el set, o de que estaba en un set para empezar, pero su actuación es aún más conmovedora por lo bien que la película de Leonberg es capaz de aprovechar esa confusión en algo demasiado identificable para los humanos que observan.

Crítica Cinéfila: Boots, 1ra temporada

Ambientada en el duro e impredecible mundo del Cuerpo de Marines de Estados Unidos de 1990, cuando el ejército todavía no admitía a personas homosexuales, sigue a Cameron Cope (Miles Heizer), un joven sin rumbo que aún no ha salido del armario, y a su mejor amigo Ray McAffey (Liam Oh), heterosexual e hijo de un marine condecorado. Juntos, tendrán que lidiar con las minas —tanto literales como metafóricas— del campo de entrenamiento, donde forjarán lazos inesperados y descubrirán su verdadero yo en un lugar que les exige más de lo que creían poder dar.

Basada en las memorias del exmarine estadounidense Greg Cope White, "The Pink Marine", con producción ejecutiva del difunto Norman Lear y adaptación televisiva de Andy Parker, la comedia dramática militar de Netflix , "Boots", ofrece una mirada irreverente pero perspicaz a la amistad, la autodeterminación, el coraje y la aceptación en medio de los desafíos y las exigencias del campo de entrenamiento de los Marines de Estados Unidos. Tan hilarante como devastadora, la serie es una historia única sobre la madurez, centrada en un recluta marine improbable que busca desesperadamente encontrarse a sí mismo. 

“Boots” comienza en 1990 en una oficina de reclutamiento en Nueva Orleans. Tras el caos de la preparatoria y el acoso constante, Cameron Cope (un Miles Heizer perfectamente elegido) busca desesperadamente un nuevo capítulo. Decidido a ocultar su sexualidad y agotado por los caprichos de su caótica madre, Barbara (Vera Farmiga), quien ha mudado a su familia diez veces en los últimos doce años, Cameron, amante de Wilson Phillips, decide unirse a la Infantería de Marina junto a su mejor y único amigo, Ray McAffey (Liam Oh), para escapar de la monotonía de su vida y de las travesuras de su madre.

Por desgracia, no es muy consciente de en qué se está metiendo, y sin duda debería haber visto "Full Metal Jacket", como sugirió Ray, en lugar de las repeticiones de "Golden Girls". Cuando él y Ray llegan a Parris Island, Carolina del Sur, para su entrenamiento básico de 13 semanas y son sacados del autobús por un tiránico Sargento Instructor Superior (Cedrick Cooper) y sus ayudantes, enseguida se da cuenta de que ha tomado una decisión pésima. Tampoco ayuda que ser gay sea ilegal en todas las ramas de las fuerzas armadas. 

La serie abarca los tres meses del campamento de entrenamiento, incluyendo carreras de obstáculos y confianza, tiro con rifle y la prueba final de 54 horas, conocida como el Crisol. Cameron, Ray y todo el pelotón se ven sometidos a un duro trabajo físico y emocional. Aunque ya se siente fuera de lugar, la situación cambia aún más para Cameron con la llegada del Sargento Instructor Sullivan (Max Parker), un marine condecorado y despiadado que lo ve como un objetivo. Además, la determinación de Ray por convertirse en el Hombre de Honor de la unidad —el mayor honor para los reclutas— y la lucha de Cameron por integrarse ponen a prueba su amistad.

"Boots" toca todos los ritmos conmovedores por los que se conoce la obra de Lear, pero el creador Parker y la sala de escritores le pusieron su propio sello a la serie. Desde la banda sonora con influencias de los años 90, que incluye canciones de George Michael y Sade, hasta un elenco diverso y robusto con personajes distintivos y memorables, la serie es un retrato convincente, divertido y a veces trágico de la hermandad, el autosacrificio y el costo de servir a la patria. Aunque gran parte de "Boots" es pesada, las partes más ligeras, incluido el monólogo interior de Cameron, que se presenta como una versión más descarada y segura de sí mismo, hasta personajes destacados como su maniaco pero divertido compañero recluta Hicks (Angus O'Brien) y la tardía incorporación del orgullosamente dominicano Santos (Rico Paris) hacen que la narrativa sea memorable. 

