miércoles, 1 de abril de 2026

Crítica Cinéfila: Ready or Not 2, Here I Come

Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo.



Dicen que cada vez que Samara Weaving suelta su grito único en una película de terror, un ángel recibe sus alas. O, como sería más preciso para esta película en particular, un demonio recibe sus cuernos. Esto se cumplió en "Ready or Not", la oscura y diabólicamente divertida película de terror de 2019 donde Weaving interpretó a Grace, una mujer de clase trabajadora que se casa con un miembro de una familia adinerada que intenta desesperadamente mantener su férreo control sobre el dinero y el poder mediante un trato con el misterioso Sr. Le Bail, quien, resulta ser, la encarnación misma de Satanás. 
 
Sin embargo, dejando a un lado al príncipe de las tinieblas, la figura más destacada de la película fue Weaving, quien consolidó su estatus como una memorable reina moderna del terror y una estrella de acción tremendamente cautivadora. Su grito, en particular, sigue siendo uno de los mejores de todos los tiempos, capaz de exorcizar un miedo profundo y primigenio a la vez que te estremece en tu asiento. Al igual que Grace tuvo que luchar en un juego de escondite de pesadilla donde debía sobrevivir a la persecución de su nueva y asesina "familia" hasta el amanecer, Weaving logró superar la mayoría de las limitaciones de la película y salir ilesa. Incluso cuando todo se hizo pedazos a su alrededor, culminando en un final maravillosamente inesperado y explosivo, ella lo mantuvo todo en pie.  

Uno pensaría que otra película que ofreciera más de Weaving, su carisma ilimitado, su humor sutil y su grito desgarrador sería difícil de arruinar. Sin embargo, de alguna manera, "Ready or Not 2: Here I Come", una secuela sorprendentemente segura que retoma la historia justo donde la dejó su predecesora, pero que decepciona por la falta de nuevas e interesantes direcciones propias, y más bien cometiendo nuevos errores. Es más grande y cuenta con un elenco más amplio, que incluye a los interpretados por Sarah Michelle Gellar, Shawn Hatosy y, brevemente, el encantador David Cronenberg, con quien Weaving debe volver a enfrentarse. Pero a medida que el alcance se expande, la creatividad se reduce, dejando a Weaving con aún más trabajo pesado, ya que la película simplemente se siente como si estuviera repitiendo lo que ya vimos la primera vez. Tiene más momentos de absurdo macabro, pero poca profundidad temática, acción atractiva o terror bien filmado. Si bien Weaving está sensacional una vez más, logrando sacar el máximo provecho de los pocos recursos con los que cuenta casi por pura fuerza de voluntad, es una película a la que preferirías decir "no" y quedarte con la original. 

Dirigida por el dúo, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, a partir del guion de Guy Busick y R. Christopher Murphy, también de regreso, la película comienza donde terminó "Ready or Not", con la genial frase de los suegros. Esta frase, que fácilmente podría haber parecido un momento cómico simple y forzado, cobró vida gracias a la manera cansada e impasible con la que Weaving, cubierta de sangre, la pronunció, asegurando que volviera a ser genuinamente ingeniosa. Tal inspiración brilla por su ausencia aquí, ya que "Ready or Not 2" inmediatamente se encuentra construyendo torpemente a partir de esto al mostrar a Grace desmayándose después de la broma y siendo llevada al hospital. Con cada descarga del desfibrilador, vemos breves destellos de momentos memorables y más genuinamente amenazantes de la primera película. Esta segunda entrega no se hace ningún favor al recordarnos las fortalezas que hicieron de su predecesora un éxito, pero al menos hay algo efectivo en la forma en que introduce estos recordatorios en el inicio. Por desgracia, llegamos a un hospital donde todo se paraliza y nos bombardean con explicaciones de todo lo que sucedió antes. La película se explica una y otra vez, aunque rara vez se siente la misma energía que la primera entrega. 

Es en el hospital donde Grace es interrogada por un detective. Allí se reencuentra con su hermana, Faith (Kathryn Newton), con quien aún mantenía como su contacto de emergencia, explica lo sucedido y se ve envuelta de nuevo en el mismo juego del gato y el ratón del que apenas logró escapar. Solo que esta vez, no se trata de un matrimonio, sino el Alto Asiento del Consejo (que básicamente otorga el control del mundo), que cuatro familias intentan hacerse con el poder. Quien mate a Grace y Faith ocupará ese puesto, aunque si sobreviven hasta el amanecer, todos los miembros de las familias rivales explotarán en una masa sangrienta. Vemos muchas más explosiones, pero mientras que la primera película las utilizaba como un desenlace increíblemente satisfactorio, la secuela recurre una y otra vez a la violencia gratuita con resultados cada vez menos efectivos. 

Gran parte de esto, salvo un puñado de chistes más oscuros y divertidos, como uno en el que vemos cómo el patriarca postrado en cama de Cronenberg puede ejercer poder inmediato en una guerra con una sola llamada telefónica, o todo lo que rodea al pequeño y malvado abogado de Elijah Wood que lo supervisa todo, resulta extrañamente tedioso. Mientras que "Ready or Not" fue directamente al grano, "Ready or Not 2" se entretiene más, salpicada de explosiones sangrientas que no impactan tanto como la primera vez. El hecho de que trate la película original con una referencia extraña, incluyendo una escena desconcertante donde Grace se pone su vestido de novia ensangrentado y zapatillas amarillas como si fuera una superheroína preparándose para la batalla, solo pone a prueba aún más la credulidad cuando no se esfuerza de la misma manera por justificar su propia existencia. Mientras que "Ready or Not" se sentía genuinamente fresca y divertida al mezclar elementos familiares del género, "Ready or Not 2" simplemente repite la misma fórmula. En realidad, nunca da miedo ni genera tensión; el mayor temor no proviene de la película, sino de sus creadores, que parecen reacios a correr riesgos reales. 

Sigue siendo divertido ver a Weaving cocinar, especialmente en cómo minimiza escenas clave para lograr un efecto cómico, pero gran parte de la película se pierde en el laberinto del enorme complejo turístico que Grace y Faith deben recorrer. Repite los patrones cada vez más tediosos del dúo corriendo, siendo atrapadas, participando en secuencias de lucha rígidamente filmadas y luego corriendo de nuevo mientras se insinúan torpemente algunos detalles expositivos sobre su distanciamiento. No es aburrida en sí, ya que siempre hay mucho que sucede, pero es bastante básica, recurriendo a menudo a artificios predecibles para mantener la acción. Hay algunas traiciones, giros y revelaciones, aunque la estructura de la película hace que no te involucres en ellas cuando surgen. La cinematografía se siente plana y monótona, con pocas composiciones interesantes que se queden grabadas en la memoria. 

Es una lástima, ya que un complejo turístico, especialmente uno con campo de golf, es un lugar ideal para crear grandes películas que lo utilicen como escenario (recordemos películas como "The Hunt" que aprovechan ese tipo de espacios). Estos lugares son prístinos y hermosos, aunque también inquietantemente artificiales, y a menudo ocultan una violencia latente. Desafortunadamente, "Ready or Not 2" carece de brillantez visual al explorar esta realidad. Lo único que termina revelando es la dolorosa falta de audacia de la película, tanto en sus aspectos técnicos como temáticos. No hay mucho a lo que aferrarse, salvo la actuación de Weaving. La incorporación de Newton no aporta nada destacable, aparte de las superficiales disputas entre hermanos y un sentimentalismo forzado que la película no se gana. Mientras que la original triunfaba por su sencillez, la mayoría de las expansiones de esta secuela resultan superfluas y restan protagonismo al personaje principal.

Weaving tiene un momento hacia el final donde logra ofrecer algo más complejo con una decisión inesperada de Grace, lo que complica la trama de la película. Sin embargo, llega demasiado tarde para dejar huella. En cambio, repite el final que ya vimos la primera vez. Hay sangre por todas partes, pero carece de emoción. Para una película de terror que supuestamente trata sobre cómo vivir la vida a tu manera y no bajo las crueles reglas de los ricos, es decepcionante que "Ready or Not 2" ofrezca más de lo mismo, o peor. Incluso cuando se atreve a ser impactante, no tiene fuerza. Solo queda el eco de lo que antes era mejor. Uno la ve deseando que a Weaving le hubieran dado más material con el que trabajar, o al menos, más espacio para que su icónico grito nos estremeciera una vez más.


martes, 17 de marzo de 2026

Temporada de premios 2026: Ganadores a la 98va entrega de los Premios de la Academia

"One Battle After Another" fue nombrada mejor película en la 98ª edición de los Premios Óscar, que se entregaron el domingo.



La dramedia de PTA se llevó seis premios Óscar en total. Paul Thomas Anderson también ganó el premio a mejor director y mejor guion adaptado, siendo estas sus primeras victorias en la Academia. Sean Penn, quien no estuvo presente en la ceremonia, ganó el premio a mejor actor de reparto, estableciendo un récord con su victoria en la historia de los Óscar. 

Este año, los Óscar añadieron una nueva categoría, la primera desde que se introdujo el premio a la mejor película de animación en 2002,  que reconoce el mejor reparto. Cassandra Kulukundis ganó el Óscar por "One Battle After Another".

Por otra parte, Sinners se llevó cuatro estatuillas. Michael B. Jordan fue nombrado mejor actor , mientras que Ryan Coogler ganó el premio al mejor guion original por su película, que también se alzó con el premio a la mejor banda sonora original para Ludwig Goransson y a la mejor fotografía para Autumn Durald Arkapaw, quien se convirtió en la primera mujer en ganar este galardón.

Las películas One Battle y Sinners impulsaron a Warner Bros. a una noche de éxito récord.

Jessie Buckley fue nombrada mejor actriz por "Hamnet". Amy Madigan ganó el premio a mejor actriz de reparto por su papel en Weapons .

