Crítica Cinéfila: The Tattooist of Auschwitz

Basada en la novela homónima, esta es la historia de la vida real de Lali Sokolov, un prisionero judío al que se le encargó tatuar números de identificación en los brazos de los prisioneros en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau durante la Segunda Guerra Mundial. Un día, conoce a Gita mientras le tatúa el número de prisionera en el brazo, lo que da lugar a un amor que desafía al horror que les rodea.

Imágenes específicas del Holocausto han salpicado el panorama cinematográfico y televisivo sin cesar: el alambre de púas de un campo de concentración, cuerpos desnudos reducidos a piel y huesos, tirados en montones de desechos, abusos inhumanos y asesinatos al azar por parte de malvados nazis. Hollywood ha inculcado repetidamente esas imágenes al presentar este horrible momento de la historia, por lo que seguir evocándolas aumenta el trauma colectivo de todo un pueblo (algo inconscientemente necesario para evitar que vuelva a suceder). Sin embargo, todas estas historias y más son la coproducción de Sky Studios y Peacock “ The Tatooist of Auschwitz”. Eso hace que sea una serie difícil de ver, pero la historia y la melancolía hacen que cualquiera caiga en la tentación.

La serie se inspira en el controversial y exitoso libro homónimo de Heather Morris, de 2018. Morris escribió su primera novela después de pasar tiempo con un sobreviviente del Holocausto eslovaco llamado Lali Sokolov, que era tatuador judío en Auschwitz II-Birkenau. El libro, y ahora la serie, cuenta la historia de Lali desde su llegada al campo en 1942 hasta su escape en 1945. Mientras estaba allí, conoció a una mujer llamada Gita Furman mientras le tatuaba un número de identificación en la piel. Fue amor a primera vista, y la pareja encontró formas de comunicarse y conocerse mientras estaban en el campo. Finalmente, después de muchos encuentros espantosos y situaciones al límite, Furman también escapó. Los dos se reencontraron, se casaron, se mudaron a Australia y tuvieron un hijo. 

La esencia de la historia ocurrió en la vida real, pero el libro fue publicado como ficción. Aun así, los historiadores y académicos cuestionaron los detalles, alegando que el libro contiene tergiversaciones y errores. Algunos de los más importantes fueron la descripción del campo y su distribución, la ruta del tren que tomaron los personajes y el número que Sokolov tatuó en el brazo de su futura esposa. Por su parte, Morris sostiene que escribió una obra de ficción y contó la versión de los hechos de Sokolov, no la versión de los hechos que realmente sucedieron.

El argumento en contra de contar una historia como esta —inspirada en personas reales, basada en la realidad, pero que luego se toma libertades creativas— es que quienes no están familiarizados con el Holocausto o las discrepancias podrían tomar el libro (y ahora la serie) como puramente factual. Ninguno de los proyectos se guarda detalles desgarradores de muerte y tortura, pero ambos romantizan la historia de amor ambientada en estas circunstancias.

Incluso con las mejores intenciones de mostrar la perseverancia del espíritu humano y cómo el amor encuentra un camino, estos fueron eventos muy perturbadores que llevaron a un trauma generacional masivo. Es esencial conocer la historia y escuchar las historias, pero al recrear esos eventos para una audiencia, debes descubrir qué estás agregando al paisaje que sea útil y no dañino. A lo largo de seis episodios, “El tatuador de Auschwitz” logra ambas cosas.

La directora y coproductora ejecutiva Tali Shalom-Ezer y el resto del equipo intentaron abordar las críticas del libro con el mayor cuidado posible, contratando consultores y asegurándose de que todos tuvieran acceso a asesoramiento. También cambiaron el número de Gita de 34902 (el que Lali recordaba en el libro) a 4562, que Gita confirmó antes de su muerte. En cuanto a la historia, “El tatuador de Auschwitz” reconoce que se trata de un relato al contarle sus experiencias a un Lali mayor (Harvey Keitel) que escribe por primera vez.

A través de ese relato y de los flashbacks, los espectadores conocen a Lali, de 25 años, interpretado por Jonah Hauer-King. Lali es un personaje complejo y atormentado, y Hauer-King se entrega al papel con aplomo. Se trata de un hombre que, en última instancia, hace lo que sea necesario para sobrevivir, e internaliza el dolor que su participación y complicidad le provocan con un efecto desgarrador. Como tatuador, Lali imprime números de identificación en los brazos de los prisioneros para aprovechar que le den mejores condiciones para dormir y más comida. Pero se disculpa con cada pinchazo y luego comparte esas raciones adicionales con sus compañeros de prisión. De pequeñas maneras, él contribuye a la sociedad, tratando de equilibrar la balanza.

