Crítica Cinéfila: Avatar - Fire and Ash

Tercera entrega de la saga "Avatar". Presenta al Pueblo de las Cenizas, un clan Na'vi no tan pacífico que utilizará la violencia si lo necesita para conseguir sus objetivos, aunque sea contra otros clanes. 

Necesitamos a James Cameron. Necesitamos al gigante de Hollywood capaz de liderar el progreso tecnológico sin traicionar sus principios creativos. Necesitamos a alguien que rechace la IA generativa, que preserve la experiencia cinematográfica y que respete el talento de sus profesionales de efectos visuales. Algunos se burlaron de Damien Chazelle por incluir el Avatar original de 2009 en su montaje de la historia del cine al final de Babylon (2022). Fueron unos insensatos al hacerlo.

Sin embargo, también puede ser cierto que, con sus 197 minutos de duración, la tercera película de la serie Avatar te haga sentir como un niño inquieto obligado a escuchar un sermón de Pascua. Los asientos más cómodos del cine empiezan a resultar un poco incómodos cuando el grupo de niños Na'vi (más un humano) liderados por Jake Sully (Sam Worthington) se dan palmadas en la espalda con un "Bro!" y discuten como monitores de campamento sobre cómo salvar su preciado planeta Pandora.

El salto en la tecnología de captura de movimiento entre "Fire and Ash" y su predecesora, "The Way of Water", no es tan impresionante; sin embargo, a estas alturas, la capacidad de captar las microexpresiones de un actor empiezan a sentirse como que las personas reales han sido cubiertas con prótesis. Y, ya sea en el combate cuerpo a cuerpo, las banshees con aspecto de dragón o el regreso del tulkun tatuado con aspecto de ballena, hay una infinidad de dinámicas de cámara: tomas en picado, tomas giratorias, primeros planos ajustados.

No obstante, lo que resulta ineludible de "Fire and Ash" es la sensación de estancamiento emocional narrativo. El destino vacacional extraterrestre y bioluminiscente de Pandora conserva una gracia meditativa gracias al uso que hace el compositor Simon Franglen de los temas originales de James Horner. Pero ¿existe una historia que lo impulse? ¿O es simplemente un mundo en el que nos gusta pasar el rato?

Supuestamente, "Fire and Ash" trata sobre los límites de la fe: Jake y Neytiri (Zoe Saldaña) lidian con la pérdida de su hijo mayor, Neteyam, quien fue asesinado en la película anterior. Neytiri se aferra a su compromiso con Eywa, la Gran Madre, al igual que su hija adoptiva, Kiri (Sigourney Weaver), quien nació milagrosamente gracias al avatar Na'vi de una científica humana, Grace Augustine (también Weaver).

Kiri encuentra bloqueado su camino hacia Eywa. Lo mismo le ocurre a la nueva antagonista de "Fire and Ash", Varang (Oona Chaplin), líder chamánica del clan Mangkwan, cuyo hogar fue devastado por una erupción volcánica. Ella cree que Eywa abandonó a su pueblo, por lo que ha jurado lealtad a un poder diferente y más oscuro: las armas de fuego de la fuerza invasora humana colonialista, entre ellos el coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), transformado en Na'vi.

Chaplin es tan escurridiza y extraña en el papel, una seductora con una cerbatana llena de drogas alucinógenas y deseos prometeicos, que inmediatamente emerge como la estrella de la película. Pero es todo un logro cuando el guion de Cameron, coescrito con Rick Jaffa y Amanda Silver, sigue siendo tan frustrante por lo poco que ofrece a sus actores. Lo que debería ser un apasionado choque de ideales entre Jake y Neytiri —lealtad a la familia versus lealtad a la gente— se ve enturbiado por la decisión de intercambiar perspectivas simplemente para avanzar la acción; los personajes adolescentes se desgarran y se unen hasta la saciedad; y la secuencia de acción culminante es en gran medida una repetición de la película anterior.

La propia actitud fetichista de Varang hacia las armas se vuelve irrelevante cuando los héroes también empiezan a disparar; el comportamiento profético de Kiri se ve socavado por el impulso de darle a Weaver un guiño a Aliens. "Fire and Ash" encontrará su lugar en el canon, sobretodo al ver como la audiencia está asistiendo al cine a verla. Pero eso no excusa sus defectos.

Crítica Cinéfila: Wake Up Dead Man - A Knives Out Mystery

El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. 

“Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery” es una obra de misterio y asesinato cautivadoramente ingeniosa y divertida, casi perfecta; una novela policíaca que cumple con las expectativas creadas hace seis años por “Knives Out”, que ofreció su propio y perfecto renacimiento del espíritu de Agatha Christie, con un delicioso toque de descaro meta. Hace tres años, “Glass Onion: A Knives Out Mystery” fue igual de ingeniosa, pero como muchas secuelas de éxitos icónicos, exhibió una cualidad de "a lo grande o vete a casa" que la hizo, al final, un poco demasiado pesada. Seguía siendo buena, pero no tan buena.