Aunque el pelotón en sí mismo es el eje central de la historia, el público también descubre un poco más sobre el funcionamiento interno de los Marines y Parris Island. La Capitana Fajardo (Ana Ayora) es la primera mujer en liderar una compañía dominada por hombres en la base, y la serie ilustra la oposición misógina que recibe en su puesto, no solo de sus superiores, sino también de sus subordinados. Además, Cameron, quien anteriormente se había centrado en lo que percibía como sus propios defectos y en ocultar su sexualidad, comienza a ver las injusticias que también enfrentan sus compañeros reclutas, como la gordofobia y el racismo. 

“Boots” es una serie encantadora y emotiva. Trata sobre un joven que busca la introspección y la madurez en un entorno extraordinariamente desafiante y represivo. En vísperas de la Guerra del Golfo, el público conoce a varios jóvenes (y un par de mujeres) unidos por las circunstancias y llevados al límite mientras, lenta y a menudo dolorosamente, descubren quiénes son y de qué están hechos.

Crítica Cinéfila: The Smashing Machine

La historia real del luchador Mark Kerr (Dwayne Johnson), figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.

Golpes al cuerpo y múltiples rodillazos a la cabeza pueden romperle los huesos a cualquier persona, pero los sobrenombres son los que realmente hieren al pionero luchador de la UFC Mark Kerr, una bestia de hombre que podía aplastar a sus oponentes en el ring y desmoronarse tan pronto como salía de él.

En la cautivadora y poco convencional película biográfica de Benny Safdie, "The Smashing Machine", Kerr oscila entre lo frío y lo caliente, lo pasivo y lo agresivo, relajado en el sofá y pulverizando una puerta en su sala de estar, mostrando una fragilidad mucho mayor que sus enormes bíceps. Interpretado por Dwayne Johnson en la actuación más absorbente del luchador convertido en actor hasta la fecha, el campeón de artes marciales mixtas es la base de una película de lucha con altibajos que toma muchas referencias del género, pero nunca consigue un nockout al estilo de Rocky pues ni siquiera intenta ser como Rocky.

Siendo el primer largometraje del director sin la compañía de su hermano Josh, la película conserva mucho de lo que hizo que el trabajo de los Safdie fuera tan original: un realismo melancólico y estilizado; un elenco que mezcla actores entrenados con gente común; un ambiente deprimente animado por destellos de humor crudo y energía cinética; e historias contadas por protagonistas a menudo adictos a algo. Los deportes también han sido un elemento básico de Safdie, desde su melancólico documental de baloncesto "Lenny Cooke" hasta la obsesión de Adam Sandler con la NBA en Gems, y esto puede explicar por qué ambos hermanos eligieron hacer debuts en solitario sobre dos tipos muy particulares de atletas profesionales. En el caso de Josh, sería una estrella de tenis de mesa de la década de 1950 en su próxima "Marty Supreme", mientras que Benny se centra aquí en un exluchador universitario que se bate en duelo en los primeros años de la UFC, cuando los luchadores estaban lejos de ser nombres familiares y el deporte aún no era un gigante multimillonario (sin mencionar uno de los favoritos del actual presidente de Estados Unidos).

Ambientada entre 1997 y 2000, una época en la que Kerr se abrió paso a puñetazos, cabezazos y grappling en torneos en Estados Unidos, Brasil y Japón, el guion de Safdie subraya cómo la UFC comenzó como una organización marginal cuyas peleas mal pagadas solían terminar en sangre. La violencia era lo que atraía y repelía al público, y finalmente le pasa factura a Kerr, quien practica artes marciales mixtas como una disciplina que requiere un entrenamiento riguroso, algo que hace con su mejor amigo y compañero luchador de MMA, Mark Coleman. Este último es interpretado por el exluchador de la UFC Ryan Bader en una actuación convincentemente sólida, mientras que el entrenador de Kerr en sus combates finales es la leyenda de la UFC Bas Rutten. Esto significa que tres de los cuatro miembros principales del elenco de "The Smashing Machine" son auténticos pesos pesados ​​con orejas de coliflor abultadas (las de Johnson fueron creadas de forma impresionante por el diseñador de prótesis Kazu Hiro, quien hace al actor casi irreconocible). Y, sin embargo, Safdie consigue grandes actuaciones en todos ellos, centrándose en la camaradería macabra que comparten: cómo pueden parecer muy malos en el ring, pero son más bien gigantes amables en persona.  