La película KPop Demon Hunters ganó el Oscar a la mejor película de animación , mientras que la canción "Golden" de la película se convirtió en la primera canción de K-pop en ganar un Oscar, en la categoría de mejor canción original.

Frankenstein se alzó con tres premios: a mejor diseño de vestuario, mejor maquillaje y peluquería, y mejor diseño de producción.

Este año, la Academia también ha decidido incluir solo dos interpretaciones en vivo de dos canciones nominadas:  «Golden» de  KPop Demon Hunters  y «I Lied to You» de  Sinners , con el fin de agilizar la ceremonia y que termine a tiempo. El programa también incluyó homenajes a varias estrellas que fallecieron durante el último año, entre ellas Rob Reiner, Robert Redford, Diane Keaton y Catherine O'Hara .

La 98.ª edición de los premios,  presentada por Conan O'Brien por segundo año consecutivo, se transmitió en vivo por ABC y Hulu desde el Dolby Theatre en Los Ángeles. 

A continuación, la lista completa de ganadores:


Best Picture: One Battle After Another (Warner Bros.); Adam Somner, Sara Murphy and Paul Thomas Anderson, Producers
Bugonia (Focus Features); Ed Guiney & Andrew Lowe, Yorgos Lanthimos, Emma Stone and Lars Knudsen, Producers
F1 (Apple); Chad Oman, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Joseph Kosinski and Jerry Bruckheimer, Producers
Frankenstein (Netflix); Guillermo del Toro, J. Miles Dale and Scott Stuber, Producers
Hamnet (Focus Features); Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg and Sam Mendes, Producers
Marty Supreme (A24); Eli Bush, Ronald Bronstein, Josh Safdie, Anthony Katagas and Timothée Chalamet, Producers
The Secret Agent (Neon); Emilie Lesclaux, Producer
Sentimental Value (Neon); Maria Ekerhovd and Andrea Berentsen Ottmar, Producers
Sinners (Warner Bros.); Zinzi Coogler, Sev Ohanian and Ryan Coogler, Producers
Train Dreams (Netflix); Marissa McMahon, Teddy Schwarzman, Will Janowitz, Ashley Schlaifer and Michael Heimler, Producers

Best Director: One Battle After Another (Warner Bros.), Paul Thomas Anderson 
Hamnet (Focus Features), Chloé Zhao
Marty Supreme (A24), Josh Safdie
Sentimental Value (Neon), Joachim Trier
Sinners (Warner Bros.), Ryan Coogler

Best Actress: Jessie Buckley in Hamnet (Focus Features) 
Rose Byrne in If I Had Legs I’d Kick You (A24)
Kate Hudson in Song Sung Blue (Focus Features)
Renate Reinsve in Sentimental Value (Neon)
Emma Stone in Bugonia (Focus Features)

Best Actor: Michael B. Jordan in Sinners (Warner Bros.)
Timothée Chalamet in Marty Supreme (A24)
Leonardo DiCaprio in One Battle After Another (Warner Bros.)
Ethan Hawke in Blue Moon (Sony Pictures Classics)
Wagner Moura in The Secret Agent (Neon)

Best Supporting Actress: Amy Madigan in Weapons (Warner Bros.)
Elle Fanning in Sentimental Value (Neon)
Inga Ibsdotter Lilleaas in Sentimental Value (Neon)
Wunmi Mosaku in Sinners (Warner Bros.)
Teyana Taylor in One Battle After Another (Warner Bros.)

Best Supporting Actor: Sean Penn in One Battle After Another (Warner Bros.)
Benicio Del Toro in One Battle After Another (Warner Bros.)
Jacob Elordi in Frankenstein (Netflix)
Delroy Lindo in Sinners (Warner Bros.)
Stellan Skarsgard in Sentimental Value (Neon)

Best Original Screenplay: Sinners (Warner Bros.); Written by Ryan Coogler (WINNER)
Blue Moon (Sony Pictures Classics); Written by Robert Kaplow
It Was Just an Accident (Neon); Written by Jafar Panahi; Script collaborators Nader Saïvar, Shadmehr Rastin, Mehdi Mahmoudian
Marty Supreme (A24); Written by Ronald Bronstein & Josh Safdie
Sentimental Value (Neon); Written by Eskil Vogt, Joachim Trier

Best Adapted Screenplay: One Battle After Another (Warner Bros.); Written by Paul Thomas Anderson
Bugonia (Focus Features); Screenplay by Will Tracy
Frankenstein (Netflix); Written for the Screen by Guillermo del Toro
Hamnet (Focus Features); Screenplay by Chloé Zhao & Maggie O’Farrell
Train Dreams (Netflix); Screenplay by Clint Bentley & Greg Kwedar

Best Animated Feature: KPop Demon Hunters (Netflix); Maggie Kang, Chris Appelhans and Michelle L.M. Wong
Arco (Neon); Ugo Bienvenu, Félix de Givry, Sophie Mas and Natalie Portman
Elio (Walt Disney); Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina and Mary Alice Drumm
Little Amélie or the Character of Rain (GKIDS); Maïlys Vallade, Liane-Cho Han, Nidia Santiago and Henri Magalon
Zootopia 2 (Walt Disney); Jared Bush, Byron Howard and Yvett Merino

Best International Feature: Norway, Sentimental Value
Brazil, The Secret Agent
France, It Was Just an Accident
Spain, Sirat
Tunisia, The Voice of Hind Rajab

Best Documentary Feature: Mr. Nobody Against Putin (PINK); David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber and Alžběta Karásková
The Alabama Solution (HBO Documentary Films); Andrew Jarecki and Charlotte Kaufman
Come See Me in the Good Light (Apple); Ryan White, Jessica Hargrave, Tig Notaro and Stef Willen
Cutting Through Rocks; Sara Khaki and Mohammadreza Eyni
The Perfect Neighbor (Netflix); Geeta Gandbhir, Alisa Payne, Nikon Kwantu and Sam Bisbee

Best Casting: One Battle After Another (Warner Bros.); Cassandra Kulukundis 
Hamnet (Focus Features); Nina Gold
Marty Supreme (A24); Jennifer Venditti
The Secret Agent (Neon); Gabriel Domingues
Sinners (Warner Bros.); Francine Maisler

Best Cinematography: Sinners (Warner Bros.), Autumn Durald Arkapaw
Frankenstein (Netflix), Dan Laustsen
Marty Supreme (A24), Darius Khondji
One Battle After Another (Warner Bros.), Michael Bauman
Train Dreams (Netflix), Adolpho Veloso

Best Costume Design: Frankenstein (Netflix); Kate Hawley
Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Deborah L. Scott
Hamnet (Focus Features); Malgosia Turzanska
Marty Supreme (A24); Miyako Bellizzi
Sinners (Warner Bros.); Ruth E. Carter

Best Makeup and Hairstyling: Frankenstein (Netflix); Mike Hill, Jordan Samuel and Cliona Furey
Kokuho (GKIDS); Kyoko Toyokawa, Naomi Hibino and Tadashi Nishimatsu
Sinners (Warner Bros.); Ken Diaz, Mike Fontaine and Shunika Terry
The Smashing Machine (A24); Kazu Hiro, Glen Griffin and Bjoern Rehbein
The Ugly Stepsister (Independent Film Company/Shudder); Thomas Foldberg and Anne Cathrine Sauerberg

Best Production Design: Frankenstein (Netflix); Production Design: Tamara Deverell; Set Decoration: Shane Vieau
Hamnet (Focus Features); Production Design: Fiona Crombie; Set Decoration: Alice Felton
Marty Supreme (A24); Production Design: Jack Fisk; Set Decoration: Adam Willis
One Battle After Another (Warner Bros.); Production Design: Florencia Martin; Set Decoration: Anthony Carlino
Sinners (Warner Bros.); Production Design: Hannah Beachler; Set Decoration: Monique Champagne

Best Film Editing: One Battle After Another (Warner Bros.); Andy Jurgensen
F1 (Apple); Stephen Mirrione
Marty Supreme (A24); Ronald Bronstein and Josh Safdie
Sentimental Value (Neon); Olivier Bugge Coutté
Sinners (Warner Bros.); Michael P. Shawver

Best Visual Effects: Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon and Daniel Barrett
F1 (Apple); Ryan Tudhope, Nicolas Chevallier, Robert Harrington and Keith Dawson
Jurassic World Rebirth (Universal); David Vickery, Stephen Aplin, Charmaine Chan and Neil Corbould
The Lost Bus (Apple); Charlie Noble, David Zaretti, Russell Bowen and Brandon K. McLaughlin
Sinners (Warner Bros.) Michael Ralla, Espen Nordahl, Guido Wolter and Donnie Dean

Best Sound: F1 (Apple) Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo and Juan Peralta
Frankenstein (Netflix) Greg Chapman, Nathan Robitaille, Nelson Ferreira, Christian Cooke and Brad Zoern
One Battle After Another (Warner Bros.); José Antonio García, Christopher Scarabosio and Tony Villaflor
Sinners (Warner Bros.); Chris Welcker, Benjamin A. Burtt, Felipe Pacheco, Brandon Proctor and Steve Boeddeker
Sirat (Neon); Amanda Vil

Best Original Song: “Golden” from KPop Demon Hunters (Netflix); Music and Lyric by EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seon and Teddy Park
“Dear Me” from Diane Warren: Relentless (MasterClass/Greenwich Entertainment); Music and Lyric by Diane Warren
“I Lied to You” from Sinners (Warner Bros.); Music and Lyric by Raphael Saadiq and Ludwig Göransson
“Sweet Dreams of Joy” from Viva Verdi! (Viva Verdi!); Music and Lyric by Nicholas Pike
“Train Dreams” from Train Dreams (Netflix); Music by Nick Cave and Bryce Dessner, Lyric by Nick Cave