"Wake Up Dead Man" nos ofrece lo mejor de ambos mundos. Es una película gótica extensa y profusamente escenificada, y también intenta algo más grandioso que la primera "Knives Out". Pero esta es más arraigada y orgánica que "Glass Onion", y nos devuelve a la ingeniosa trampa de la realidad de la primera película. Estas son películas que usan su astucia elemental para ponernos en contacto con nuestro niño interior de ojos abiertos. Son inmersivas, en ese estilo de "¿qué va a pasar después?", aunque parte de la razón por la que "Wake Up Dead Man" es más cautivadora que "Glass Onion" es que la película funciona tan plenamente a escala humana.

La película se ambienta en un pequeño pueblo del norte del estado de Nueva York, donde Monseñor Jefferson Wicks (Josh Brolin), de pelo canoso y barba, es la versión contemporánea de un líder de culto implacable, que predica la furia bajo la forma de piedad. La primera parte de la película se dedica a adentrarnos en su imperio local de creencias distorsionadas, que se inclina hacia la derecha. Pero en cuanto muere (créanme, esto es solo el preámbulo de la película), su media docena de feligreses se convierten en sospechosos. Y la película se convierte en una película con múltiples matices y, por momentos, casi filosófica.

“Wake Up Dead Man” es a la vez una alegoría guiñando un ojo a la era política que vive Estados Unidos, con Monseñor Wicks como una figura simbólica de Trump y sus seguidores como creyentes verdaderos y comprometidos; una película que se basa en autores desde John Dickson Carr hasta GK Chesterton para jugar con la logística minuciosa del homicidio; un debate tortuoso sobre los temas de la racionalidad vs. la fe, el amor vs. el odio; y un misterio empapado de sangre al estilo “Scooby-Doo” con esteroides barrocos que sabe, a cada paso, que está jugando contigo.

El escritor y director, Rian Johnson, que probablemente recibiría incluso más crédito por mantener la viabilidad de las películas sofisticadas para adultos si no estuviera haciendo las películas de "Knives Out" para Netflix, se le ocurre una forma inspirada de enmarcar la película al elegir a Josh O'Connor, con su sonrisa entusiasta y su ingenuo carisma de cabello rizado, como el reverendo Jud Duplenticy, un joven sacerdote de Albany que es asignado a la parroquia de Wicks después de golpear a un diácono. Jud es un exboxeador que mató a alguien en el ring. Es por eso que se convirtió en un hombre de la iglesia: toda su vida se ha convertido en un viaje de arrepentimiento. O'Connor es el tipo de actor astuto que puede interpretar a alguien que se compromete con Jesús y uno se lo cree, porque te muestra tanto la sinceridad como la lucha, pero también ves al niño escéptico y sonriente que vive dentro del creyente.

Jud quiere hacer lo correcto y ser bueno, pero cuando llega a Nuestra Señora de la Gracia Perpetua, donde ha sido asignado como asistente de Monseñor Wicks (y es visto por Wicks como un desafío a su autoridad que debe ser castrado), lo que encuentra es una iglesia rota que es un semillero de agresión. Johnson lanza la primera de muchas bolas curvas bien lanzadas al sumergirnos en la loca saga de esta iglesia, con su congregación de egocéntricos mezquinos amargados: el escritor de ciencia ficción en una pendiente cuesta abajo (Andrew Scott); el médico cuya esposa e hijos lo abandonaron (Jeremy Renner, en su primer papel desde su accidente); la ex violonchelista que sufre de dolorosas convulsiones y ahora pasa sus días en una silla de ruedas (Cailee Spaeny); la abogada tensa (Kerry Washington) que tuvo que criar al hijo ilegítimo de su padre; y ese hijo adulto, un político conservador ambicionado pero fracasado (Daryl McCormack), que ahora es un fenómeno en YouTube publicando videos voyeuristas. La historia de la iglesia es una deliciosa historia de pecado y castigo, centrada en la madre de Wicks, la "ramera" que destrozó el lugar después de que su padre destruyera su herencia.

La primera señal de que algo anda mal con Wilks es cuando le pide a Jud que le tome la confesión, y esta consiste en que Wilks habla de la frecuencia con la que se ha masturbado en el último mes. Eso tiene un tono intencionadamente gracioso e hiperbólico, pero Josh Brolin no permite que se descarte al personaje como una broma. Es una amenaza de ojos pequeños y brillantes, con sotana, que tiene a su rebaño bajo un hechizo. Lo matan de una forma fascinante, porque es un "crimen imposible", lo que permite a la película recrear cómo funciona ese mecanismo en las novelas policíacas clásicas. En el clímax de su sermón de Viernes Santo (que en sus manos suena más a Viernes Malo), entra en el armario junto al santuario de la iglesia y termina muerto, tendido en el suelo, con la espalda apuñalada por un cuchillo coronado por una cabeza de diablo tallada. ¿Cómo pudo pasar esto? Todo ocurrió en 30 segundos, delante de la congregación, y no había nadie en el armario con él.