De hecho, Kerr es tan encantador que suele ser pisoteado por su novia de toda la vida, Dawn (Emily Blunt), quien termina representando una amenaza mayor para él que cualquiera de sus oponentes. Agresiva, insistente, masticando chicle constantemente de forma desagradable, pero también comprensiva y cariñosa cuando Kerr atraviesa momentos difíciles a lo largo de la narrativa, Dawn es tanto la piedra angular de la altísima carrera del luchador como su talón de Aquiles.

Safdie escenifica sus disputas con la misma intensidad que las del octágono, en una película que oscila entre los golpes contundentes que Kerr soporta como luchador profesional y la angustia mental que Dawn le causa en casa. Esto no significa que ella sea la única responsable de todo el drama doméstico: Kerr está bajo tanta presión que puede resultar insoportable, pasando de entrenamientos intensivos en los que juzga qué tan bien Dawn prepara sus batidos de proteínas por la mañana, a atracones de opiáceos que lo dejan en coma en el suelo del baño. Aun así, la película juega con las cartas en contra de su protagonista femenina, obligando a Blunt a interpretar a una mujer que parece hacerle más daño que bien al hombre que ama.

Las numerosas debilidades de Kerr son también las fortalezas de una historia en la que las peleas se pierden con más frecuencia que se ganan. "The Smashing Machine" puede tomar prestados algunos clichés del género deportivo, como un divertido montaje de entrenamiento con la versión de Elvis de "My Way", o múltiples escenas de periodistas entrevistando a los boxeadores en Japón. En realidad, es una película que trata mucho menos sobre la victoria atlética que sobre la vulnerabilidad humana, y por lo tanto se alinea con otras películas de los hermanos Safdie sobre perdedores empáticos que sufren todo lo que la vida les depara.  

Johnson rara vez ha interpretado a un perdedor, pero siempre ha sido agradable, mostrando una enorme sonrisa que complementa sus enormes pectorales en escenas de acción que nunca le permitieron mostrar mucho alcance. Consigue llegar a lo profundo sin exagerar, cautivando al público con su amabilidad como un guerrero benigno que sufre escena tras escena, triunfando brevemente en el ring antes de sucumbir a la adicción o al dolor romántico. Al igual que Mickey Rourke en "The Wrestler" —una película de la que Safdie parece inspirarse en algunos detalles—, el actor ofrece una mezcla embriagadora de sangre, sudor, lágrimas, proteínas y una impotencia total.

Esos elementos impulsan a Kerr mientras finalmente deja su adicción a los opiáceos y se dirige al tipo de final que esperarías de cualquier buena película de lucha, con la oportunidad de enfrentar a su mejor amigo Coleman en un campeonato en Tokio organizado por Pride (un grupo japonés rival que la UFC absorbió en 2007). Pero "The Smashing Machine" es más "Toro Salvaje" que "Rocky", negándose a darles a los fanáticos del combate lo que quieren en un final que duplica el realismo, sin mencionar los traumas causados ​​por tanta violencia.

El realismo también es una parte importante de la estética sucia y poco llamativa de la película. El director de fotografía Maceo Bishop (quien trabajó con Safdie en su serie de Showtime, "The Curse") captura la acción al estilo documental con teleobjetivos y mucho granulado, mientras que el diseñador de producción James Chinlund destaca lo poco glamoroso que es el mundo de Kerr, desde el precario estadio de baile donde gana sus primeras peleas de MMA hasta la casa de Arizona que comparte con Dawn. El vestuario de Heidi Bivens muestra cómo finales de los 90 no fue precisamente un bastión de sofisticación, al menos en el mundo de las artes marciales mixtas.

Para una película protagonizada por un actor que se hizo famoso por sus combates simulados en la WWE, el mayor atributo de "The Smashing Machine" quizás sea que gran parte de ella no se siente para nada falsa. Excluyendo parte del drama con Dawn, que se exagera un poco en el último acto, Safdie logra que las luchas de Kerr sean lo más realistas posible. Cuando, en un cambio de último momento que supone otro arrebato de realismo, el verdadero Kerr reemplaza brevemente a Johnson, han pasado 25 años y no se parece en nada al hombre que hemos estado viendo por dos horas. Sin embargo, parece llevar el peso del mundo sobre sus hombros.