Best Original Score: Sinners (Warner Bros.); Ludwig Goransson
Bugonia (Focus Features); Jerskin Fendrix
Frankenstein (Netflix); Alexandre Desplat
Hamnet (Focus Features); Max Richter
One Battle After Another (Warner Bros.); Jonny Greenwood

Best Live-Action Short:
The Singers (Netflix); Sam A. Davis and Jack Piatt (EMPATE)
Two People Exchanging Saliva (Canal+/The New Yorker); Alexandre Singh and Natalie Musteata (EMPATE)
Butcher’s Stain (Tel Aviv University Steve Tisch School of Film and Television); Meyer Levinson-Blount and Oron Caspi
A Friend of Dorothy; Lee Knight and James Dean
Jane Austen’s Period Drama; Julia Aks and Steve Pinder

Best Animated Short: The Girl Who Cried Pearls (National Film Board of Canada); Chris Lavis and Maciek Szczerbowski
Butterfly (Sacrebleu Productions); Florence Miailhe and Ron Dyens
Forevergreen; Nathan Engelhardt and Jeremy Spears
Retirement Plan; John Kelly and Andrew Freedman
The Three Sisters (Polydont Films/Rymanco Ventures); Konstantin Bronzit

Best Documentary Short: All the Empty Rooms (Netflix); Joshua Seftel and Conall Jones
Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud (HBO); Craig Renaud and Juan Arredondo
Children No More: “Were and Are Gone” (Sky); Hilla Medalia and Sheila Nevins
The Devil Is Busy (HBO); Christalyn Hampton and Geeta Gandbhir
Perfectly a Strangeness (Second Sight Pictures); Alison McAlpine

Crítica Cinéfila: Bridgerton, 4ta temporada

La cuarta temporada de Los Bridgerton se centra en el bohemio segundo hijo, Benedict (Luke Thompson). A pesar de que sus hermanos mayor y menor están felizmente casados, Benedict se resiste a sentar la cabeza... hasta que conoce a una cautivadora Dama Plateada en el baile de máscaras de su madre.



No es la pregunta más atractiva, pero es vital: ¿Cuánto ha aprendido nuestro querido Benedict Bridgerton sobre dinámicas de poder desde el inicio de la cuarta temporada de "Bridgerton" ? Afortunadamente: ¡muchísimo!

Cuando vimos a Benedict (Luke Thompson) a la mitad de la última temporada de la popularísima adaptación de Netflix de la querida serie romántica de la época de la Regencia de Julia Quinn, el segundo hijo de la noble familia que da título a la serie le había hecho una propuesta terrible a su amada. (El libro de Quinn centrado en Benedict se titula "Una oferta de un caballero" y, seguramente, pretende ser gracioso). Si bien entendíamos por qué Benedict pensaría que pedirle a la doncella Sophie Baek (la maravillosa Yerin Ha) que fuera su amante le resultaría atractivo (como miembro de la clase alta británica, no hay manera de que pueda casarse con alguien de una posición inferior; su descubrimiento de que un amigo caballero había convertido recientemente a su amada en amante con gran éxito había resultado ser una gran inspiración), también sabíamos por qué el concepto era tan ofensivo para la propia Sophie.

A lo largo de los cuatro episodios de la primera mitad, la showrunner Jess Brownell y su equipo de guionistas dejaron claro el turbulento pasado de Sophie. Hija de un caballero y una criada, Sophie quedó huérfana a temprana edad y fue obligada a servir a la amargada y mezquina Lady Araminta Gun (Katie Leung). Así que no, que le pidan ser la amante de un hombre rico (aunque sea un hombre rico al que ama) es prácticamente lo peor que le podrían pedir a nuestra heroína. Pero incluso sin que Benedict conozca la verdad sobre la ascendencia de Sophie, gran parte de la cuarta temporada se centra en que él aprenda los entresijos de las dinámicas de poder.

No es tan aburrido ni monótono como parece, porque, a medida que Benedict descubre más sobre el mundo que lo rodea (es decir, todo y todos los que no se rigen por las reglas y costumbres de la alta sociedad), también lo hace "Bridgerton". Y si bien la primera mitad de esta temporada parecía sobrecargada de subtramas, la segunda las desarrolla de forma más equilibrada, incluyendo las penas y los romances tanto de la élite londinense como de las clases más bajas. Al enseñarle a Benedict la riqueza de la vida, "Bridgerton" también empieza a solucionar sus propios problemas con la complejidad de las subtramas.

Sin embargo, nada de eso le quita a la serie su atractivo perdurable: historias de amor apasionadas e intensas. ¡Romance tormentoso! ¡Anhelo! ¡Malentendidos resueltos con un beso (y tal vez incluso una propuesta de matrimonio realmente buena )! Todo eso está disponible en la segunda mitad de la temporada 4, y la combinación de un romance apasionado y una trama mejor equilibrada para todos los que rodean a Bridgerton crea una combinación poderosa. Los fans de los libros de Quinn probablemente no se sentirán decepcionados por la inclusión de algunos de los momentos más memorables de Benedict y Sophie, y si bien la novela sobre su romance está plagada de elementos más desagradables, en la pantalla Benedict y Sophie han sido ligeramente modificados para potenciar su conexión genuina y el respeto mutuo.

Los otros grandes temas de la temporada —en particular el valor del chisme (un clásico en una serie parcialmente construida en torno al popularísimo boletín informativo de Penelope, Lady Whistledown) y el precio de las convenciones (un tema que se ve reforzado por la situación particular de Benedict y Sophie)— son cuestiones importantes y profundas para reflexionar, y "Bridgerton" las aborda con acierto. Y aunque pueda parecer que nuestros amantes dedican muchísimo tiempo a darle vueltas a estos temas (sobre todo Benedict, cuyo amor por Sophie ha transformado su desenfrenada vida en un estado de preocupación constante), esa decisión, en definitiva, hace que el final de la cuarta temporada resulte mucho más merecido.

Pero, antes de todo eso, los últimos cuatro episodios se toman el tiempo para ver qué pasa con todos los demás en el entorno de la pareja, todos igualmente asediados por preguntas sobre chismes, convenciones, romance y su significado. A pesar de haber criticado duramente el mundo del matrimonio (y las convenciones del matrimonio en general), Eloise (Claudia Jessie) vuelve a estar soltera y en el centro de la acción. ¿Es esto un adelanto de lo que (y quién) vendrá en la quinta temporada?

Mientras tanto, Francesca (Hannah Dodd) lucha con su propio matrimonio con el encantador Lord John Stirling (Victor Alli). Si bien la reservada pareja es feliz, la constatación de Francesca de que su vínculo físico podría no ser suficiente la sigue atormentando, afectando su estado emocional, que se ve constantemente perturbado por la vivaz prima de John, Michaela (Masali Baduza). Pero los fans de la serie saben que Francesca y Michaela están a punto de forjar una conexión más profunda, aunque solo sea posible gracias a una profunda tragedia, una de las más desgarradoras que la familia Bridgerton ha tenido que soportar (y esta es una serie que comenzó con la muerte de su querido patriarca).

Una breve visita de Anthony (Jonathan Bailey) y Kate (Simone Ashley) nos recuerda gratamente cómo puede ser un matrimonio amoroso, íntimo y apasionado, incluso dentro de los estrictos límites de la alta sociedad. Su regreso, aunque fugaz, es muy bienvenido, y esperamos que la serie continúe entrelazando historias nuevas con las de sus antiguos compañeros en las próximas temporadas. Al fin y al cabo, la serie se llama "Bridgerton", y echamos de menos a la familia cuando desaparecen. 

Sin embargo, el romance no es el único motor de la historia. Por otro lado, Penelope (Nicola Coughlan) reflexiona sobre su futuro como Lady Whistledown, al igual que Alice Mondrich (Emma Naomi) y Lady Danbury (la siempre majestuosa Adjoa Andoh), quienes también meditan sobre cómo emplear sus días. Un baile de color rosa saca a la luz estas cuestiones (¡y muchas más!) con el estilo suntuoso que solo "Bridgerton" podría ofrecer.

Eso no es todo lo que sucede en los últimos cuatro episodios de la cuarta temporada, pero el verdadero placer de esta entrega reside en ver cómo todo se desarrolla de forma fluida y consecutiva. "Bridgerton" siempre ha tenido dificultades para mantener el foco en su pareja protagonista y, al mismo tiempo, dar cabida a multitud de otras tramas (por no hablar de la inevitable necesidad de preparar al próximo hermano o hermana que tomará el protagonismo), pero la cuarta temporada demuestra que sí es posible, incluso poderoso.

Y, como a Netflix le encanta ofrecer una lista detallada de spoilers que no se revelarán de sus series más populares, lo único que podemos decirles, queridos lectores, es esto: esta temporada y toda su diversión no terminan hasta que aparezcan los créditos finales del último episodio. No se lo pierdan, creemos que es el evento de la temporada.


Crítica Cinéfila: Reality Check, Inside America's Next Top Model

Modelos, jueces y figuras clave de 'America's Next Top Model' analizan el controvertido legado del programa.



¿En qué momento se considera que un programa es un éxito rotundo? ¿Son los índices de audiencia? ¿Son los momentos de conversación informal? ¿Se las arregla de alguna manera para obtener acrónimos en el diccionario Collins? Sea cual sea la métrica que quieras usar, America's Next Top Model fue un fenómeno. Pero también fue un producto de su tiempo, una perpetuación de la invasiva y naciente telerrealidad y de los estándares de belleza que desde entonces, con razón, han caído en desgracia. En "Reality Check: Inside America's Next Top Model", nadie está "sonriendo". La docuserie de tres partes de Netflix es un maratón pandémico con cierta apariencia de autenticidad. Representa a Tyra Banks como un monstruo y a la cultura que permitió que el programa floreciera como profunda problemática.