Por supuesto, será Benoit Blanc quien resuelva esto, y si el personaje de Daniel Craig en la película anterior fue empujado en una dirección inesperada, aquí vuelve a mostrarse casi desafiantemente indiferente con su hastiada y cansada curiosidad sureña. Craig, esta vez, ofrece lo que yo llamaría su interpretación más rica de Benoit Blanc. Blanc intenta armar un rompecabezas, pero la mayoría de sus piezas se basan en las debilidades humanas que llevan a la gente a cometer actos ruines. Y Blanc intenta resolver lo sucedido viendo el panorama general, sintonizando con los espíritus que guían las cosas y conectando al público con ellos. A lo largo de la película, se burla de la religión, presentando la racionalidad como la única fe verdadera. Sin embargo, la verdadera fe de Blanc reside en la cualidad casi mística que implica ver de lo que es capaz el animal humano. Su nivel de percepción, propio de Sherlock Holmes, se basa en la misma empatía cósmica que el Jud de O'Connor busca como ideal cristiano. Por eso estos dos pueden encontrarse en un punto intermedio.

“Wake Up Dead Man” toma la forma de una película de colegas en la que Blanc y Jud se unen para resolver el crimen. El guion, escrito por Johnson, es una fusión impecable de intriga y confesión. Siempre encuentra nuevas maneras de sorprendernos, de sumergirnos en personajes que inicialmente creíamos típicos. Y la forma en que la película entrelaza temas como el pecado, la culpa, la avaricia y Dios la convierte en un auténtico acto de equilibrio dramático, que plantea la posibilidad de que los personajes resuciten como Jesús. Rian Johnson simplemente se divierte, pero también introduce un toque de indagación espiritual en este thriller de misterio que te deja sin aliento, que es la película más aguda de “Knives Out” hasta la fecha. 

Crítica Cinéfila: It, Welcome to Derry

Precuela de las películas de 'IT' basadas en las novelas de Stephen King. Comienza en la década de 1960, en la época previa a los acontecimientos de la película de 2017, y cuenta los orígenes del payaso Pennywise. 

Basada en la icónica novela de Stephen King de 1986 y precuela de las películas "It" de 2017 y 2019, "It: Welcome to Derry" de HBO, creada por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs, es un intrincado horror psicológico que combina historia, lo sobrenatural, relaciones raciales y miedo intenso. La serie es una historia magistralmente tejida y aterradora sobre los orígenes del monstruoso Pennywise el Payaso (interpretado por Bill Skarsgård, como en las películas). La serie estará ambientada en el pasado, pero sus temas nunca han resonado con tanta fuerza como en el ahora.

“It: Welcome to Derry” comienza un nevado día de enero de 1962 en Derry, Maine. Tras ser expulsado del cine por entrar sin pagar y negarse a regresar a su hogar abusivo, un niño de 12 años (Miles Ekhardt) chupa con furia su chupete de apoyo emocional mientras intenta hacer autostop para salir de la ciudad. Al poco tiempo, una pareja discreta se detiene a recogerlo. Casi de inmediato, el niño se da cuenta de que algo terriblemente siniestro ocurre. Sin embargo, aterrado, no tiene otra opción que tratar de escapar del vehículo. 

Cuatro meses después, el mayor de la Fuerza Aérea de los EE. UU. Leroy Hanlon (Jovan Adepo) aterriza en Derry, donde está previsto que sea destinado para su última asignación. Está esperando con entusiasmo la llegada de su esposa, Charlotte (Taylour Paige), y su hijo de 12 años, Will (Blake James), para que puedan mudarse a su nuevo hogar en la ciudad. Por ahora, el aviador descansará en el cuartel. Desafortunadamente, algunos de sus camaradas no lo reciben con calidez. El racismo ciertamente no es una experiencia extraña para Leroy, pero lo que sí le llama la atención son las rarezas de esta base de la Fuerza Aérea en particular. Leroy y su amigo Pauly Russo (Rudy Mancuso) notan de inmediato las numerosas áreas restringidas, que parecen interferir con tierras sagradas indígenas. Además, un compañero aviador negro, Dick Hallorann (Chris Chalk), tiene privilegios inexplicables y un acceso sin igual al general de alto rango Shaw (James Remar). 

En otra parte del instituto Derry, Lilly (Clara Stack) ha regresado de una estancia en el manicomio de Juniper Hill. Está casi tan marginada como su compañera negra Ronnie (Amanda Christine), cuyo padre, Hank (Stephen Rider), el proyeccionista del cine, está siendo culpado de la desaparición del niño de hace cuatro meses. Desesperada por un resquicio de normalidad y por volver a la vida que conocía antes de Juniper Hill, Lilly se une a Ronnie, decidida a limpiar el nombre de su padre, así como a sus compañeros de clase, Phil (Jack Molloy) y Teddy (Mikkal Karim-Fidler), en un intento por averiguar qué ocurrió realmente aquella nevada noche de enero. El grupo, que más tarde incluye a Will y Rich (Arian S. Cartaya), se embarca en un viaje de terror y horrores sobrenaturales. 

Es innegable la excepcionalidad del elenco juvenil. La base de "It", desde la novela hasta las películas, y ahora con esta serie, examina cómo el mal se infiltra, se transforma y cambia la vida de los niños para siempre. La profundidad emocional del elenco y sus representaciones del miedo y el pánico realmente elevan "It: Welcome to Derry". Lilly, interpretada por Stack, destaca especialmente como una joven aún aterrorizada por la traumática pérdida de su padre, pero desesperada por salvar a sus amigos de experimentar una angustia similar. 