Crítica Cinéfila: TRON - Ares

Cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial.

Las películas de "Tron" cuentan con un legado de excelentes bandas sonoras electrónicas. El clásico de culto original de 1980 contó con la música de la legendaria pionera de la música trans, Wendy Carlos, quien también contribuyó a las inolvidables bandas sonoras de "A Clockwork Orange" y "The Shining" de Stanley Kubrick. La postergada secuela de Disney, "Tron: Legacy", contó con una banda sonora de Daft Punk, quienes pusieron tanto cariño y alma en sus composiciones digitales que, francamente, la banda sonora fue lo único que emocionó a la mayoría.

“Tron: Ares” continúa esta tradición con una nueva banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, bajo el nombre de su banda, Nine Inch Nails. Es una oleada de sonido que irrumpe en la película de Disney y empapa cada fotograma. Es una maravilla sonora por la que tanto Reznor como Ross merecen grandes elogios. “Tron: Ares” tiene, sin lugar a dudas, una banda sonora genial. La película, por otro lado, es una decepción casi en su totalidad.

“Tron: Ares” es un trabajo despreocupado a nivel narrativo, y de los más molestos, porque se esconde bajo una fina capa de competencia superficial. La película parece aceptable. Tiene grandes estrellas que intentan, sobre todo, ganarse la vida. Todos siempre están corriendo a algún lado, lo que puede confundirse fácilmente con impulso. Y luego, por supuesto, está la banda sonora, que lo une todo. Como una pulsera de diamantes que amarra una bolsa de basura.

“Tron” (1982) y “Tron: Legacy” (2010) fueron ambiciosas epopeyas de ciencia ficción que imaginaban el interior de nuestros ordenadores como brillantes paisajes digitales, poblados por programas antropomórficos que veneraban a sus creadores humanos como si fueran dioses. Eran películas pretenciosas, pero se negaron a conformarse con sus innovadores efectos visuales. Prepararon las revoluciones tecnológicas modernas con la teología clásica y plantearon preguntas significativas sobre nuestras responsabilidades hacia todas nuestras creaciones. Eran, a pesar de sus otros defectos, películas con ideas.

“Tron: Ares” no tiene ideas. En cambio, tiene una trama tediosa y aburrida. Transcurre años después de “Tron: Legacy”, y ahora dos compañías tecnológicas —la piadosa ENCOM y la malvada Dillinger Systems— quieren traer programas informáticos al mundo real, en lugar de enviar personas reales a las computadoras. Han descubierto cómo hacer que los programas sean reales durante 29 minutos, pero después sus creaciones se evaporan. No importa por qué. Dillinger lo usa para hacer tanques, armas y guerreros "invencibles".

Eve Kim (Greta Lee), directora ejecutiva de ENCOM, tiene el secreto para mantener los programas en el mundo real indefinidamente, así que su rival, Julian Dillinger (Evan Peters), envía a sus matones digitales tras ella, liderados por el programa de seguridad Ares (Jared Leto). Resulta que esto es mucho menos efectivo que enviar a gente normal tras ella, ya que sus programas informáticos convierten la ciudad en un espectáculo de luces psicodélico y llaman la atención sobre la organización criminal de Julian, dañando la reputación de la empresa y haciendo que toda la historia principal sea completamente inútil.

Lo que importa, al parecer, es que Ares está evolucionando más allá de su programación, así que se alía con Eva para obtener el secreto de la "permanencia" y quedarse en ese mundo. Esto implica huir de más matones digitales que, de nuevo, mueren instantáneamente tras 29 minutos. Nuestros héroes solo tienen que conducir una hora fuera de la ciudad y toda la trama se disolvería.

Greta Lee (Past Lives) es una actriz excelente, pero se pasa toda la película huyendo de los malos y arreglando computadoras. Eve solo tiene una historia de fondo, e incluso eso le explica un hombre que conoció hace treinta minutos. Él también le dice cómo completar el arco argumental de su personaje, lo cual ella cumple diligentemente. "Tron: Ares" le quita todo lo posible a Greta Lee. Es un papel ingrato para una mujer tan talentosa.