Es comprensible que la posición de Lali le otorgue ciertas ventajas, pero la tolerancia general que recibe es inconsistente en comparación con el trato de quienes lo rodean. Es capaz de defenderse y cuestionar a los guardias sin repercusiones significativas, todo mientras esos mismos guardias se apresuran a disparar a otros en la cabeza por tropezar o usar la letrina por la noche. 

La habilidad de Lali para moverse por el campo también lo distingue de los demás. Esquiva a los guardias y soborna a otros para que pueda visitar a la eterna optimista Gita (interpretada por Anna Próchniak). En una escena, Lali interactúa en Auschwitz con el Dr. Schumann, y vende una parte de su alma a cambio de un antibacteriano que salvará la vida de Gita.

El amor de Lali por Gita le da un propósito y le permite mantener la esperanza mientras soporta horrores cada vez mayores. Muchas de las escenas de los campos de concentración ponen de manifiesto la crueldad de esos lugares y, sin duda, ponen al público en el lugar de quienes estuvieron allí. Se calcula que 1,1 millones de personas murieron en Auschwitz y, a diferencia de Lali, nunca tuvieron la oportunidad de contar su historia. La serie enfatiza ese punto con primeros planos de rostros que miran fijamente a la cámara después de que los personajes son asesinados o enviados a las cámaras de gas. Es un recurso inquietante que humaniza a estas víctimas y recuerda a los espectadores que eran más que un número.

Lo que es más difícil de ver son los actos de violencia aleatorios que se muestran con todo detalle: hombres abatidos frente a un pelotón de fusilamiento; una mujer con un disparo en la cabeza después de pedir ayuda; Lali fue llevado a la cámara de gas para identificar dos cuerpos y los guardias bromeaban diciendo que era el único judío que había salido con vida de ahí; mujeres enfermas y desnudas empujadas afuera para que se congelaran durante la noche y dejaran libres las camas. “The Tattooist of Auschwitz” está llena de momentos necesariamente angustiosos.

Son suficientes para hacer que las pausas narrativas actuales sean un respiro necesario. Esa carga mental se refleja en la pantalla cuando Heather lidia con el trauma secundario de lo que está aprendiendo. Mientras tanto, la serie también usa esos momentos para abordar las inexactitudes históricas y la capacidad de Lali para recordar correctamente. Lali está atormentado por los fantasmas de su pasado y con frecuencia interactúa con ellos, a veces en presencia de Heather. También hay indicios de que a veces puede estar exagerando para perdonarse a sí mismo por participar en todo eso.

La idea es que la verdad se encuentra en algún punto entre el recuerdo y la realidad, y que la experiencia de un hombre no es necesariamente universal. Conocer y compartir su historia es importante, pero con el contexto adecuado. Al final, “The Tattooist of Auschwitz” pone de manifiesto la dicotomía del espíritu humano, mostrando la posibilidad del amor y la inimaginable monstruosidad que puede traer consigo el odio.

Crítica Cinéfila: American Murder, Laci Peterson

La desaparición y asesinato de Laci Peterson en 2002 conmocionó a Estados Unidos. Su marido, Scott Peterson, fue condenado, pero sigue afirmando que es inocente. 20 años después, retomamos este caso con la madre y los amigos de Laci hablando por primera vez.

De la desaparición al asesinato. A los ocho meses de embarazo, Laci Peterson desapareció, lo que provocó una extensa búsqueda que terminó en tragedia. A lo largo de tres episodios, "American Murder: Laci Peterson" analiza en profundidad el caso de asesinato Laci Peterson en 2002. A través de imágenes de la cámara del tribunal y de interrogatorios, clips de noticias y entrevistas exclusivas, esta docuserie de Netflix arroja luz sobre uno de los casos de crímenes domésticos más infames de Estados Unidos.

El nombre de Laci Peterson se ha convertido en una piedra de toque, inmediatamente reconocible como una de las primeras historias mediáticas de gran repercusión sobre una mujer que, como se revelaría más tarde, fue asesinada por su marido. Aunque Scott Peterson mantiene su inocencia, su comportamiento tras la desaparición de Laci y todas las pruebas que finalmente se descubrieron indican lo contrario.

En 2002, Scott Peterson pasó rápidamente de ser un marido traumatizado y afligido tras la desaparición de su esposa embarazada, Laci, a ser el sospechoso número uno de su desaparición/muerte. Es una historia que ha cautivado a la gente durante dos décadas, en parte porque Peterson siempre ha mantenido su inocencia a pesar de haber sido condenado a cadena perpetua por el crimen. 