En medio de la paranoia de la Guerra Fría, la temporada de ocho episodios tiene muchos elementos inquietantes, incluyendo sus paralelismos con la actualidad. Los residentes negros e indígenas de Derry apenas son tolerados, pero los horrores del sur de Jim Crow, donde la Guardia Nacional está reprimiendo a los manifestantes, se reproducen en las pantallas de televisión de fondo. Además, el programa toma el tropo del Negro Mágico, doblándolo y girándolo sobre sí mismo para demostrar que las personas negras no están obligadas a arreglar los sistemas rotos que no crearon. La serie también ilustra la estrechez de miras de los adultos, incapaces de comprender y reconciliar la difícil situación de los niños hasta que se ven obligados a enfrentar las cosas que anteriormente se han negado a ver.  

Aunque el tema de la inocencia infantil sigue siendo central en "It: Welcome to Derry", la serie se expande aún más para abordar los problemas que acechan constantemente la esencia de la experiencia estadounidense. El abuso, el racismo, el trauma psicológico, la violación de las tierras indígenas y la militarización son elementos importantes. En definitiva, "It: Welcome to Derry" es una valiosa serie precuela que no solo detalla el surgimiento de Pennywise, sino que también analiza la sociedad para mostrar lo verdaderamente aterradores que podemos ser como seres humanos.

Crítica Cinéfila: Jay Kelly

Jay Kelly es una gran estrella de cine que a sus sesenta años se encuentra en crisis vital y que, ante el homenaje que le va a brindar un importante festival de cine, tendrá que enfrentarse a un ajuste de cuentas personal volviendo a entrar en contacto con todos aquellos que han formado parte de su vida. Y es que todo el mundo conoce a Jay Kelly, pero Jay Kelly no se conoce a sí mismo.

Al ser una estrella importante durante la mayor parte de su vida adulta, Jay Kelly se ha sumergido tanto en su clásica personalidad cinematográfica —sonriente, elegante, heroico— que ya no parece saber quién es fuera del set. Lo más inquietante es que el actor mundialmente famoso ha llegado a disfrutar de esa forma. Como escribió Sylvia Plath: «Es una enorme responsabilidad ser uno mismo. Es mucho más fácil ser otra persona o nadie en absoluto». 

Esa cita sirve como un epígrafe casi opresivamente apropiado para la película de Netflix que Noah Baumbach ha hecho sobre una de las últimas verdaderas estrellas de Hollywood, o dos de ellas, debería decir, ya que Jay Kelly es un sustituto tan transparente para el actor que lo interpreta, que él y George Clooney comparten el mismo corpus de trabajo. Las palabras de Plath ayudan a enmarcar "Jay Kelly" como la historia de un apuesto sexagenario que es conocido por todos y por nadie en igual medida, pero el guion inusualmente precioso de Baumbach, coescrito con Emily Mortimer, no tiene problemas para articular ese dilema en sus propios términos. 

Una frase pegadiza que se aferra a la misma idea: "Todos mis recuerdos son películas". Jay la pronuncia hacia el principio de la película, tan poco después de terminar la producción de una nueva película policial, que bien podría estar leyendo un guion. Hay una punzada de arrepentimiento inmediatamente perceptible en la voz de Clooney, como ese dolor punzante que no puede significar nada serio mientras elijas ignorarlo, pero la verdadera herida de ese diálogo de doble filo no se sentirá hasta mucho después. 

El problema para Jay no es que sus películas sean recuerdos, y que haya ido de un lado a otro durante tanto tiempo que haya olvidado cómo actuar sin las cámaras rodando; eso es un problema, pero también uno que siempre ha logrado resolverse solo. No, el problema para Jay es que sus recuerdos son películas: están congelados en el tiempo, compartidos por todos los que los han visto, y prácticamente imposibles de cambiar una vez que se han cimentado en la imaginación del público. En el set, Jay tiene el poder de volver a ir. De hacer otra toma. De conseguir una más solo por seguridad. En la vida, sin embargo, tiene que vivir con las decisiones que ha tomado. Y a medida que Jay llega a cierta edad y comienza a ser amenazado con homenajes a su carrera, de repente se ve obligado a ver esas decisiones en un verdadero supercorte de gran éxito y profundo recelo. 

Es decir, sí, "Jay Kelly" es un melodrama forzando arrancar algunas lágrimas de la insoportable levedad de ser rico y famoso, pero también es una historia más cercana sobre las compensaciones que todos nos vemos obligados a hacer en esta vida: los caminos sin retorno que tomamos en el largo y circular viaje hacia convertirnos en nosotros mismos. Baumbach carece de la singular habilidad de Sofia Coppola para aprovechar la riqueza de un personaje para el deseo que revela de él, pero él, Mortimer y Clooney comparten una vívida comprensión de los resentimientos que pueden formarse en el espacio entre quiénes somos y cómo nos ven, y de cómo el estrellato puede ampliar ese espacio hasta el punto de que las amistades y las familias pueden caer en él sin ser notadas. 

Es un espacio que Baumbach explora aquí con una delicadeza inusual. Por un lado, el director de "The Meyerowitz Stories" nunca ha sido tan alérgico al sentimentalismo como su obra más quisquillosa podría sugerir, y me resulta difícil reprocharle a los grandes cineastas que se ablanden con la edad; todos deberíamos tener la suerte de llegar a la segunda mitad de nuestras vidas y sentir que el mundo es un lugar más amable y amoroso de lo que alguna vez imaginamos. Por otro lado, ver a un director tan bronco como Noah Baumbach hacer una película tan tiernamente introvertida como "Jay Kelly" puede ser como ver cómo un cuchillo de yugular se desgasta hasta convertirse en una esponja vegetal. 