Por otro lado, Jared Leto solo tenía que interpretar a un personaje con alma. No resulta muy convincente. Ares es una entidad monótona que necesitaba desesperadamente un actor con brillo en los ojos, alguien que pudiera transmitir vida sutilmente a una forma de vida artificial que, técnicamente, no la tiene. Leto se queda con la mirada perdida durante la mayor parte de la película y dice sus diálogos con la intensidad de un robot sin corteza. El único otro programa con el que hablamos es Athena (Jodie Turner-Smith), que también carece de personalidad, y todo esto contradice las reglas de "Tron". Los programas de estas películas suelen estar inspirados en sus programadores y suelen ser individuos apasionados. Lo que significa que los creadores de "Tron: Ares" —dirigida por Joachim Rønning con guion de Jesse Wigutow y argumento de Wigutow y David Digilio— cambiaron las reglas de todo este universo solo para empeorar la historia.

Y luego, por supuesto, está la Red, donde viven todos estos programas de computadora. Es un lugar que todos en la audiencia pueden mirar con asombro porque siempre se ha visto increíble. La Red también siempre está codificada por colores, así que el azul es igual al bien y el rojo al mal. "Tron: Ares" pasa la mayor parte de su tiempo en la Red en la sección roja, lo que nos hace sentir como si estuviéramos atrapados en el fallido Nintendo Virtual Boy. Es simplemente una receta para dolores de cabeza. Tal vez por eso la mayor parte de la película se desarrolla fuera de la Red, en el comparativamente aburrido mundo real. Porque alguien detrás de escena pensó que el problema con "Tron" y "Tron: Legacy" era que eran hermosas. No se preocupen. Esa era de "Tron" ha terminado.

Disney lleva casi medio siglo intentando convertir "Tron" en algo. Las películas anteriores tienen fans. Quizás no lo suficiente como para justificar sus presupuestos, pero están ahí. Es difícil imaginar que alguno de esos fans se entusiasme con la "Tron" más genérica hasta la fecha, y es difícil imaginar que todo el público que antes no estaba interesado se entusiasme ahora que es aburrida. En la vida real, finalmente llegamos a una etapa en la que los problemas planteados por "Tron" cobran relevancia en el mundo real, donde mantenemos debates difíciles sobre la ilusión de la inteligencia artificial y lo que su implementación podría significar para el futuro de la humanidad. Es precisamente el peor momento para estrenar un "Tron" sin nada que decir al respecto. 

No tienes que ver esta película. Quizás puedas tolerar las antiguas. Pero siempre es recomendable escuchar todas las bandas sonoras.

Crítica Cinéfila: Steve

Steve, director de un reformatorio para chicos problemáticos, lucha por seguir adelante con su trabajo mientras intenta controlar su salud mental. Al mismo tiempo, Shy, un estudiante problemático, navega entre sus tendencias violentas y su fragilidad, dividido entre su pasado y sus perspectivas de futuro.

La mayoría de las escuelas tienen uno o dos alumnos problemáticos. En Stanton Wood, eso es todo lo que hay. Dirigido por Steve —en quien el actor principal, Cillian Murphy, canaliza todo tipo de conflictos irreconciliables—, este es el reformatorio de último recurso. Es el lugar al que se envía a "jóvenes muy perturbados" con un alto coste para los contribuyentes ingleses, con la esperanza de que el reducido pero dedicado equipo de profesores y terapeutas de la asediada institución pueda ayudarlos a controlar su agresividad y a prosperar.

Steve es un diamante en bruto profundamente conmovedor y magníficamente actuado, Es mejor que cualquier cosa que la plataforma de Netflix ha impulsado para mejor película hasta la fecha. Con ADN en común con "Adolescence" (temáticamente, al menos) y "The Bear" de FX (en términos de estilo), "Steve" representa una especie de reunión entre Cillian Murphy, su coprotagonista Emily Watson y el director belga Tim Mielants, quien hizo el desgarrador drama del año pasado sobre Magdalene Laundries "Small Things Like These". 

La película transcurre durante uno o dos días en un colegio llamado Stanton Wood; corre el año 1996, y un equipo del programa de televisión Point West ha llegado para grabar un reportaje para la edición nocturna. Parecen venir de buena fe, intrigados por el buen trabajo que realiza el director Steve (Murphy) con niños de entornos desfavorecidos. Pero en un vídeo posterior, el presentador revela la verdadera razón de su presencia: «Algunos lo llaman una última oportunidad, otros un costoso vertedero de causas perdidas». Dado que el programa cuesta al contribuyente 30.000 libras al año, no sorprende que los recursos hayan disminuido últimamente, y esta noticia sin duda no ayudará.