Basta con una solo volver a verlo hoy en día para darnos cuenta de que probablemente vimos America's Next Top Model en la década equivocada, así que, por una vez, abordo este proyecto con la misma incredulidad de la Generación Z que ha definido el sentimiento retroactivo que ahora lo rodea. Pero, aun así, me quedé realmente impactada. Casi cuesta creer que, no hace mucho, algo así se considerara aceptable. Pero su arraigado sentido de juicio y crueldad es abrumador. Es el tipo de cosas que te hacen darte cuenta de lo necesario que era, y sigue siendo, desafiar las ideas culturales incisivas sobre cuán delgadas deben ser las personas, cómo deben verse sus dientes y piel, y cómo deben pararse, caminar y vestirse para ser consideradas "bellas".

Lo obvio de esta verdad hace que la propia Banks, quien aparece extensamente junto al entrenador de pasarela J Alexander, el director creativo Jay Manuel, el fotógrafo Nigel Barke y el productor ejecutivo Ken Mok, parezca una lunática. Constantemente hace declaraciones grandilocuentes sobre cómo su lucha por conseguir el posicionamiento en el desfile y por conseguir varios modelos atípicos en el elenco fue una especie de esfuerzo pionero para diversificar una industria asfixiantemente restrictiva, pero luego, de todos modos, todos los que participaron en el desfile fueron tratados como basura. Pero igualmente, cómo eso se fue viendo reflejado en el trato al mismo equipo de Tyra, como los J y Nigel, quienes fueron despedidos en un punto en que ellos eran parte de la imagen de ANTM.

Dada la vibra subyacente de TikTok, está editada como un reel de tres horas, alternando entre diferentes entrevistas a sus talentos, clips de archivo del programa y mosaicos de influencers agraviados. Esta sensación frenética puede ser cansona y claramente está destinada a alargar la duración, pero ocasionalmente las cosas se calman y se enfocan de manera más coherente en miniarcos específicos de controversia más abierta, algunos de los cuales son alarmantes. A los concursantes se les pesó en el programa y se les dijo si se veían gorditos, incluso al borde de la muerte, a pesar de que muchos tenían trastornos alimenticios ampliamente conocidos. Una concursante fue inequívocamente presionada para que se sometiera a una cirugía dental para cerrar un hueco en sus dientes; en una temporada posterior, a otra concursante se le aconsejó que se ensanchara el espacio. Una mujer cuya madre había recibido un disparo y quedado paralizada por un exnovio fue obligada a posar en una sesión de fotos celebrando la violencia armada. Un intercambio racial apareció en un episodio; en otro, una de las modelos engañó a su novio de toda la vida, fue filmada haciéndolo y luego tuvo que llamarlo para confesar, lo cual también fue filmado. Se me ocurrió que su postura, sollozando en el suelo, no tiene nada que ver con el modelaje, ni con ser top ni con nada. 

Reality Check establece constantemente paralelismos entre el trato que recibieron las modelos durante su tiempo en el programa y cómo ese trato aún las afecta hoy, en su percepción de sí mismas, de sus relaciones o de sus carreras, y luego aparece Banks para desviar la atención, cómplice de su tormento, alegando que los detalles más sutiles de la producción y la narrativa no eran realmente su territorio.

Es fácil descartar America's Next Top Model como un producto audiovisual para la audiencia moderna, y de manera similar es tentador descartar cualquier crítica contemporánea como intentos de revisionismo quejumbroso. Pero un hilo recurrente en Reality Check es que incluso en ese momento, varios concursantes y miembros de la producción sabían que lo que estaba sucediendo estaba mal, y lo aceptaron de todos modos, generalmente por miedo y otros porque consideraban que eso les garantizaría más audiencia. Esa es una propuesta muy diferente a un programa que simplemente está fuera de contacto. La forma deliberada en que estas mujeres fueron atormentadas y explotadas en nombre del entretenimiento fue macabra incluso en ese momento , y de alguna manera es menos defendible sabiendo que no fue la ignorancia lo que mantuvo a todos en marcha, sino la avaricia común y corriente. "Para bien o para mal", dice Mok en un momento sobre el brutal incidente de engaño, "ese fue uno de los momentos más memorables de Top Model ". Y eso es todo lo que importaba.


martes, 3 de marzo de 2026

Crítica Cinéfila: It was just an accident

Vahid, un modesto mecánico iraní, se ve repentinamente forzado a rememorar su tiempo entre rejas a raíz de un encuentro casual con Eghbal, quien le recuerda a su sádico carcelero. Alarmado, Vahid reúne a sus antiguos compañeros de prisión para verificar la identidad de Eghbal. Pero... ¿Qué harán si resulta ser él?



Jafar Panahi ya no es el cineasta que una vez fue, transformándose de un humanista discreto (en películas como "The White Balloon" y "Offside") a un crítico abierto del régimen iraní, como se revela en su nuevo y contundente thriller político, "It Was Just an Accident". La mayor ironía de ese cambio es que Panahi tal vez nunca se habría vuelto tan explícitamente desafiante con sus perseguidores si el propio sistema no hubiera intentado reprimirlo con tanta dureza. Arrestado varias veces por supuesta propaganda y encarcelado en dos ocasiones (liberado solo después de iniciar una huelga de hambre), Panahi no puede evitar hacer arte, emergiendo entusiasmado y listo para contraatacar.

Lo mismo ocurre con los cinco personajes de "It was just an accident", que se han reunido casi como los ladrones de diamantes de "Reservoir Dogs" tras el atraco para señalar culpables e impartir justicia. Por extraño que parezca (para un drama de ritmo lento con interminables escenas de conducción y un desvío por la sala de maternidad), su mordaz y divertida tarea cruza del absurdo de Samuel Beckett con una de las películas de venganza más furiosas de Tarantino. Cada uno de estos supervivientes jura reconocer al fiscal cojo que los torturó en prisión, aunque ninguno de ellos vio con sus propios ojos al hombre al que llamaban "Peg Leg" y "the Gimp".

A Vahid (Vahid Mobasseri) le vendaban los ojos cada vez que lo golpeaban, pero dice reconocer el sonido de los pasos de pata de palo cuando entra cojeando al taller donde trabaja. Para Shiva (Maryam Afshari), quien se niega a usar velo en su trabajo como fotógrafa de bodas, el olor del hombre lo delata: su apestoso olor a sudor. Mientras tanto, el impulsivo Hamid (Mohamad Ali Elyasmehr) insiste en que es la voz del hombre la que lo transporta a esos días traumáticos, cuando lo interrogaron y amenazaron, y lo dejaron de pie durante horas con una soga al cuello.


¿Y qué si ninguno de estos supervivientes logra una identificación visual positiva? Juntos, seguramente podrán determinar si el hombre atado en el maletero de Vahid es en realidad Eqbal, el opresor que tienen en común. ¿Cómo llegó a ser prisionero de Vahid? Ese es el desenlace del desconcertante primer acto de la película, que comienza con un hombre barbudo (Ebrahim Azizi) conduciendo a casa con su familia. Su esposa embarazada (Afssaneh Najmabadi) y su hija (Delmaz Najafi) bailan al ritmo de la radio cuando oye un cachorro, el sonido de un perro salvaje al ser atropellado por su coche. «Sin duda, Dios lo puso en nuestro camino por algo», razona su esposa, incapaz de comprender cuánto cambiará sus vidas este pequeño accidente.

Según la lógica narrativa tradicional, el público debería estar predispuesto a identificarse con esta familia, que parecen ciudadanos iraníes decentes. En un taller mecánico cercano, Panahi presenta a Vahid, pero no hace nada para despertar nuestra simpatía hacia él. En todo caso, este hombre da la impresión de ser un desaliñado, escondido entre las vigas del edificio como un niño asustado. Algo en la llegada de este extraño ha perturbado a Vahid, y no es hasta el día siguiente, cuando el hombre está solo, que sus motivos cobran protagonismo, ya que acecha y finalmente secuestra al señor con su furgoneta.

Vahid cava una tumba y se dispone a enterrar a su cautivo en un desierto desolado (desierto salvo por un árbol raquítico que parece sacado de una producción western). Sin embargo, su cautivo, presa del pánico, genera la duda justa para que Vahid busque otros testigos. "No hay necesidad de cavar sus tumbas. Ya lo hicieron por sí mismos", dice su amigo Salar (Georges Hashemzadeh), iniciando un diálogo que Panahi parece mantener consigo mismo en la película.

A estas alturas, las víctimas del régimen iraní superan con creces a sus opresores, cuyas medidas draconianas están creando, sin querer, la misma resistencia que intentan reprimir. Cuando la situación llegue a un punto crítico —y llegará—, Panahi se pregunta si la venganza ciudadana debería ser igualmente cruel o si deberían mostrar compasión. ¿Hasta qué punto puede estar lejos la revolución? Es revelador que Panahi ya no cuestione políticas específicas de forma indirecta (como "The Circle" retrató la desigualdad de género y "This Is Not a Film" refutó los límites a la expresión personal), sino que amenace abiertamente a sus amos con una venganza.

Al igual que su compatriota iraní Mohammad Rasoulof ("The Seed of the Sacred Fig"), Panahi sigue trabajando con las manos atadas a la espalda. Salvo Azizi, que interpreta a Eqbal, todos sus actores son aficionados, y gran parte de la producción de bajo presupuesto no se desarrolla en decorados tradicionales, sino a pocos metros de la furgoneta blanca de Vahid, o bien en la parte trasera, donde Shiva ha traído a la novia (Hadis Pakbaten) y al novio (el sobrino del director, Majid Panahi) de una reciente sesión fotográfica.