Laci Peterson tenía 27 años y estaba embarazada de ocho meses cuando desapareció el 24 de diciembre de 2002. American Murder analiza el caso más de 20 años después con el aporte y la perspectiva de las personas más cercanas tanto a Laci como a su esposo Scott, quien finalmente fue condenado por asesinarla. La madre de Laci, Sharon Rocha, es una de las personas que habla oficialmente en la serie, al igual que una de las hermanas de Scott y muchos de sus amigos. Amber Frey, la mujer que estaba en una relación con Scott en el momento de la muerte de Laci, y cuya existencia cambió el curso de toda la investigación, también está presente para ofrecer su propia versión de la historia y se destaca como uno de los personajes más heroicos de la historia. También hay entrevistas con abogados, detectives, periodistas y jurados que relatan sus experiencias en tiempo real, mostrando cómo se construyó el caso y cómo reconstruyeron la tragedia de Laci. 

Lo que le pasó a Laci es inimaginable. Después de semanas de búsqueda, los paseadores de perros encontraron el cuerpo en descomposición del hijo no nacido de Laci en una zona pantanosa de un parque costero de la bahía de San Francisco. El cuerpo de Laci fue encontrado a una milla de distancia, un día después, arrastrado por la corriente hasta la costa rocosa. El cuerpo estaba irreconocible, le faltaban la cabeza, los brazos y la mayor parte de las piernas. Y si bien la serie ofrece muchas pruebas tangibles contra Scott, el problema persistente es que él sigue afirmando su propia inocencia. A pesar de su condena, esto es lo único que sigue frustrando a tanta gente; aunque tal vez hayamos tomado nuestra propia decisión y se haya hecho justicia, mientras Peterson siga negando el asesinato, es posible que nunca haya una verdadera sensación de cierre.

La primera persona que los detectives querían descartar era el esposo de Laci, Scott. Hay imágenes de Scott siendo interrogado, luciendo extrañamente tranquilo y cómodo. Scott es presentado como un hombre encantador que bombardeó amorosamente tanto a Laci como a Amber, su novia con la que llevaba una doble vida. Todas las imágenes de Scott lo hacen parecer sereno y confiado, dando la impresión de estar desconectado y falso, especialmente cuando tenía un auto listo para partir, que incluía $15,000 y el ID de su hermano.  La serie sugiere que Scott es culpable desde el principio, y puede parecer muy parcial en los dos primeros episodios. La hermana de Scott aparece en el documental, presentando pequeños contraargumentos y afirmando su inocencia, pero sus partes son pocas y espaciadas.

Las series documentales sobre crímenes reales como esta están por todas partes, desde "Hoax: The Kidnapping of Sherri Papini" hasta "The Life & Murder of Nicole Brown Simpson". Pero mientras miras este diagrama de la vida de los Peterson juntos y unes todos los detalles de la desaparición de Laci, es difícil no pensar en la (ficticia) "Gone Girl": la autora Gillian Flynn ha dicho que si bien ese libro y la película no estaban basados ​​en los Peterson, se podría trazar un "paralelo" entre las historias.

Una de las cosas fascinantes del caso de Laci Peterson es cómo algunas personas, incluidos muchos de los miembros de la familia Peterson se han aferrado a los detalles del caso que ofrecen dudas razonables sobre su culpabilidad. La serie entra en detalles extensos sobre el hecho de que la casa de uno de los vecinos de los Peterson fue asaltada aproximadamente el mismo día en que desapareció Laci, y esto se ha convertido en un detalle "de primera necesidad" para los Peterson, quienes sienten que este robo debe haber tenido algo que ver con la desaparición de Laci. Sin mencionar el hecho de que simplemente parece que Scott nunca fue quien dijo ser y es muy probable que haya engañado a todos en su vida, desde Laci hasta su novia Amber y sus propios hermanos, para que pensaran que era un buen tipo.

La serie va y viene entre los días más importantes de la investigación en 2002 y 2003, y la historia temprana de Scott y Laci, ambos como niños y luego como novios en la universidad, y aunque parecían haber llevado una existencia perfecta, siempre parece haber un matiz de oscuridad nublando a Scott. Obviamente, esto es una visión retrospectiva que nos hace un favor al darle sentido a parte de su comportamiento, pero cuando escuchamos a la madre de Laci explicar cómo Scott dijo que nunca quiso tener hijos, y luego escuchamos un extracto del diario de embarazo de Laci donde describe a Scott aparentemente poco entusiasmado durante una cita para una ecografía (todo ello combinado con la doble vida que llevó como novio de Amber Frey), su comportamiento comienza a parecer psicópata.

La serie documental hace un buen trabajo al ofrecer varias perspectivas, desde la familia de Laci y sus amigos cercanos de la infancia, que están convencidos de la culpabilidad de Scott, hasta los miembros de la familia de Scott, que siguen defendiéndolo. Todos los funcionarios encargados de hacer cumplir la ley que investigaban el caso en ese momento también parecen haber querido darle a este supuesto buen tipo el beneficio de la duda, intentando exculparlo como sospechoso desde el principio, hasta que se acumularon demasiadas pruebas en su contra.