Comienza con Steve conduciendo, pero no para ir al trabajo. Primero va a un campo donde Shy, uno de sus estudiantes, fuma un porro y baila drum'n'bass con auriculares. Steve lo convence con delicadeza de que vuelva a la escuela, donde el equipo de rodaje está causando estragos. La textura de las imágenes es adecuadamente granulada, como VHS, pero se integra a la perfección con el estilo vérité de la película, un mar inquieto de cámara en mano que se agita más a medida que lo hace su protagonista. El detonante es una reunión con la junta directiva de la escuela —que parece más un fideicomisario que un trabajador social— donde se revela que el imponente pero destartalado edificio escolar se venderá a finales de año.

La reflexiva y conmovedora película de Mielants trata sobre las repercusiones de ese encuentro, y mientras Steve lucha por aceptar que el trabajo de su vida está a punto de desvanecerse ante sus ojos, también vemos las imágenes del equipo de televisión de los jóvenes a su cargo. Son un grupo extraño, física y emocionalmente, y a veces pueden ser encantadores, divertidos y descarados. También pueden ser mordaces y, en una nueva y perturbadora tendencia, propensos a volverse violentos, como atestigua la psicóloga de la escuela (Emily Watson). La ayudante de la escuela, Amanda (Tracy Ullman), puntualiza la situación con un breve resumen de sus funciones. "Soy mitad directora de prisión, mitad enfermera, mitad hacha de guerra, mitad momia... Y los adoro".

¿Quién querría dedicar tanto tiempo a niños como estos, en un programa educativo descrito como "espectacularmente insostenible"? Cillian Murphy, luciendo barba y recuperando un peso saludable tras Oppenheimer, se esfuerza por explicarlo y, al hacerlo, se integra en el papel. Sin embargo, incluso los mártires tienen un límite, y cuando la ira contenida de Steve encuentra una salida en la bebida y los medicamentos, empezamos a descubrir un poco más sobre su trágica historia y el acontecimiento que cambió su vida y que ahora lo define.

Hay material suficiente para una estrella sentimental, pero Cillian Murphy comparte generosamente el protagonismo con un elenco pequeño pero notable. El principal es Ullman, quien, al igual que Murphy, de alguna manera nunca se deja intimidar por los frenéticos altibajos de la vida escolar, y luego están los propios chicos, un grupo heterogéneo cuyas neurosis y camaradería recuerdan al pabellón psiquiátrico de "One Flew Over the Cuckoo's Nest" de Milos Forman.

Sin embargo, aquí no aparece la enfermera Ratched, pero sí el bondadoso Steve, que cuida de todos, especialmente de Shy, quien les oculta un secreto a los demás. Debido a sus ataques de violencia, su madre le ha dicho que ella y su padrastro ya no lo verán: ni llamadas ni visitas. En esencia, Steve es una celebración agridulce del arte de estar ahí para los demás en sus momentos más oscuros, aunque reconoce que a veces se necesita la paciencia de un santo para hacerlo.

De ahí el cambio de título. Si Shy era el tema del escueto libro de Porter, aquí la atención se centra en el director, exhausto, que ha luchado por los estudiantes durante todos estos años. El libro de Porter comienza con Shy cargando una mochila llena de piedras. En la película, Shy es interpretado por Jay Lycurgo, un joven actor que se revela como un actor sensible e intimidante, y la mochila no aparece hasta la mitad, cuando el equipo de rodaje husmea sin permiso en la habitación de los estudiantes. Esto podría ser una escena de una película de terror de metraje encontrado, ya que la cámara escanea la habitación de Shy, revelando lo perturbado que debe estar. De alguna manera, Steve no ha captado las señales, que Jenny lleva semanas intentando advertirle.