Su historia es la más desgarradora que escuchamos en una película que rebosa de ira, pero que aun así tarda en desarrollarse. La ira del director no sorprende, aunque el humor puede pillar desprevenido al público, como en una toma de la pareja empujando la furgoneta con su vestido de novia y esmoquin. Mientras la furiosa futura novia le dice al hombre con el que se supone que se casará: «Todo empezó antes que tú, y algún día tiene que acabar». Esa es la moraleja de una película que casi con seguridad volverá a poner en aprietos a Panahi.

Aunque la premisa simple recuerda a ciertos dramas posteriores a la Segunda Guerra Mundial en los que los sobrevivientes reconocen a los culpables nazis que una vez los aterrorizaron, la escalofriante escena final de la película se siente como un llamado a la acción. Durante la mayor parte de su metraje, "It Was Just an Accident" deja sin respuesta si Vahid y compañía tienen al hombre de una sola pierna correcto. En cierto sentido, no importa. La película muestra que aquellos que han sido agraviados, por protestar por condiciones laborales injustas o aparecer vestidos de manera inmodesta en público, ahora están unidos por su maltrato. Las historias de fondo de los personajes se inspiraron directamente en cosas que Panahi escuchó mientras estaba encarcelado, lo que sugiere que no podría haber escrito esta película sin conocer a personas de ideas afines en prisión. Eso significa que incluso si las autoridades toman medidas enérgicas contra Panahi, no está solo.


Crítica Cinéfila: El Agente Secreto

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.



Los créditos iniciales de "El agente secreto", del director Kleber Mendonça Filho, sitúan la escena en Brasil, en 1977, y añaden: "un período de grandes travesuras". Y esa podría ser una descripción breve y apropiada de la película en sí: una travesía traviesa que incluye identidades secretas, policías corruptos, intrigas intrincadas, frivolidades carnavalescas, una pierna amputada en el estómago de un tiburón, acción brutal y sangrienta, un estilo cinematográfico de los años 70 deliberadamente estridente y un toque de reflexión y emoción a lo largo de casi dos horas y media.

¿Tiene todo sentido? No. "El agente secreto" es un caos —no literalmente, ya que, como casi todas las películas de Filho, se desarrolla en Recife, su ciudad natal, en Brasil— y la cohesión y la coherencia no son una prioridad. Pero su desorden forma parte de su encanto y de su esencia; una película que se tomara a sí misma más en serio que esta no permitiría que un tiroteo culminante se convirtiera en una salpicadura de gran guiño casi caricaturesca.

El director se inspira en sus recuerdos de Recife a finales de los 70, en el trabajo de su madre como historiadora oral y en el estilo de cierto cine de la época, con colores vívidos y sobresaturados. No hay nada sutil en la forma en que está filmada "El Agente Secreto", con una película brillante que grita "años 70" antes de que uno siquiera sepa de qué trata.  

De lo que se trata, sin embargo, es de Marcelo (Wagner Moura), un investigador tecnológico que llega a Recife durante la agitada semana de Carnaval. Marcelo huye de algo, pero no sabemos qué, mientras se aloja en un edificio anodino lleno de personajes pintorescos (incluido un gato con dos caras) y supervisado por una anciana que parece albergar muchos secretos. Pero, sobre todo al principio, la historia de Marcelo es solo una de varias líneas narrativas que se mantienen tercamente independientes entre sí: los policías corruptos, sus jefes aún más corruptos, la pierna humana encontrada en el estómago de un tiburón, los dos tipos que parecen ser muy buenos deshaciéndose de otros cuerpos...

Todo empieza a complicarse cuando esos expertos en eliminación son contratados por un poderoso empresario, al que Marcelo se había opuesto cuando intentó cerrar un instituto de investigación años antes. Pero Recife, durante el Carnaval, no es el lugar más fácil para encontrar a alguien, y la vibrante banda sonora brasileña intensifica el ambiente festivo, excepto cuando la música de Tomaz Alves Souza y Mateus Alves aparece para dotar a la película de un siniestro presentimiento.

Pero apenas se instala en el ambiente de thriller de los 70, aparecen un par de jóvenes con iPhones y computadoras Apple para escuchar grabaciones de Marcelo y otros en su época. Es un cambio discordante que parece ocurrir aproximadamente una hora después de comenzar la película, y luego las mujeres desaparecen durante otro largo rato; si bien parecen adiciones extrañas y superfluas a la narrativa, con el tiempo demuestran no ser del todo ajenas.

Por cierto, no hay verdaderos agentes secretos en "El agente secreto". A Marcelo, si ese es su verdadero nombre (no lo es), le dan un trabajo en una oficina que finge ser una estación de policía pero no lo es, mientras que un Udo Kier masticador de escenario aparece para mostrar todas sus cicatrices y la gente murmura conspirativamente a Marcelo, "es juego sucio al más alto nivel" mientras la banda sonora se vuelve más melodramática.

Hay flashbacks, una extraña secuencia de fantasía que involucra a esa pierna amputada corriendo desenfrenada en un parque lleno de gente teniendo sexo, y un tiroteo frenético que se deleita con alegría en mostrar exactamente lo que las balas hacen en la carne, al menos en un estilo propio de una película de acción y un sueño febril. Para un director que se dio a conocer con la intrincada y brillantemente discreta "Neighboring Sounds" en 2012, "The Secret Agent" es inesperadamente salvaje y florida; aunque, para ser justos, Filho iba en esa dirección con su última película narrativa, el febril western de 2019 "Bacurau". (Su última película en Cannes, sin embargo, fue el documental de 2023 "Pictures of Ghosts", un homenaje mucho más comedido a los cines de su barrio natal, uno de los cuales sirve como escenario crucial en "The Secret Agent").

El final trae de vuelta a uno de los investigadores modernos y le da a Moura algo nuevo que hacer. Pretende ser una coda más reflexiva y emotiva, y casi lo consigue. Pero, al llegar solo media hora después de una masacre desenfrenada y un lío sexual en un parque con una pierna amputada, es difícil encontrar el camino hacia la reflexión y la emoción. 1977 fue, al parecer, una época de demasiadas travesuras como para lograr ese cambio de tono.  


martes, 24 de febrero de 2026

Temporada de premios 2026: Ganadores de la 79na entrega de los Premios BAFTA

La ceremonia de la Academia Británica en Londres, presentada por Alan Cumming, vio a la estrella de "I Swear", Robert Aramayo, sorprender a la multitud repleta de estrellas con dos victorias en una noche, además de un honor de casting para la película.



El thriller político de Paul Thomas Anderson, "One Battle After Another", ganó seis premios BAFTA el domingo, mientras que el drama de terror vampírico de Ryan Coogler, "Sinners", obtuvo tres, estableciendo un récord para una película de un cineasta afroamericano. Y la comedia dramática de Kirk Jones, sobre la defensa del síndrome de Tourette,  "I Swear", sorprendió al público en la ceremonia al ganar dos premios votados por la industria y un tercero votado por el público.

La estrella de la película, Robert Aramayo, se marchó del evento con dos estatuillas: una como Estrella Emergente y otra como Mejor Actor, una categoría repleta de estrellas, en la que su victoria provocó una profunda sorpresa entre el público. El otro premio para "I Swear" fue en la categoría de Mejor Reparto.

Las nominaciones a los BAFTA habían preparado un emocionante viaje para los honores de la Academia Británica, con "One Battle After Another" obteniendo 14 nominaciones, superando por poco a "Sinners" con 13, y la rompecorazones shakespeariana de Chloé Zhao, "Hamnet", y la aventura de ping-pong de Safdie, "Marty Supreme", con 11 nominaciones cada uno.

La presidenta de los BAFTA, Sara Putt, inauguró las festividades de 2026 el domingo por la noche, elogiando a los nominados de este año y agradeciéndoles por brindar al público "ventanas a otros mundos y, a veces, sí, un respiro de este". Y elogió la excelencia que han demostrado, "sin algoritmos involucrados".

A continuación, la lista completa de los premios BAFTA 2026 en Londres:

Best Film: ONE BATTLE AFTER ANOTHER Adam Somner, Sara Murphy, Paul Thomas Anderson 
HAMNET Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg, Sam Mendes 
MARTY SUPREME Timothée Chalamet, Anthony Katagas, Eli Bush, Ronald Bronstein, Josh Safdie 
SENTIMENTAL VALUE Maria Ekerhovd, Andrea Berentsen Ottmar 
SINNERS Zinzi Coogler, Sev Ohanian, Ryan Coogler 

Leading Actress: JESSIE BUCKLEY Hamnet 
ROSE BYRNE If I Had Legs I’d Kick You 
KATE HUDSON Song Sung Blue 
CHASE INFINITI One Battle After Another 
RENATE REINSVE Sentimental Value 
EMMA STONE Bugonia 

Leading Actor: ROBERT ARAMAYO I Swear 
TIMOTHÉE CHALAMET Marty Supreme 
LEONARDO DICAPRIO One Battle After Another 
ETHAN HAWKE Blue Moon 
MICHAEL B. JORDAN Sinners 
JESSE PLEMONS Bugonia 

Supporting Actor: SEAN PENN One Battle After Another 
BENICIO DEL TORO One Battle After Another 
JACOB ELORDI Frankenstein 
PAUL MESCAL Hamnet 
PETER MULLAN I Swear 
STELLAN SKARSGÅRD Sentimental Value 

Supporting Actress: WUNMI MOSAKU Sinners 
ODESSA A’ZION Marty Supreme 
INGA IBSDOTTER LILLEAAS Sentimental Value 
CAREY MULLIGAN The Ballad of Wallis Island 
TEYANA TAYLOR One Battle After Another 
EMILY WATSON Hamnet 