Al igual que ocurre con muchas series como esta, está claro que el ciclo de noticias de 24 horas no le hace ningún favor a nadie, porque la avalancha de cobertura mediática dio lugar a especulaciones y chismes en ese momento, y a titulares sensacionalistas, especialmente a expensas de Amber Frey, que no solo cooperó, sino que resultó esencial para construir un caso contra Scott, pero a lo largo de estos tres episodios, vemos a todos los actores clave de la historia tal como son en realidad. Si bien Peterson todavía puede tener sus partidarios, tal como presenta esta serie, los hechos son claros: es innegablemente responsable de las muertes brutales de su esposa y su hijo no nacido.

En el episodio final, cuando comienza el juicio, un abogado de primera línea viene a defender a Scott, ofreciendo una visión equilibrada. Y debido a que los medios de comunicación están muy involucrados en este caso, hicieron de este caso un frenesí, y la audiencia puede vislumbrar cómo los medios pueden afectar un caso. Con todo el mundo enterándose de ello, ¿pueden un juez y un jurado ser verdaderamente imparciales? 

Uno de los aspectos más interesantes son las entrevistas con Amber Frey, la mujer con la que Scott vivía una doble vida en el momento de la desaparición de Laci. Aprendemos cómo se conocieron, y qué sentía ella por Scott antes y después de la desaparición de su esposa. Amber se dio cuenta rápidamente de que Scott era un mentiroso y ayudó a la policía al seguir en contacto con él y grabar sus conversaciones, tratando de obtener una confesión.

Finalmente, las fuerzas del orden procesaron a Scott Peterson por el brutal asesinato de Laci, así como por el asesinato de su hijo no nacido. Fue declarado culpable de asesinato en primer y segundo grado, pero insiste en que es inocente hasta el día de hoy. Scott fue condenado a muerte, pero la sentencia fue revocada en 2020. Al año siguiente, fue condenado nuevamente a cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional.

En cuanto a documentales sobre crímenes reales, "American Murder: Laci Peterson" es conmovedor y doloroso. Aunque es una historia trágica, el final brinda un pequeño rayo de esperanza. Su familia, amigos y personas involucradas en este caso recuerdan a Laci como la persona maravillosa que era y encuentran consuelo en que su asesino esté en prisión de por vida.

Crítica Cinéfila: Alien - Romulus

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo. 

Si usted no cree que el director Fede Álvarez y la saga de Alien son una pareja ideal, le aconsejo que vea su remake de 2013 de "The Evil Dead" antes de seguir leyendo esta crítica. Fue la primera vez en 20 años que se abrió el Necronomicon, y los fanáticos del terror atribuyeron la supervivencia de la querida franquicia a los esfuerzos del joven director. Esa fe fue recompensada con uno de los remakes de terror más efectivos de la historia, y esa capacidad de honrar y modernizar un texto sagrado del género es la explicación más obvia para el éxito de "Alien: Romulus". Como un niño en una tienda de dulces de locos, Álvarez se abalanza sobre un festín de iconografía y criptozoología alienígena con un regocijo, incluso y especialmente en escenas de caos aplastante. "Alien: Romulus" destila la franquicia en su forma más funcional y enfocada. Y una vez que comienza a reproducirse (literal y figurativamente), no se detiene.

De principio a final, "Alien: Romulus" muestra un diseño de producción ejemplar que, si bien hace un guiño a toda la saga, debe mucho más a las texturas de la película original de Ridley Scott. El futurismo industrial de los escenarios originales de Michael Seymour se replica maravillosamente en la estación Renaissance, coloreada por luces de advertencia rojas y los negros delgados que se entrelazan con esa estética tan amenazante como siempre. "Alien: Romulus" también representa lo que es innegablemente la mezcla más cohesiva de la franquicia de técnicas prácticas y generadas por computadora empleadas para dar vida a sus ubicaciones, criaturas y efectos de lesiones. Dicen que la mejor CGI es la que no se nota, y el equipo aquí ha logrado una mezcla en gran medida perfecta de todos esos elementos. La ironía es que tengo que contradecirme inmediatamente: hay algunas veces –especialmente en el tercer acto– en las que se nota claramente que Álvarez está haciendo primeros planos de cabezas de xenomorfos falsos que explotan. Pero esos momentos, o momentos en los que se puede ver cómo se utiliza una miniatura, hacen tanto por evocar las dos primeras películas de la franquicia como cualquier frase icónica o toma recreada.