Mielants ensambla los elementos en un intrincado collage posmoderno (aunque mayormente lineal), elevando lo que de otro modo podría haber resultado un poco teatral (dada la ubicación única) al mezclar los testimonios de los diversos personajes, demasiado tristes para la televisión, con momentos privados ingeniosamente observados. El director de fotografía Robrecht Heyvaert hace malabarismos entre los dos formatos, SD Betacam y película, mientras la editora Danielle Palmer alterna entre arrebatos escandalosos para el equipo del documental —incluyendo un ataque brutal a un policía militar de visita (Roger Allam)— y momentos robados de intimidad que solo nosotros vemos.

Así es como nos enteramos de una llamada telefónica personal entre Shy y su madre. Y es así como sabemos que Steve ha estado robando sorbos de las botellas de alcohol que tiene guardadas por la escuela: su forma de lidiar con la culpa y sus propios problemas de adicción. Hay un cliché inquietante en las películas de internados: se necesita que alguien se suicide para lograr un cambio real en una institución disfuncional. "Steve" explota esa preocupación hasta cierto punto, pero finalmente hace algo inesperado con ella, desviando el enfoque (como hizo el título) de Shy a Steve.

Para muchos, “Oppenheimer” fue la mejor interpretación de la carrera de Murphy. En cualquier caso, las dos colaboraciones recientes del actor irlandés con Mielants demuestran humildad (las películas pequeñas no son precisamente proyectos rentables) y cuánto más tiene que ofrecer. Es raro ver a la estrella joven con el rostro desaliñado o cediendo el protagonismo a una sala llena de desconocidos, pero Steve es un hombre que se entrega demasiado, y se necesita un hombre con el compromiso de Murphy para darnos cuenta de su origen.

Crítica Cinéfila: Monster - The Ed Gein Story

En los campos del Wisconsin rural de los años 50, un hombre solitario, amable y aparentemente inofensivo llamado Eddie Gein vivía en una granja en ruinas, ocultando una "casa de los horrores" tan espeluznante que redefiniría la pesadilla americana. Impulsado por la soledad, la psicosis y una obsesión absoluta con su madre, los perversos crímenes de Gein dieron vida a un nuevo tipo de monstruo, dejando un legado macabro que engendró monstruos en la ficción creados a su imagen, y encendiendo una obsesión cultural por lo criminales psicológicamente desviados.

Se han usado muchos nombres para referirse al asesino en serie y granjero Ed Gein, originario de un pequeño pueblo de Wisconsin, en el siglo XX, pero el que parece haber perdurado desde que se descubrieron sus crímenes en 1957 es el de "monstruo". Un apodo apropiado, dado que Gein mató al menos a dos mujeres, disfrutaba desenterrando cadáveres en cementerios locales y usando su piel y huesos como forma de satisfacción sexual, hasta que se dedicó a la necrofilia. Sus delitos y trastornos cognitivos fueron la base que inspiró al icónico personaje Norman Bates del director Alfred Hitchcock, y la película de terror por excelencia "Psicosis". 

“Psicosis” podría ser recordada como la obra maestra de Hitchcock, con vívidas imágenes en blanco y negro de un hombre aparentemente afable que se abre paso entre víctimas femeninas inconscientes en el motel de su propiedad, en medio de la nada. Pero el tema de la psicosis subyacente de la película, causada por la soledad y el dolor, se manifiesta, como es bien sabido, en la devoción del protagonista, Norman Bates, por su tiránica madre. Una madre que muere antes de que comience la película.

“Monster: La Historia de Ed Gein”, la última entrega de Ryan Murphy y su colaborador habitual Ian Brennan, es la tercera entrega de su serie que destaca los efectos de la maldad pura. Similar a sus exploraciones sobre el asesino en serie Jeffrey Dahmer y el amor fraternal entre Erik y Lyle Menéndez, la vida de Ed Gein se traslada a la pantalla chica a través de relatos verídicos y una gran dosis de exageración cinematográfica. El resultado es una temporada llena de altibajos, ilustres actuaciones de su elenco principal y desafortunados episodios de relleno que aportan poco contexto adicional al estado mental de Gein.

El actor británico Charlie Hunnam interpreta al personaje principal, Ed Gein, un cambio radical para un actor conocido por su papel de Jax Teller en la serie dramática "Sons of Anarchy". En esta película, Hunnam comparte escenas con Laurie Metcalf como la madre de Gein, una mujer autoritaria y religiosa inquietantemente similar a la historia de la Sra. Bates en "Psicosis". Los dos tienen una dinámica conflictiva. La Sra. Gein se enorgullece de ser una cristiana apasionada que disfruta llamando prostitutas y rameras a las chicas de su pequeño pueblo. Al mismo tiempo, Eddie explora la asfixia autoerótica mientras usa la ropa interior de su madre. Es una relación extremadamente problemática.