Director: ONE BATTLE AFTER ANOTHER Paul Thomas Anderson 
BUGONIA Yorgos Lanthimos 
HAMNET Chloé Zhao 
MARTY SUPREME Josh Safdie 
SENTIMENTAL VALUE Joachim Trier 
SINNERS Ryan Coogler 

EE Rising Star Award (voted for by the public): Robert Aramayo 
Miles Caton 
Chase Infiniti 
Archie Madekwe 
Posy Sterling 

Outstanding British Film: HAMNET Chloé Zhao, Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg, Sam Mendes, Maggie O’Farrell 
28 YEARS LATER Danny Boyle, Andrew Macdonald, Peter Rice, Bernard Bellew, Alex Garland 
THE BALLAD OF WALLIS ISLAND James Griffiths, Rupert Majendie, Tom Basden, Tim Key  
BRIDGET JONES: MAD ABOUT THE BOY Michael Morris, Tim Bevan, Eric Fellner, Jo Wallett, Helen Fielding, Dan Mazer, Abi Morgan 
DIE MY LOVE Lynne Ramsay, Martin Scorsese, Jennifer Lawrence, Justine Cirrocchi, Andrea Calderwood, Enda Walsh, Alice Birch 
H IS FOR HAWK Philippa Lowthorpe, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Emma Donoghue 
I SWEAR Kirk Jones, Georgia Bayliff, Piers Tempest 
MR BURTON Marc Evans, Ed Talfan, Josh Hyams, Hannah Thomas, Trevor Matthews, Tom Bullough 
PILLION Harry Lighton, Emma Norton, Lee Groombridge, Ed Guiney, Andrew Lowe 
STEVE Tim Mielants, Alan Moloney, Cillian Murphy, Max Porter 

Film Not in the English Language: SENTIMENTAL VALUE Joachim Trier, Maria Ekerhovd, Andrea Berentsen Ottmar 
IT WAS JUST AN ACCIDENT Jafar Panahi, Philippe Martin  
THE SECRET AGENT Kleber Mendonça Filho, Emilie Lesclaux 
SIRĀT Oliver Laxe, Domingo Corral 
THE VOICE OF HIND RAJAB Kaouther Ben Hania, Nadim Cheikhrouha 

Costume Design: FRANKENSTEIN Kate Hawley 
HAMNET Malgosia Turzanska 
MARTY SUPREME Miyako Bellizzi 
SINNERS Ruth E. Carter 
WICKED: FOR GOOD Paul Tazewell 

Original Screenplay: SINNERS Ryan Coogler 
I SWEAR Kirk Jones 
MARTY SUPREME Ronald Bronstein, Josh Safdie 
THE SECRET AGENT Kleber Mendonça Filho  
SENTIMENTAL VALUE Eskil Vogt, Joachim Trier 

Adapted Screenplay: ONE BATTLE AFTER ANOTHER Paul Thomas Anderson 
THE BALLAD OF WALLIS ISLAND Tom Basden, Tim Key 
BUGONIA Will Tracy 
HAMNET Chloé Zhao, Maggie O’Farrell 
PILLION Harry Lighton 

Original Score: SINNERS Ludwig Göransson 
BUGONIA Jerskin Fendrix 
FRANKENSTEIN Alexandre Desplat 
HAMNET Max Richter 
ONE BATTLE AFTER ANOTHER Jonny Greenwood 

Sound: F1 Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo, Juan Peralta 
FRANKENSTEIN Greg Chapman, Nathan Robitallie, Nelson Ferreira, Christian Cooke, Brad Zoem 
ONE BATTLE AFTER ANOTHER Jose Antonio Garcia, Christopher Scarabosio, Tony Villaflor 
SINNERS Chris Welcker, Benny Burtt, Brandon Proctor, Steve Boeddeker, Felipe Pacheco  
WARFARE Glenn Freemantle, Mitch Low, Ben Barker, Howard Bargroff, Richard Spooner 

Cinematography: ONE BATTLE AFTER ANOTHER Michael Bauman 
FRANKENSTEIN Dan Laustsen 
MARTY SUPREME Darius Khondji 
SINNERS Autumn Durald Arkapaw 
TRAIN DREAMS Adolpho Veloso 

Animated Film: ZOOTROPOLIS 2 Jared Bush, Byron Howard, Yvett Merino 
ELIO Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina, Mary Alice Drumm 
LITTLE AMÉLIE Mailys Vallade, Liane-Cho Han, Nidia Santiago, Edwina Liard, Claire Le Combe, Henri Magalon 

Editing: ONE BATTLE AFTER ANOTHER Andy Jurgensen 
F1 Stephen Mirrione 
A HOUSE OF DYNAMITE Kirk Baxter 
MARTY SUPREME Ronald Bronstein, Josh Safdie 
SINNERS Michael P. Shawver 

Casting: I SWEAR Lauren Evans 
MARTY SUPREME Jennifer Venditti 
ONE BATTLE AFTER ANOTHER Cassandra Kulukundis 
SENTIMENTAL VALUE Yngvill Kolset Haga, Avy Kaufman 
SINNERS Francine Maisler 

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer: MY FATHER’S SHADOW Akinola Davies Jr. (Director), Wale Davies (Writer) 
THE CEREMONY Jack King (Director, Writer), Hollie Bryan (Producer), Lucy Meer (Producer) 
PILLION Harry Lighton (Director, Writer)  
A WANT IN HER Myrid Carten (Director) 
WASTEMAN Cal McMau (Director), Hunter Andrews (Writer), Eoin Doran (Writer) 

British Short Animation: TWO BLACK BOYS IN PARADISE Baz Sells, Dean Atta, Ben Jackson  
CARDBOARD J.P. Vine, Michaela Manas Malina 
SOLSTICE Luke Angus 
 
British Short Film: THIS IS ENDOMETRIOSIS Georgie Wileman, Matt Houghton, Harriette Wright 
MAGID / ZAFAR Luis Hindman, Sufiyaan Salam, Aidan Robert Brooks 
NOSTALGIE Kathryn Ferguson, Stacey Gregg, Marc Robinson, Kath Mattock 
TERENCE Edem Kelman, Noah Reich 
WELCOME HOME FRECKLES Huiju Park, Nathan Hendren 

Documentary: MR. NOBODY AGAINST PUTIN David Borenstein, Helle Faber, Radovan Síbrt, Alžběta Karásková 
2000 METERS TO ANDRIIVKA Mstyslav Chernov, Michelle Mizner, Raney Aronson-Rath 
APOCALYPSE IN THE TROPICS Petra Costa, Alessandra Orofino 
COVER-UP Laura Poitras, Mark Obenhaus, Olivia Streisand, Yoni Golijev 
THE PERFECT NEIGHBOR Geeta Gandbhir, Alisa Payne, Nikon Kwantu, Sam Bisbee 

Make-up & Hair: FRANKENSTEIN Jordan Samuel, Cliona Furey, Mike Hill, Megan Many 
HAMNET Nicole Stafford 
MARTY SUPREME Kyra Panchenko, Kay Georgiou, Mike Fontaine 
SINNERS Siân Richards, Shunika Terry, Ken Diaz, Mike Fontaine 
WICKED: FOR GOOD Frances Hannon, Laura Blount, Mark Coulier, Sarah Nuth 

Production Design: FRANKENSTEIN Tamara Deverell, Shane Vieau 
HAMNET Fiona Crombie, Alice Felton 
MARTY SUPREME Jack Fisk, Adam Willis  
ONE BATTLE AFTER ANOTHER Florencia Martin, Anthony Carlino 
SINNERS Hannah Beachler, Monique Champagne 

Children’s & Family Film: BOONG Lakshmipriya Devi, Ritesh Sidhwani 
ARCO Ugo Bienvenu, Félix De Givry, Sophie Mas, Natalie Portman 
LILO & STITCH Dean Fleischer Camp, Jonathan Eirich 
ZOOTROPOLIS 2 Jared Bush, Byron Howard, Yvett Merino

Special Visual Effects: AVATAR: FIRE AND ASH Joe Letteri, Richard Baneham, Daniel Barrett, Eric Saindon  
F1 Ryan Tudhope, Keith Alfred Dawson, Nicolas Chevallier, Robert Harrington 
FRANKENSTEIN Dennis Berardi, Ayo Burgess, Ivan Busquets, José Granell 
HOW TO TRAIN YOUR DRAGON Christian Mänz, Francois Lambert, Glen McIntosh, Terry Palmer 
THE LOST BUS Charlie Noble, Brandon K. McLaughlin, David Zaretti 


Crítica Cinéfila: Wuthering Heights

Narra la intensa y romántica relación entre Heathcliff y Catherine Earnshaw en los páramos del condado inglés de Yorkshire. Tras ser criados juntos, su romance se ve pronto frustrado por las barreras sociales, y su pasión prohibida se transforma de romántica a intoxicante en una épica historia de lujuria, amor y locura.



"Te odié, también te amé". Así dice la interpretación lírica de Kate Bush de la retorcida historia de antiamor de Emily Brontë para la historia. Ambientada en los paisajes de Yorkshire envueltos en niebla, "Wuthering Heights" es más fuerte en su faceta más primaria; donde la pasión estalla de la gran fricción causada por la riqueza, la codicia, la posesión y el amor profundamente arraigado que hierve la sangre. Es un texto clave en cuanto a estado de ánimo y crítica social que generó controversia tras su publicación en 1847 por la crueldad representada en sus páginas. Y por eso no sorprende que una cineasta cuyo trabajo provocador ha provocado todo, desde un premio Oscar ("Promising Young Woman") hasta velas inspiradas en el agua del liquido masculino ("Saltburn"), quisiera morderla en una adaptación para la gran pantalla.