Aquí, Baumbach compensa esa emotividad a veces exagerada arraigando su película en un lecho de tristeza, uno que añade la melancolía constante de "estaba demasiado ocupado teniendo sexo con estrellas de cine para pasar tiempo con mis hijas". Esa tristeza está arraigada en la historia desde el principio, ya que "Jay Kelly" comienza con la muerte de su mentor llamado Peter (Jim Broadbent), quien dirigió el éxito rotundo de Jay 30 años antes. Peter estaba luchando desesperadamente contra la irrelevancia la última vez que hablaron, y le había rogado a Jay que lo ayudara a sacar adelante su proyecto. Jay sintió que el proyecto era demasiado crudo y vulnerable para su marca, y no le conmovió la apelación de Peter a su deber filial. Al final, Peter no logró financiar la película, y Jay no puede evitar sospechar que eso literalmente lo mató.

Esa sospecha urga algo profundo detrás de los ojos de Jay; es una arruga seria en el rostro de alguien cuyo trabajo le requiere ser una pizarra en blanco con hoyuelos en las mejillas en todo momento, lo suficientemente flexible para desempeñar una variedad de papeles, pero siempre reconociblemente "él mismo". Todo un equipo de personas ha dedicado los mejores años de sus vidas a asegurarse de que Jay nunca tenga que sentir nada peor que una leve incomodidad, su autodestructivo manager Ron Sukenick (Adam Sandler) entre ellos, pero no se dan cuenta de las secuelas de la muerte de Peter hasta que es demasiado tarde. No saben qué va a pasar cuando Jay es atraído a un bar para tomar una copa después del funeral con su viejo amigo de la escuela de actuación Timothy (Billy Crudup), quien se ha convertido en un terapeuta infantil con un serio resentimiento.

Lo siguiente que Ron sabe es que Jay tiene un ojo morado, se retira de la gran película que debe comenzar en unos días y está metiendo a todo su equipo en un avión rumbo a Francia como parte de un plan descabellado para arruinar las vacaciones europeas de su hija adolescente y pasar tiempo de calidad con ella antes de que se vaya a la universidad en otoño. Es el escenario perfecto para una desventura por el continente, pero "Jay Kelly" —más frenético que divertido, y cada vez más inclinado a la revelación melancólica— está más interesado en explorar la vida de la mente bajo una risa irónica continua. Y así, un viaje nocturno en tren que sitúa a Jay entre la gente común se convierte en el escenario de un viaje mental por el carril de los recuerdos, con flashbacks que se burlan de la estrella de cine negándole otra toma. 

Por diseño, "Jay Kelly" logra un equilibrio difícil entre avanzar y quedarse anclado en el pasado. Los largos y emocionalmente imprecisos flashbacks —que muestran a Jay revisitando la audición crucial donde eclipsó a Timothy, un romance que tuvo con una de sus coprotagonistas y una sesión de terapia más reciente a la que asistió con su hija adulta (Riley Keough), de quien está distanciado— buscan servir de contrapeso a la historia sobre un hombre que pierde el control, pero ninguno de ellos brilla con el ingenio habitual de Baumbach, y todos adolecen de un tono ligeramente elevado que solo contribuye a la "irrealidad" de la vida de Jay, haciendo que cada detalle sea aún más difícil de creer. 

Que Clooney simplemente interprete una versión más triste y limitada de sí mismo —alguien que nunca encontró un amor duradero ni formó una familia que le interesara conservar— parecería resolver cualquier problema de verosimilitud, y hay varias secuencias en "Jay Kelly" donde su fama real añade credibilidad al caos que vemos en pantalla (la mayoría relacionadas con un miembro del público fascinado por las estrellas). También hay varios momentos en los que la autorreflexión de la elección de Clooney nos hace creer que el Cary Grant de su época desnuda su alma para nuestra edificación. Que nos saluda tras bambalinas y confiesa la terrible verdad que una parte de nosotros siempre buscó tras cada sonrisa en la alfombra roja y discurso de aceptación de los Globos de Oro. Que no es tan feliz. Que su vida no es perfecta. Que el dinero, la apariencia y una carrera impecable a lo largo de las seis mejores temporadas de cualquier drama televisivo jamás realizado no lo hacen mejor que nosotros, aunque esa tercera cosa objetivamente sí lo haga. 

El último de esos momentos es de una trascendencia desgarradora, ya que Baumbach aplica todo el peso de la iconografía de Clooney a las inquietudes más íntimas de Jay. El problema es que los demás se basan en la personalidad de Clooney para lograr su objetivo y, en marcado contraste con la honestidad implacable de "Funny People", no son lo suficientemente crueles como para convencernos de que Jay pudiera ser un cocker spaniel tan indeciso en su vida privada (hay una razón por la que Ron siempre lo llama "cachorro", además de que Ron se dirige así a todos sus clientes).