Tras la muerte de su madre, Ed Gein se queda solo a cargo de la granja y de sus impulsos sexuales y pensamientos intrusivos, que se manifiestan en crímenes atroces. La voz de su madre resuena en su mente, como la del Pasajero Oscuro de Dexter Morgan en "Dexter", diciéndole qué hacer y alentándolo a portarse mal. Antes de Ted Bundy, Jeffrey Dahmer y el Asesino BTK, los crímenes de Gein se consideraban innombrables durante años.

En lugar de lo que se considerarían saltos temporales y flashbacks, el creador Ian Brennan y el director Max Winkler entretejen ingeniosamente el viaje asesino y sexual de Ed Gein en la creación de "Psicosis" y el vínculo eterno entre el legado de ambos. Anthony Perkins (Joey Pollari) se presenta de forma similar a Gein en esta serie, intentando conectar la sexualidad secreta y oculta de Perkins con la naturaleza reprimida de la manifestación sexual de Gein. El desafortunado resultado para Perkins es que siempre se le vincula con su icónica interpretación de Norman Bates y, por lo tanto, con la fuente misma: Ed Gein.

La primera mitad de la temporada se centra tanto en Alfred Hitchcock (Tom Hollander) y su película como en Ed Gein. Hitchcock es ambicioso y cree que el público quiere algo más que los monstruos que está acostumbrado a ver en las pantallas, como Frankenstein y Drácula. Considera que un nuevo tipo de monstruo, uno mucho más psicológico y aterrador en un sentido real, sería lo que el público anhela. Le encanta ver a su público retorcerse y abandonar la sala angustiado en el estreno de "Psicosis" en 1960. Winkler aprovecha esta conexión para crear un espacio para que Hunnam interprete a Norman Bates en la película de Hitchcock. Incluso incluye una escena de ducha casi toma por toma, más gratuita, para enfatizar el vínculo de la película con la historia de Gein, utilizando a su interés amoroso, Adeline (Suzanna Son), como sustituta de Janet Leigh.

La segunda mitad de la temporada se transforma en cómo esa película y la historia real de Gein inspiraron películas hollywoodenses de terror de los años 70, como "La Matanza de Texas". La conexión de la primera mitad con Hollywood y la inspiración de personajes ficticios es mucho más fuerte que la segunda, donde la temporada intenta provocar conmoción y repugnancia en los espectadores con violencia gráfica y sexo impactante sin añadir nada nuevo a los siniestros tratos de Ed Gein y los de Wisconsin. Adeline, interpretada por Suzanna Son, como buen ejemplo, tiene un tiempo considerable en pantalla en la segunda mitad de la temporada, a pesar de que el personaje nunca existió en la vida real.

La interpretación suave pero siniestra de Hunnam de Gein es una grata sorpresa, ya que el actor demuestra una amplitud de miras dentro de un personaje como nunca antes había intentado. Lesley Manville, como Bernice Warden, víctima del asesinato de Gein, es una buena incorporación que no recibe tanto tiempo en pantalla como el personaje merece (aunque su interpretación parece eludir la relación real entre Warden y Gein). Metcalf, como siempre, proporciona suficiente argumento para mantener la historia a un ritmo frenético, incluso cuando su personaje solo se escucha o se manifiesta a través del estado mental de Gein.

“Monstruo: La Historia de Ed Gein” se esfuerza por contar la historia de este monstruo, pero no logra ofrecer ocho episodios dignos de un maratón. Las fantásticas actuaciones se diluyen con historias tipo B exageradas que no llegan a ninguna parte a un ritmo lento. Cuando salen a la luz los crímenes de Gein, los medios y el mundo no saben cómo clasificarlo. ¿Era travesti? ¿Era trans? ¿Tenía esquizofrenia? ¿O era simplemente un "mama's boy" con interés por lo macabro? La serie de Netflix no tiene una respuesta exacta más allá de que era, y sigue siendo, un monstruo.