Esta es la primera vez que Emerald Fennell no trabaja con una historia original, aunque esta no es una narración fiel, a menos que exista una edición anterior de la novela de Brontë que comienza con el miembro de un hombre ahorcado cobrando vida irónicamente frente a una multitud de espectadores salvajes. La película que sigue, afortunadamente, se centra menos en el impacto. Conocemos a la joven Cathy (Charlotte Mellington), cuyo padre frágil y abusivo (Martin Clunes, una genialidad en el reparto) trae a casa a un niño local para que trabaje como sirviente (interpretado por Owen Cooper, con esa poderosa reflexión que demuestra que su talento va más allá del fenómeno de "Adolescence").

Antes incluso de que Margot Robbie y Jacob Elordi aparecieran en escena como Cathy y Heathcliff, ya adultos, vemos la cinematografía de Fennell en su máximo esplendor. Conjuga el romanticismo gótico con la agreste y ventosa geografía del norte, y retrata visceralmente el amor juvenil y puro que se forja entre ambos, antes de que intervengan el estatus y el deber. Es refrescante verla trabajar en un entorno árido, casi salvaje, un lienzo desolado en el que Elordi y Robbie tienen rienda suelta para jugar.

Hay un toque malcriado en esta iteración de Cathy, Robbie interpretándola como una mujer con peculiaridades mojigatas. Pero su interpretación amanerada del personaje choca un poco en comparación con la actuación incendiaria y gutural de Elordi. Al llegar a Heathcliff recién salido de otro papel intensamente físico ("Frankenstein"), la atracción gravitacional del actor es inmensa, un gigante incluso en contra de vastos paisajes empapados. En algún lugar entre el tormento y la testosterona hay destellos de crueldad que ya hemos visto a Elordi desatar antes, en "Priscilla" y "Euphoria". Mientras el amor de Heathcliff por Cathy se estrella, por un momento, contra las rocas, el actor cambia hábilmente entre el deseo ilimitado, la ternura y algo mucho más duro.

Como en muchos grandes amores, la anticipación es lo mejor. Desesperada por librarse de su padre pernicioso y forjarse una vida mejor, Cathy acepta la propuesta del adinerado y bienintencionado Edgar Linton (Shazad Latif) y se adentra en su opulento mundo. Aquí, Fennell retoma la energía de sus películas anteriores, creando una atmósfera intensa y memorable, desde las texturas interiores y los colores brillantes hasta el suntuoso vestuario reforzado con PVC y la banda sonora de Charli XCX. Todo es suntuoso, pero parte de ese erotismo desbordante que recorría la película se diluye de repente, incluso con la vibrante presencia de Alison Oliver, como Isabelle, la hermana de Edgar.

La novela de Brontë tiene notablemente más trama que la reimaginación de Fennell, y si bien la película no necesita una narrativa más densa, podría beneficiarse de una mayor solidez, especialmente cuando Cathy y Heathcliff pelean y fornican como adolescentes, oscilando entre la lujuria y el odio. "Te odié, también te amé" está muy bien, pero aquí la apuesta se vuelve más moderada a medida que el estilo se impone. La película está innegablemente realizada con mucha atención al detalle visual, y Fennell, quien rápidamente se ha convertido en una de las exportaciones más populares de Hollywood en Gran Bretaña, sin duda ha dado un paso al frente como cineasta en términos de alcance. Pero si "Wuthering Heights" hubiera sido más realista, el peso de este trágico romance habría sido más fuerte. Se pierde en diálogos que se aplanan mientras se lanzan, y abusa del uso de modernismos en una historia que está supuesta a ser de época. 

Al final, Fennell lo da todo en esta adaptación de ensueño febril, que deleita los sentidos a la vez que muestra el creciente poder estelar de Elordi. Pero su energía eléctricamente erótica no se mantiene hasta el final.


miércoles, 18 de febrero de 2026

Crítica Cinéfila: Hamnet

La historia de Agnes, la esposa de William Shakespeare, en su lucha por superar la tragedia familiar que irrumpe en su vida. Una historia con el telón de fondo de la creación de una de las más conocidas e importantes obras de Shakespeare, 'Hamlet'.



La primera vez que vemos a Agnes (Jessie Buckley), está acurrucada y dormida al pie de un árbol gigante, cubierto de musgo. Vestida de rojo y morado, parece una flor, o quizás un órgano: un corazón abierto, listo para ser arrancado y abrazado. Junto a ella yace un vacío, un hueco bajo las raíces, tan profundo y oscuro que no parece nada en absoluto. En Hamnet , la última película de la directora ganadora del Óscar por Nomadland, Chloé Zhao, ambos elementos siempre van de la mano: alegría y miedo, amor y pérdida. Uno se alimenta del otro en un ciclo tan antiguo como la vida misma, e inevitable. Pero así como su William Shakespeare (Paul Mescal) convierte el dolor de estar atrapado entre ambos en la obra maestra que es Hamlet, Zhao aprovecha esos elementos para crear algo hermoso y catártico.

La primera vez que Will ve a Agnes, ella regresa de esa misma estancia en el bosque. Él está dentro, supuestamente dando clases particulares de latín a los hermanos de ella, pero lo distrae verla desde su ventana. La sigue al granero y le pregunta su nombre. Ella se niega tímidamente y se deja besar antes de responder. Su atracción es tan innegable que lo que representan para el resto del mundo apenas importa.

En un abrir y cerrar de ojos, ambos se escabullen por el bosque y se esconden en cobertizos, entablando un romance apasionado que saben perfectamente que ninguna de las dos familias aprobaría. La madre de Will, Mary (Emily Watson), ha oído rumores de que Agnes es hija de una bruja del bosque. El hermano de Agnes, Bartholomew (Joe Alwyn), aunque más abierto de mente, le pregunta por qué se ataría a "un erudito de rostro pálido". Pero sus opiniones dejan de importar cuando ella se queda embarazada, lo que deja a los felices futuros padres sin otra opción que casarse y formar una familia que con el tiempo incluirá tres adorables hijos.

El primer acto de Hamnet, que Zhao escribió con Maggie O'Farrell basándose en la novela de esta última, es una maravilla. El aprecio de Zhao por la grandeza natural brilla a través de ella, al igual que su atención al detalle. El director de fotografía Lukasz Zal captura la vasta exuberancia del bosque donde Agnes y Will se enamoran por primera vez en generosos planos generales que a veces hacen que la pareja parezca criaturas del bosque, y el diseñador de sonido Johnnie Burn evoca los ritmos tranquilos de la vida cotidiana con la ayuda musical ocasional de la etérea banda sonora de Max Richter.

Hay algo casi primitivo en Agnes, en particular. Es tan natural que, al romper aguas con su primer hijo, se escabulle al bosque para dar a luz sola. María la obliga a dar a luz por segunda vez en casa, y con razón le señala que llueve a cántaros. Pero las necesidades de la sociedad civilizada suelen entrometerse. Agnes podría haberse conformado con vagar por esas colinas para siempre, pero Will es un artista frustrado que incluso ella comprende que tiene la necesidad de estar entre otros creativos en Londres. Ella lo anima a perseguir sus sueños, pero a medida que la carrera de Will despega en la ciudad, ella se muestra cada vez más reacia a abandonar Stratford. Aun así, su vida familiar sigue siendo feliz cuando él está en casa: su único hijo, Hamnet (Jacobi Jupe), es especialmente cercano a su padre y sueña con trabajar con él en el teatro algún día.

Pero es durante su ausencia que ocurre una tragedia impensable, que destroza para siempre el idilio del clan Shakespeare y abre una brecha aparentemente insalvable entre Agnes y Will. Ella se retira, incapaz de seguir adelante y amargada por su ausencia cuando más lo necesitaba. Él parece impaciente por superar la situación, regresando a Londres mientras el dolor aún está presente y se entrega cada vez más a su trabajo.

Mescal está maravilloso como William, en un papel que podría provocar incluso más lágrimas que su melancólico padre joven en Aftersun. Minimiza sus emociones cuando uno esperaría que se excediera, lo que hace que los momentos en que explota sean aún más impactantes. Entre el reparto secundario, Watson merece una mención especial por un devastador monólogo a mitad de la película, en el que resume una de las tesis centrales de la película al afirmar, simplemente, que «Lo que se da se puede quitar en cualquier momento».

Pero es Buckley quien realmente deslumbra, al transformar a Agnes de la niña de espíritu libre a la esposa y madre amorosa, y luego a la mujer frágil y afligida. Enraíza a un personaje que podría haber parecido demasiado etéreo con sentimientos crudos y desnudos; hay un momento en el que grita de dolor hasta quedarse sin voz que arrastra a la audiencia hasta el final en un profundo pesar. Buckley es una actriz que puede transportarte a un viaje completo con solo observar a alguien. Lo hace al principio de la película, cuando Will le cuenta la historia de Orfeo y Eurídice (otra sobre una pareja desdichada y un vacío codicioso). Y lo hace aún más poderosamente en el tercer acto, cuando finalmente descubre lo que Will ha estado haciendo durante sus meses de ausencia.

Al principio, se siente confundida y angustiada al descubrir que su esposo le ha puesto a su nueva tragedia el nombre de su hijo. (Como indica la carta al comienzo de la película, "Hamlet" y "Hamnet" se consideraban el mismo nombre en aquella época). Poco a poco, sin embargo, empieza a comprender cómo Will ha expresado su dolor a través de su obra, transformando así una tragedia sin sentido en una obra maestra significativa que podría conmover a cientos, miles, millones de personas.