No tiene sentido criticar a Clooney por su actuación, ya que nadie lo interpreta mejor, y su atractivo de protagonista pocas veces se ha utilizado con tanta intensidad como en esta película. Por desgracia, su inefable incredulidad también tiene el efecto perverso de hacer que "Jay Kelly" sea menos convincente al mismo tiempo, al menos en la medida en que su personaje principal es interpretado por un hombre que hace que todas sus debilidades sean mucho más difíciles de creer. Estoy seguro de que George Clooney tiene sus propios problemas, pero a nadie le costaría vivir los problemas que se supone que tiene Glooney en esta película. Que los defectos de Jay Kelly choquen con los encantos de George Clooney es precisamente la cuestión, por supuesto: uno simplemente no es rival para el otro. 

Depende del resto del elenco ayudar a nivelar el campo de juego, pero lo único que "Jay Kelly" hace con su circo ambulante es reducirlos uno a uno a medida que se cansan de las travesuras de Jay. Él es el niño grande que los separa de sus verdaderos hijos, indiferente a que él significa más para ellos que ellos para él. Algunos empleados, como su publicista (Laura Dern), se dan por vencidos ante la primera señal de un problema serio. Otros, como Ron, sufren una falacia de costos hundidos demasiado grande como para dejarlo ahora. Sandler es divertido al verlo liderar con resignación silenciosa en lugar de una rabia desenfrenada, pero aquí está protagonizando una película que le da muy poco de qué hacer. Si bien Baumbach usa a Ron para señalar las complicaciones típicamente hollywoodenses de mezclar negocios con placer, y para referirse a la gran cantidad de personas que se ven absorbidas por la identidad personal de una sola estrella de renombre ("Tú eres Jay Kelly", se lamenta Ron, "pero yo también soy Jay Kelly"), el personaje nunca se desarrolla más allá de la tierna encarnación de todo lo que su jefe ha perdido en el camino, incluyendo la autoconciencia, una familia unida y una esposa interpretada por Greta Gerwig. 

Acercarse a otras personas era algo que Jay siempre planeó hacer más adelante, y la perspectiva de recibir un homenaje en un festival de cine toscano es una señal inevitable de que se le acaba el tiempo. Pero los demás siempre iban a ser secundarios ante lo que realmente importa de "Jay Kelly", una película agridulce que impacta con más fuerza como una advertencia sobre los peligros de intentar evitarse a uno mismo en un mundo que solo nos permite actuar como si existiera alguien más. Ser estrella de cine simplemente facilita mucho dejar pasar los papeles para los que se nació, y a luchar eternamente con el "ser, no ser y aparentar ser". 

Crítica Cinéfila: Stranger Things, 5ta temporada (Volumen 1)

Otoño de 1987. Hawkins sigue marcada por la apertura de los portales, y nuestros protagonistas comparten un único objetivo: encontrar a Vecna y acabar con él. Pero ha desaparecido; nadie sabe dónde está ni cuáles son sus planes. Para complicar aún más las cosas, el Gobierno ha puesto la ciudad en cuarentena militar y ha intensificado la búsqueda de Once, que se ve obligada a esconderse de nuevo. A medida que se acerca el aniversario de la desaparición de Will, también crece una inquietud conocida. La batalla final está a punto de empezar, y deberán enfrentarse a una oscuridad más poderosa y letal que nunca. Para acabar con esta pesadilla, deberán estar todos juntos, una última vez.

Las estaciones cambian. Los niños crecen. Los monstruos evolucionan. Una querida serie de streaming llega a su final. La quinta y última temporada de "Stranger Things" arrancó hace dos semanas tras casi tres años y medio de ausencia. Es un reencuentro bienvenido, pero agridulce, para los fans de la serie, que han pasado la última década viendo a un grupo de jóvenes inadaptados (ahora adolescentes) usar sus habilidades de nerd contra enemigos sobrenaturales y mortales en el pueblo ficticio de Hawkins, Indiana.

Will (Noah Schnapp), Mike (Finn Wolfhard), Lucas (Caleb McLaughlin), Dustin (Gaten Matarazzo) y Max (Sadie Sink) y su amiga con superpoderes Eleven (Millie Bobby Brown/Millie Bonnie Bongiovi) ahora están preparados para una batalla final contra su alucinante némesis, Vecna, con un división de la temporada en Volumen 1 con cuatro nuevos episodios; Volumen 2 (tres episodios) que se lanza el día de Navidad y el final llega el 31 de diciembre. Me puedo quejar de la distribución escalonada de los episodios (todos programados para un día festivo, por supuesto), pero la estrategia les da a los espectadores sentimentales (incluyéndome) un poco más de tiempo para desvincularse emocionalmente de la serie.

El final de la serie de Netflix, que pasó de ser una rareza a un éxito de audiencia, marca el fin de una era y, sin duda, el último hito generacional. La Generación Z, que creció en los albores de YouTube y, posteriormente, con la aparición de TikTok, generalmente ha favorecido el contenido de formato corto sobre las producciones más largas; sin embargo, "Stranger Things" se convirtió en la excepción. Los jóvenes fans alargaron su capacidad de atención, viendo temporadas enteras de una serie cuyos episodios podían durar desde una hora hasta más de dos horas. El Upside Down, un universo paralelo oscuro y pegajoso de Hawkins, y sus demogorgons depredadores se convirtieron en parte de su vocabulario de secundaria, de la misma manera que las generaciones anteriores al streaming usaban "ismos" de sus series favoritas.