Álvarez realmente deja que Romulus respire durante su primer acto, tomándose el tiempo para establecer la relación central entre Rain (Cailee Spaeny) y el androide Andy (Daniel Jonsson), quienes viven como hermanos en servidumbre en la colonia Jackson's Star de Weyland-Yutani. Desesperados por dejar la penumbra perpetuamente sin sol, que Álvarez presenta como un infierno de metal digno de un flash-forward de Terminator, Rain y Andy se reencuentran con sus viejos compañeros de búsqueda de tesoros, la tripulación del Corbelan IV. La naturaleza ingeniosa de Rain y su actitud protectora hacia su hermano sintético hacen que el público se ponga de su lado rápidamente y, como intérprete, Spaeny hace un gran trabajo al situar a Rain de manera creíble en el horror del momento a momento de una joven adulta que hace su primera incursión en el gran y aterrador mundo y descubre que es peor de lo que podría haber imaginado.

Rain se centra mucho en las soluciones, lo que le da muchos momentos heroicos a medida que avanza la película, pero el guion de Álvarez y el coguionista Rodo Sayagues no le deja mucho espacio para cambiar a lo largo del camino, o al menos para resaltar lo que la hace tan resistente en primer lugar. Jonsson termina en la cuerda floja más difícil de caminar en su actuación, equilibrando constantemente la vacilación infantil con la eficiencia fría, cotejando qué información debería ofrecer y cuáles de sus directivas fundamentales debería seguir. Pero Jonsson mantiene bien el núcleo de Andy una vez que ese conflicto se vuelve central para la trama. Los cambios impredecibles que acompañan a la película en la personalidad de Andy no solo sirven para aumentar la tensión, sino también como un espejo en el que los personajes humanos se ven reflejados.

En cuanto a la tripulación del Corbelan (los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu)), Álvarez y Sayagues emplean arquetipos que resultarán inmediatamente familiares a los fans de Alien. La reserva de acero de Tyler evoca a Dallas, el filo y el pañuelo de Bjorn evocan tanto a Parker de Alien como a Vasquez de Aliens. Aunque numerosas películas de la franquicia coquetean con las convenciones del slasher, "Alien: Romulus" se compromete más que nunca con la estructura por excelencia del subgénero. Por ello, es aconsejable no encariñarse con nadie que hable principalmente en bromas o en exposiciones. Esa estructura a veces permite que el público se adelante a la trama, pero Álvarez lanza suficientes bolas curvas y desvía la atención para compensarlo.

Álvarez establece el conjunto de forma económica, especialmente durante el viaje de Corbelan hasta el Renaissance, donde los cortes a cada personaje revelan cómo reaccionan en situaciones estresantes, reforzando esos arquetipos justo antes de que el ácido llegue al ventilador. Merced obtiene el material más personalizado, pasando gran parte de la película separada del grupo principal y tratando de ponerse al día de una manera cada vez más horrible. Si bien estos cortes funcionan bien como sus propias pequeñas viñetas de Alien, debe notarse que a medida que surgen a lo largo del segundo acto, fragmentan un poco el enfoque y conducen a los únicos problemas reales de ritmo de Romulus. Sin embargo, eso no quiere decir que no haya utilidad en la forma en que se gasta ese tiempo: la agenda de Kay es más complicada que la de sus amigos, lo que abre la puerta no solo al trabajo temático más descarado de Romulus (cuya naturaleza dejaré vaga), sino también a los giros que dan inicio al enfrentamiento final audaz, cacofónico e insoportablemente tenso de la película.

"Alien: Romulus" rara vez evita la oportunidad de celebrar a sus precursores, en su mayoría para bien, pero, en un caso significativo, definitivamente para mal. Álvarez entiende exactamente cómo y cuándo desplegar las imágenes más icónicas de Alien. Aunque la exploración inicial en el Renaissance abandonado es un asunto tranquilo y tenso, justo debajo de la superficie, puedes sentir la mano de Álvarez estableciendo el espacio. Sistemas de conductos, esclusas de aire, bastones aturdidores, sensores de movimiento, un sintético muerto, tal vez algún que otro ajuste de lanzallamas a lanzacongeladores aquí y allá. Pero Álvarez no pasa demasiado tiempo mostrando estos objetos inanimados; son puramente funcionales y, por lo tanto, no parece que crucen la línea de ser un servicio para los fans por su propio bien.

Por supuesto, Romulus también trae sus propios juguetes y trucos nuevos, el más significativo de los cuales es la gravedad cero. Es desconcertante considerar que la franquicia realmente no haya explotado más la gravedad cero en el pasado, y se usa bien aquí no solo para condimentar algunos encuentros con xenomorfos, sino repetidamente como un obstáculo de reloj que los carroñeros tienen que sortear debido al mal funcionamiento del motor de gravedad del Renaissance.