Hamnet no muestra con detalle cómo lo logra, ya que Zhao solo menciona brevemente su proceso creativo. Esto encaja a la perfección con la película. La gloria y el terror de los elementos, que nos presentan las primeras tomas de Agnes en el bosque, se transforman, como por arte de magia, en el poder perdurable del arte.


viernes, 13 de febrero de 2026

Crítica Cinéfila: No Other Choice

La historia sigue a un hombre de mediana edad llamado Man-su que se embarca decidido en una búsqueda de trabajo tras ser despedido inesperadamente de la compañía de papel en la que trabajó durante 25 años. 'Si no hay una vacante para mí, tendré que crear una para que me contraten. "No Other Choice" es una adaptación de la novela 'The Ax' de Donald E. Westlake, que ya fue llevada al cine en la película 'Arcadia', dirigida por Costa-Gavras en 2005.




Hay muchísimas películas sobre personas que intentan reinventarse ante una crisis. Pero no hay suficientes películas sobre personas que se niegan violentamente a siquiera considerar esa idea; personas que prefieren matar a alguien antes que encontrar soluciones más sanas. La sombría, brillante y mordazmente hilarante "No Other Choice" de Park Chan-wook es la excepción que confirma la regla. 

Con una trama elaborada y precisa, pero que se desarrolla con el pánico de un hombre desesperado, esta comedia negra cuenta la historia de un especialista en fabricación de papel (el villano de "Squid Game", Lee Byung-hun, como Man-su) que logra la utopía suburbana justo antes de ser despedido de la empresa donde ha trabajado por 25 años. Unos inversionistas estadounidenses han comprado una parte de la empresa, y con ella el derecho a reestructurarla como mejor les parezca. 

La exquisita carne de anguila que Man-su recibió por correo postal debería haber sido la primera señal de que lo estaban despidiendo. En cambio, Man-su la vio como la prueba de que por fin lo había logrado. "Lo tengo todo", suspira frente a la parrilla mientras prepara una barbacoa para su sonriente esposa Miri (Son Yejin) y sus dos hijos en el jardín de la casa arquitectónicamente brutalista que compró como monumento a su éxito. 

Pero ya se acabó. "Que te corten la cabeza" es un estribillo común en Corea cuando despiden a alguien, y Man-su reacciona a la pérdida de su trabajo como si fuera una ejecución. Lucha por encontrar otro trabajo en la industria papelera, que se contrae rápidamente (y por alejar los malos pensamientos sobre su obediente esposa de acostarse con su instructor de tenis), pero hay demasiada competencia en los pocos puestos que quedan, y se niega a considerar otra carrera. 

La única esperanza de Man-su: un puesto en la floreciente Moon Paper, donde trabajaría como subordinado de uno de sus antiguos subordinados. La entrevista es un desastre, pero justo cuando su antigua empresa no tuvo más remedio que despedirlo, Man-su conspira para que los ejecutivos de Moon Paper no tengan más remedio que contratarlo. El negocio del papel es un campo bastante especializado, y Man-su razona que solo tendría que asesinar a tres miserables personas para convertirse en el único candidato viable para el puesto. No parece una cifra descabellada para alguien que está a punto de incumplir su hipoteca, alguien que ya ha sufrido la indignidad de verse obligado a cancelar la cuenta de Netflix de su familia, o alguien que tuvo que mandar los animales de apoyo emocional de su hija de condición especial a casa de sus suegros por no poder alimentarlos. Así que Man-su publica un anuncio de una falsa empresa nueva como cebo para la competencia y orquesta un plan para volver a la cima a base de asesinatos.

O mejor dicho, para quedarse en la clase media alta. Una de las ironías más trágicas de "No Other Choice" es que Man-su llega a extremos descabellados solo para evitar el horror de caer en una categoría impositiva ligeramente inferior. Para él, la línea entre el cielo y el infierno es tan delgada como las paredes de cristal del espectacular invernadero donde Man-su cuida sus bonsáis por la noche. 

Pero la película de Park, a pesar de criticar el capitalismo con el mismo ingenio, tristeza y bufonadas que hicieron que "Parasit[]\" de Bong Joon Ho tuviera tanta repercusión mundial, no trata, de forma deliberada, sobre la pobreza. Si bien Miri ya no puede permitirse añadir carne a la sopa de fideos que prepara para cenar, sus hijos nunca corren el riesgo de pasar hambre. Esta es una historia sobre el sustento de una forma diferente; es una fábula al estilo de "Looney Tunes" sobre cómo el capitalismo se desenvuelve alimentando nuestra autoimagen a la vez que engorda nuestras carteras, y confundiendo lo que hacemos con quiénes somos hasta el punto de que uno se vuelve dependiente del otro. 

Ese sentimiento contagia a la sociedad en casi todos los niveles. La primera parte de la película es mucho más divertida cuando le sucede a otras personas. La risa disimulada —un elemento básico del humor oscuramente humano de Park— surge al ver a Man-su despojándose del uniforme de una tienda al dejar su trabajo para asistir a su entrevista en Moon Paper. Pero al centrarse en un aspirante a la cima como Man-su, "No Other Choice" evita tanto la necesidad como el derecho para dramatizar el dilema, más comprensible, de arraigar toda la identidad en un sistema que te arrancará de la tierra sin pensarlo dos veces. 

Impecablemente espaciosa para una historia tan poco sutil, la película de Park juega con la idea de que el capitalismo es un motor de impunidad moral, una excusa universalmente aceptada para crueldades irreflexivas que en cualquier otro contexto parecerían irreprochables. Y aunque entendemos el esquema general del plan de Man-su desde el principio, es fascinante verlo desarrollarse (y fracasar) porque "No Other Choice" ve su oleada de asesinatos como una extensión natural del capitalismo, en lugar de una extraña aberración. Demente, sí... y no tanto, a la vez.

El resultado es una película poco común que simpatiza con su protagonista sin siquiera apoyarlo, y la elástica interpretación de Lee como Man-su —torpe, patético, engañado por ósmosis y, aun así, apenas un poco peor que nosotros— es clave para equilibrar el tono tragicómico de Park. Fácil de poner los ojos en blanco desde la primera escena y cada vez más testarudo en las siguientes, Man-su empieza lejos de ser agradable y cae mucho más bajo en nuestra estimación a partir de ahí. Pero la naturaleza equilibrista de la trama de la película nos obliga a apreciar la credibilidad de la convicción de Man-su sin necesariamente compartirla (hay una escena estupenda en la que un Man-su inconsciente sermonea a uno de los hombres a los que quiere matar con la misma perspectiva que le hemos estado gritando mentalmente), y nadie en la Tierra puede igualar la habilidad característica de Park para hacer personajes más entrañables a medida que se tambalean hacia el vacío.

En gran parte del trabajo previo del cineasta, esa habilidad se ha expresado con la amplitud de una sinfonía y la precisión de un reloj suizo, pero por muy tentador que sea lamentar que la obra de Park se haya vuelto menos hiperestilizada desde "The Handmaiden" de 2016 (la máxima muestra de su genio), es emocionante ver a uno de los directores más meticulosos del mundo adaptar una historia (de la novela de Donald Westlake de 1997, "The Ax") sobre un imbécil cuya primera idea es dejar caer una maceta en la cabeza de alguien. Imaginen a Wes Anderson colaborando con Joaquin Phoenix y tendrán una vaga idea de la tensión inherente a Park Chan-wook construyendo una película en torno a un tipo como Man-su, que trama como el villano de "Oldboy" o la heroína de "Lady Vengeance", pero ejecuta con toda la gracia del Coyote. Una fuente inagotable de comedia física, Man-su es tan malo matando gente que finalmente empieza a parecer como si él fuera la única persona que no sobrevive a esta película.

"No Other Choice" es inequívocamente un proyecto de Park Chan-wook a primera vista, pero está destinada a existir en un registro cotidiano, y se siente naturalista incluso en comparación con el romanticismo relativamente, y subrayo relativamente , despojado de "Decision to Leave". Ese enfoque más crudo no solo ofrece un giro metatextual a la tensión que está desgarrando a Man-su por las costuras (la que existe entre la resistencia y la reinvención), sino que también crea una tensión más inmediata propia: la que existe entre una película delicadamente arreglada y un personaje principal tan caótico que casi no puedes imaginarlo haciendo algo bien. Permite que "No Other Choice" sea a la vez más grande que la vida y también a solo unos pocos cheques de pago perdidos de una realidad concebible. 

Pero el Man-su que vemos al límite no es el mismo Man-su que ganó el premio más codiciado e insignificante de la industria tan solo unos años antes. Es mejor en algunos aspectos y peor en otros. Y lo que es más importante, era más práctico entonces. Tener un trabajo estable puede tener ese efecto. Ahora le toca a su esposa Miri, otra de las protagonistas femeninas indelebles de Park, ser el último bastión de la lógica de la familia. 

A medida que el arco de Man-su comienza a marchitarse hacia el final de la historia, la cruda violencia de su plan se ve gradualmente eclipsada por metáforas de jardinería y pensamiento mágico, la presencia de Miri se hace más fuerte para equilibrar las cosas. Aunque "No Other Choice" carece de la contundencia emocional de las mejores películas de Park, Miri se convierte en un conmovedor vehículo para todos los sentimientos conflictivos de la película sobre la autoestima y la supervivencia. Es Miri quien se ve obligada a considerar lo que le importa a su familia y con qué estarían dispuestos a vivir o sin qué. Es Miri quien toma las decisiones más difíciles en una película donde todos los demás se niegan a aceptar que tienen alguna opción que tomar. 

La decisión final de Miri es tan fácil de reprender como la decisión inicial de Man-su de convertirse en asesino en serie, pero —para mérito inmenso de una película despreocupada con un impacto sorprendentemente potente— también es igual de difícil de descartar por completo. Se aferra a la única opción que toda esta locura le ha dejado, y mientras el mundo que la rodea cede su último resquicio de autonomía a las exigencias de un futuro apáticamente eficiente, la negativa de Miri a abandonar lo que le queda de sí misma casi se siente como un acto heroico desquiciado. El capitalismo nunca se preocupará por ti, pero la gente siempre estará llena de sorpresas.