“Stranger Things” se desarrolla en la era Reagan, así que desde sus inicios, los padres de la generación Z podían ver la serie con sus hijos mientras rememoraban sus propios recuerdos entrañables y/o dolorosos de su infancia en los 80. La década del Day-Glo sigue siendo crucial cuando "Stranger Things" regresa esta semana. Prepárense para un momento de "I Think We're Alone Now" de Tiffany, guiños a grandes bandas como The Fall y una oportuna mención de un condensador de flujo. 

Pero Hawkins no es una fiesta de baile de MTV. El tranquilo pueblo está en cuarentena militarizada. Es por su propia protección y porque el gobierno trama algo malo, una vez más. Nada entra ni sale del lugar sin el conocimiento de las autoridades, a menos que sea introducido de contrabando por el siempre intrigante Murray (Brett Gelman). Lo último que supimos fue que el antagonista Vecna ​​(que adopta múltiples formas) finalmente había abierto las puertas del deslucido Upside Down, fusionándolo con el mundo real. Fue un evento violento, pero la mayoría de los habitantes del pueblo creían que todo ese temblor y ruido se debía a un terremoto. 

Nuestra querida pandilla de nerds de Hawkins lo sabe mejor. Han estado haciendo "rastreos" encubiertos con el objetivo de localizar y destruir a Vecna ​​antes de que convierta la ciudad, y luego el mundo, en un páramo cenagoso. Se unen a la lucha la hermana mayor de Mike, Nancy (Natalia Dyer), el hermano mayor de Will, Jonathan (Charlie Heaton), los amigos Steve (Joe Keery) y Robin (Maya Hawke), la madre de Will y Jonathan, Joyce Byers (Winona Ryder), y el padre adoptivo de Eleven, Jim Hopper (David Harbour). Max está en coma en el hospital. Su consciencia está atrapada en el paisaje mental de Vecna, sin importar cuánto Lucas toque "Running Up That Hill" de Kate Bush para despertarla.

Tras múltiples ataques a su modesto hogar por parte de demodogs y agentes estadounidenses, los Byers han estado viviendo en el sótano de la casa de Mike con su familia, los Wheeler. La menor de los Wheeler, Holly (Nell Fisher), se acerca a la edad que tenía el elenco principal de niños cuando la serie se estrenó en 2016. Y Erica (Priah Ferguson), la hermana pequeña de Lucas, que siempre dice "no te metas conmigo", y que todavía dice las mejores ocurrencias de la serie, ahora está en la clase de ciencias de secundaria del Sr. Clarke.

Elevar las historias de los personajes más jóvenes ayuda a superar la brecha de edad creada cuando el elenco principal de actores infantiles tuvo la audacia de madurar durante la emisión de la serie. Brown tenía 12 años cuando se estrenó la serie. Ahora tiene 21. Los críticos se han quejado de que no deberían interpretar a estudiantes de secundaria. Pero aceptar a Wolfhard, de 22 años, como un Mike adolescente no es una exageración, especialmente considerando todo lo demás en lo que los fans de "Stranger Things" han estado dispuestos a creer ("luces navideñas parlantes", batallas psicoquinéticas, un laboratorio soviético nefasto bajo la zona de restaurantes del centro comercial).

Hay demasiados spoilers alrededor de estos primeros cuatro episodios de la temporada final. Basta decir que hay una megabatalla en el horizonte. Eleven ha estado entrenando duro, perfeccionando sus poderes. Ahora puede lanzar vehículos blindados, saltar sobre grandes edificios y doblegar a las mentes más duras con una mínima hemorragia nasal. Dustin lucha furioso, endurecido por la muerte de su compañero del Club Fuego Infernal, Eddie Munson (Joseph Quinn). Steve y Jonathan siguen compitiendo por la atención de Nancy mientras ella se centra en perfeccionar sus habilidades de tiro. Y la Sra. Wheeler demuestra ser una guerrera formidable cuando se arma con una botella de vino rota y dentada. Las circunstancias de sus hijos originales no han cambiado mucho, pero sus perspectivas sí, lo que genera giros impredecibles en sus poderes, fortalezas y alianzas.

En la última temporada de su pequeña serie, los creadores, los hermanos Duffer, se apoyan en gran medida en las disputas interpersonales y las amistades entre todos los personajes, combinando acción de alto presupuesto con tramas que avanzan sobre personajes que los fans han llegado a adorar. Al fin y al cabo, son los chicos protagonistas de la historia los que nos hicieron quererla más. Y parece que seguirán haciéndolo, hasta el final.

Temporada de Premios 2026: Nominados a la 83ra entrega de los Golden Globe Awards

"One Battle After Another" lidera las nominaciones a los Globos de Oro 2026 , que se anunciaron temprano el lunes por la mañana.

La película de Paul Thomas Anderson obtuvo un total de nueve nominaciones, incluyendo mejor película, director y guionista. "Sentimental Value" obtuvo ocho, seguida de "Sinners" con siete, "Hamnet" con seis y "Frankenstein" y "Wicked: For Good" con cinco cada una. En las categorías de TV, The White Lotus encabeza la lista con seis nominaciones, seguida de Adolescence con cinco y Only Murders in the Building y Severance con cuatro cada una.