Y, sin embargo, como se sabe que hace Weyland-Yutani, "Alien: Romulus" no parece poder abandonar algunas ideas que, a primera vista, parecen destinadas a finales confusos. Romulus maneja la mayor parte de su exposición con bastante elegancia al principio, pero Álvarez exagera y se compromete, como se ejecuta aquí, con un vehículo profundamente defectuoso para entregar esa información una vez que estamos en la estación Renaissance. Esta elección de ninguna manera descarrila a Romulus, simplemente se siente como un mal completamente innecesario y la única parte de la película que regularmente rompe la suspensión de la incredulidad. 

"Alien: Romulus" es una película de belleza austera, mezquina y quimérica que evoca la locura genética que siempre deletrea la perdición en estas películas. Fede Álvarez demuestra que su remake de Evil Dead no fue una casualidad: el director se conecta sin problemas con los puntos de referencia narrativos y estéticos de la saga y los dirige hacia finales impresionantes. Ocasionalmente se desvía hacia un callejón sin salida en cuanto al ritmo, pero esos pasos en falso son perdonables considerando la confianza y el juicio con que Álvarez los maneja en otras partes. Con la ayuda de un talentoso elenco de actores jóvenes y un diseño de producción de calidad de referencia, el enfoque de regreso a lo básico de "Alien: Romulus" para el terror de gran éxito reúne todo lo que los fanáticos aman de la franquicia de tono fluido en una sola película.

Crítica Cinéfila: Dirty Pop

Lou Pearlman fue el creador de algunas de las 'boy bands' más sonadas de los 90, como Backstreet Boys o NSYNC, y de una de las mayores estafas de la historia.

Sus artistas lo llamaban Big Poppa, pero el difunto magnate de las boybands, Lou Pearlman, también era un gran estafador, condenado por dirigir una importante estafa que le valió una sentencia de 25 años de prisión. Murió bajo custodia, después de ocho años en prisión. "Dirty Pop: The Boy Band Scam" cuenta la historia de cómo lanzó a Backstreet Boys y NSync al mundo, al mismo tiempo que participaba en fraudes financieros a gran escala.

Ambas son historias apasionantes, y la combinación de ambas crea un espectáculo surrealista e innegablemente intrigante. Pearlman dirigía una empresa de alquiler de dirigibles en los años 80, con la ayuda de amigos que tenían conexiones en “Wall Street” y que, según uno de los entrevistados, tenían cierta relación con la mafia. También alquilaba aviones a estrellas del pop y celebridades. Después de que Pearlman viera New Kids on the Block en la televisión, se sorprendió al enterarse de que la banda de chicos, de la que dice que nunca había oído hablar antes, estaba recaudando decenas de millones de dólares al año. Comenzó a planear su paso de la radio a las ondas.

La riqueza de Pearlman le permitió lanzar primero a los Backstreet Boys y luego a NSync, tratando a ambos grupos como si ya fueran megaestrellas, llevándolos a volar por todo el mundo en jets privados y visitando escuelas secundarias estadounidenses en autobuses de gira de lujo. Este enfoque de “finge hasta que lo consigas” dio sus frutos. Mientras que Estados Unidos tardó más en darse cuenta, Alemania adoraba a los Backstreet Boys y los convirtió en estrellas. Pronto seguirían creciendo en otras potencias.

Dos de los Backstreet Boys, Howie Dorough y AJ McLean, hablan en la serie, al igual que el fundador de NSync, Chris Kirkpatrick; los demás aparecen a través de entrevistas de archivo que resaltan cuán jóvenes eran algunos de los miembros cuando saltaron a la fama. En un detalle que da una idea real del pensamiento de Pearlman, nos enteramos de que veía a los Backstreet Boys como una "marca dominante como Coca-Cola", lo que le sugería que alguien pronto lanzaría una Pepsi. En NSync, estaba haciendo su propia Pepsi y adelantándose a la competencia.

Pero la riqueza que impulsó la gestión musical se construyó sobre cimientos inestables que finalmente se desmoronaron. La mala conducta financiera es digna de "El lobo de Wall Street", del que se utiliza un clip con fines ilustrativos. La escala es asombrosa. Este documental da voz a al menos una de las víctimas de los planes de Pearlman: la madre de Frankie Vasquez Jr, que trabajó con Pearlman y animó a su propia madre a invertir en sus negocios. Las consecuencias de esto fueron catastróficas. ¿Era Pearlman un monstruo? ¿Era un villano? ¿Era un genio del marketing que merecía su parte del pastel de las bandas de chicos, o explotaba a jóvenes creativos que no sabían nada sobre este mundo? Aquí hay abundantes entrevistas con personas que trabajaron con Pearlman, amigos de la infancia, colegas, aquellos que cortaron sus vínculos y aquellos que lo llevaron a los tribunales. Más de ellos de los que podría esperarse siguen siendo algo ambivalentes.

Está claro que la historia es fascinante en varios niveles. Sin embargo, hay una decisión editorial que es tan extraña e innecesaria que socava todo lo demás en la serie. Al principio del primer episodio, vemos un clip de Pearlman sentado en su escritorio. En la pantalla aparece un subtítulo: "Estas son imágenes reales de Lou Pearlman". Bien. No parecía una caricatura, pero está bien. Luego aparece otro subtítulo: "Estas imágenes han sido alteradas digitalmente para generar su voz y sincronizar sus labios". ¿Qué? ¿ Por qué? Han tomado palabras del libro de Pearlman Bands, "Brands and Billions", y han cambiado las imágenes para que parezca que las está diciendo a la cámara.

Es una decisión muy extraña. No hace nada para mejorar la historia que no haría un actor que leyera las palabras, pero sí socava la confianza del público en lo que está viendo, aunque lo exprese abiertamente. Sigue siendo un interludio falso, en el que se hace que un hombre parezca que está diciendo palabras que nunca ha dicho en voz alta. En 2020, el documental "Welcome to Chechnya", sobre la persecución de los homosexuales en la región, alteró digitalmente los rostros de los participantes para protegerlos. Se hizo con cuidado y se convirtió en un elemento de la película. En este caso, parece ser una elección puramente estética. Repitieron el truco en otros episodios, aunque no con la suficiente frecuencia como para sugerir que es esencial para la narración, lo que lo hace aún más extraño. En la era de la posverdad y las falsificaciones profundas, introducir inteligencia artificial en un documental pop parece una pendiente resbaladiza. Y en una serie sobre estafas, también.

Crítica Cinéfila: The Trap

Un hombre y su hija adolescente asisten a un concierto de música pop. Pronto, el padre se da cuenta de que hay algo raro en el ambiente, y de que algo inquietante está sucediendo. 

Estás en una sala de cine y aparece el tráiler de una nueva película intrigante. Parece misterioso, probablemente con un concepto diferente a todo lo que hayas visto antes. Todos los que están sentados a tu alrededor están en silencio mientras te inclinas hacia adelante, curiosos sobre esta próxima película. Y luego ves de quién es: M. Night Shyamalan . La reacción a ese nombre ha cambiado enormemente a lo largo de su carrera. A principios de la década de 2000, Shyamalan estaba identificado como un creativo emocionante, el escritor y director nominado al Oscar de "The Sixth Sense" parecía ser la segunda venida de Alfred Hitchcock pues estaba en su mejor momento, presentando películas como "Unbreakable", "Signs", y "The Village": ideas convincentes, cada una envuelta con un giro. Pero poco después, el nombre Shyamalan significó una decepción ambiciosa, ya que el hombre detrás de "The Happening", "The Last Airbender", y "After Earth" podía provocar hasta carcajadas involuntarias en la audiencia. En menos de una década, Shyamalan pasó de ser un genio narrativo prometedor como no habíamos visto en años, al cineasta de algunas de las peores películas del siglo XXI.

Sin embargo, en la última década, Shyamalan casi ha encontrado un punto medio entre estos dos extremos. Desde su regreso con "The Visit" de 2015 , las ideas de Shyamalan han sido en su mayoría conceptos curiosos que no pueden estar a la altura de su potencial debido a elecciones incómodas y situaciones satíricas. "Split" y su última película, "Knock at the Cabin" de 2023 , mostraron la promesa de que el viejo Shyamalan todavía estaba allí, incluso si no estaban del todo al nivel en el que alguna vez trabajó, mientras que "Glass" y "Old" comenzaron con buen pie para rápidamente irse cuesta abajo. La última de Shyamalan, "The Trap", es otra película que sucumbe a los fracasos de sus trabajos recientes. Es una película que muestra destellos del director en su mejor momento, pero en un proyecto en última instancia defectuoso. En lugar de cosechar asombros en el cine, es el tipo de película que acerca cada vez más la aparición del nombre de Shyamalan a la total indiferencia.

Cuando conocemos a Cooper (Josh Hartnett), él lleva a su hija adolescente Riley (Ariel Donoghue) a un concierto de Lady Raven (la hija de Shyamalan, Saleka). Cooper es un tipo torpe, pero con mucho encanto. Consigue asientos cercanos a la tarima para su hija por sus buenas notas y, a pesar de que Riley tiene algunos problemas con sus viejas amigas de la escuela, los dos planean celebrarlo con este concierto pop. Pero Cooper empieza a notar una intensa presencia policial en el estadio de Filadelfia, especialmente para un concierto al que asisten principalmente chicas adolescentes, y descubre que, como su nombre lo indica, el concierto es en realidad una trampa.

La policía está buscando a un asesino en serie llamado The Butcher, del que tienen información que indica que estará en este concierto. La búsqueda, dirigida por la Dra. Grant (Hayley Mills), significa que no hay forma de salir del estadio sin que la policía interactúe con The Butcher. Sin embargo, Shyamalan le da el giro de "The Trap" desde el principio, ya que descubrimos que Cooper es The Butcher y debe encontrar una manera de salir del concierto sin ser detectado.

Una vez más, tenemos una idea sólida de Shyamalan, con giros y sorpresas. Pero, por desgracia, su guión está repleto de demasiadas elecciones extrañas, coincidencias, exposición y decisiones raras que son más satíricas que tensas. Por ejemplo, con una sonrisa amistosa y estando en el lugar correcto en el momento correcto, Cooper rápidamente tiene una radio policial, una placa de identificación para el estadio y sabe la contraseña para pasar las barricadas policiales. Si bien se nos dice que Cooper es un genio criminal que no se asustará bajo presión, constantemente considera tomar decisiones tontas, como tratar de convencer a su hija de colarse debajo del escenario fuertemente custodiado mientras se lleva a cabo el concierto de Lady Raven. Podemos ver la intensidad de Cooper cuando está silencioso y calculador, gracias a la actuación de Hartnett, pero cuando Shyamalan siente la necesidad de poner eso en palabras, falla en el intento.

Pero esto no es culpa de Hartnett, que parece encantado de tener un papel en el que pueda hincarle el diente de esta manera. Cooper habla de cómo tiene dos vidas que mantiene separadas, y algunos de los mejores momentos de Hartnett son cuando podemos ver que estas dos están chocando juntas en su cabeza, todo mientras él tiene que mantener su buena impresión con su hija. Hartnett cambia de una identidad a otra en un instante, y podemos verlo luchando con este nuevo desarrollo en cada escena.

Sin embargo, los problemas de "The Trap" se encuentran en la realización cinematográfica, desde las inusuales decisiones que toman estos personajes que parecen diferentes a cómo cualquier ser humano ha actuado antes, hasta la simple incapacidad de crear tensión de alguna manera tangible. En un estadio lleno de 20,000 personas, cada uno de ellos actúa como un idiota. A pesar de que el mundo se está derrumbando alrededor de Cooper, nunca sentimos esa presión mientras intenta encontrar una vía de escape. Pero, de nuevo, hay momentos en los que aparece ese viejo Shyamalan, ya sea a través de un intenso primer plano de Hartnett, iluminado por luces rojas deslumbrantes, gracias al director de fotografía Sayombhu Mukdeeprom ("Call Me by Your Name", "Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives"), o algunos momentos discordantes en los que Cooper ve a alguien que no puede estar allí. Desafortunadamente, estos momentos son demasiado escasos y espaciados entre sí. Mientras estamos en el concierto, Shyamalan está más preocupado por presentar a su hija actuando en el escenario que por el misterio en cuestión.

Sin dar spoilers de la película, hay un momento en el que la estructura de la película cambia, y es ahí donde el viejo Shyamalan empieza a brillar. Podemos sentir la naturaleza claustrofóbica que se volvió tan esencial para su trabajo en los primeros días, y la tensión se siente palpable por una vez. Y aunque parecía que Saleka solo había estado en la película para mostrar su carrera como cantante, en esta sección, ella puede defenderse de manera efectiva, un obstáculo en una película que de otro modo sería bastante rutinaria. Cuando la trama cambia de esta manera, es fácil recordar esas comparaciones con Hitchcock. Podemos comenzar a sentir la intensidad y el estado incómodo en el que esta película claramente ha querido que estemos de principio a fin. Es como si tal vez, solo tal vez, el resto de la película hubiera sido una pista falsa para esto, la verdadera emoción de esta película. Pero como suele ser el caso, Shyamalan una vez más flaquea con decisiones tontas y momentos risibles que niegan la tensión que finalmente está construyendo. Hay promesas, pero pronto nos las arrebatan de las manos.

Al igual que el propio Cooper, "The Trap" siempre da la sensación de estar un poco fuera de lugar, como si no fuera lo que debería ser. No se genera el miedo o la tensión que necesita esta película, y cuando parece estar cerca de alcanzar su potencial, Shyamalan se interpone en su propio camino. Para el hombre que solía ser capaz de hacer que Samuel L. Jackson o las imágenes de un extraterrestre en la fiesta de cumpleaños de un niño fueran una experiencia verdaderamente desconcertante, ahora lucha por hacer de un asesino en serie atrapado una historia intrigante. "The Trap" no es la peor película de Shyamalan, y ciertamente tiene sus momentos, pero ver esos destellos del viejo Shyamalan casi empeora las cosas. En este punto de su carrera, el mayor giro de Shyamalan es su incapacidad para utilizar las herramientas que una vez lo convirtieron en un cineasta tan prometedor.