Marlon Wayans y Skye P. Marshall anunciaron los nominados de este año la madrugada del lunes en 28 categorías. Los Globos de Oro premiarán a lo mejor del año en cine, televisión y, por primera vez, en podcasts. Además de los premios a la mejor película y serie de televisión, los premios a la actuación en cine y televisión, y los premios a la dirección y al guion en cine, los Globos reconocen la mejor actuación de monólogos cómicos en televisión y, en cine, los logros cinematográficos y de taquilla.

Además de los premios competitivos, los Globos de Oro anunciaron previamente que Helen Mirren recibiría el Premio Cecil B. DeMille de este año y que Sarah Jessica Parker recibiría el Premio Carol Burnett. Tanto Mirren como Parker serán homenajeadas durante el especial de la Noche Dorada en horario estelar el jueves 8 de enero, en CBS y en streaming por Paramount+. Los Globos de Oro 2026, presentados por la maestra de ceremonias Nikki Glaser , se transmitirán en vivo el domingo 11 de enero a las 5 p. m., hora del Este/8 p. m., hora del Pacífico, en CBS y Paramount+.

La productora de los Globos de Oro, Dick Clark Productions, es propiedad de Penske Media Eldridge, una empresa conjunta entre Penske Media Corporation y Eldridge que también es propietaria de The Hollywood Reporter.

A continuación la lista completa de los nominados al Globo de Oro de este año.

CATEGORÍAS DE CINE

Best Motion Picture – Drama

Frankenstein (Netflix)

Hamnet (Focus Features)

It Was Just an Accident (Neon)

The Secret Agent (Neon)

Sentimental Value (Neon)

Sinners (Warner Bros. Pictures)

Best Motion Picture – Musical or Comedy

Blue Moon (Sony Pictures Classics)

Bugonia (Focus Features)

Marty Supreme (A24)

No Other Choice (Neon)

Nouvelle Vague (Netflix)

One Battle After Another (Warner Bros. Pictures)

Best Motion Picture – Animated

Arco (Neon)

Demon Slayer: Kimetsu No Yaiba Infinity Castle (Aniplex, Crunchyroll, Sony Pictures Entertainment)

Elio (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Kpop Demon Hunters (Netflix)

Little Amélie or the Character of Rain (Gkids)

Zootopia 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Cinematic and Box Office Achievement

Avatar: Fire and Ash (Walt Disney Studios Motion Pictures)

F1 (Apple Original Films)

Kpop Demon Hunters (Netflix)

Mission: Impossible – The Final Reckoning (Paramount Pictures)

Sinners (Warner Bros. Pictures)

Weapons (Warner Bros. Pictures, New Line Cinema)

Wicked: For Good (Universal Pictures)

Zootopia 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Best Motion Picture – Non-English Language

It Was Just an Accident (Neon) – France

No Other Choice (Neon) – South Korea

The Secret Agent (Neon) – Brazil

Sentimental Value (Neon) – Norway

Sirāt (Neon) – Spain

The Voice of Hind Rajab (Willa) – Tunisia

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Drama 

Jessie Buckley (Hamnet)

Jennifer Lawrence (Die My Love)

Renate Reinsve (Sentimental Value)

Julia Roberts (After the Hunt)

Tessa Thompson (Hedda)

Eva Victor (Sorry, Baby)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Drama

Joel Edgerton (Train Dreams)

Oscar Isaac (Frankenstein)

Dwayne Johnson (The Smashing Machine)

Michael B. Jordan (Sinners)

Wagner Moura (The Secret Agent)

Jeremy Allen White (Springsteen: Deliver Me From Nowhere)

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy 

Rose Byrne (If I Had Legs I’d Kick You)

Cynthia Erivo (Wicked: For Good)

Kate Hudson (Song Sung Blue)

Chase Infiniti (One Battle After Another)

Amanda Seyfried (The Testament of Ann Lee)

Emma Stone (Bugonia)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy 

Timothée Chalamet (Marty Supreme)

George Clooney (Jay Kelly)

Leonardo Dicaprio (One Battle After Another)

Ethan Hawke (Blue Moon)

Lee Byung-Hun (No Other Choice)

Jesse Plemons (Bugonia)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture

Emily Blunt (The Smashing Machine)

Elle Fanning (Sentimental Value)

Ariana Grande (Wicked: For Good)

Inga Ibsdotter Lilleaas (Sentimental Value)

Amy Madigan (Weapons)

Teyana Taylor (One Battle After Another)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture 

Benicio Del Toro (One Battle After Another)

Jacob Elordi (Frankenstein)

Paul Mescal (Hamnet)

Sean Penn (One Battle After Another)

Adam Sandler (Jay Kelly)

Stellan Skarsgård (Sentimental Value)

Best Director – Motion Picture

Paul Thomas Anderson (One Battle After Another)

Ryan Coogler (Sinners)

Guillermo Del Toro (Frankenstein)

Jafar Panahi (It Was Just an Accident)

Joachim Trier (Sentimental Value)

Chloé Zhao (Hamnet)

Best Screenplay – Motion Picture

Paul Thomas Anderson (One Battle After Another)

Ronald Bronstein, Josh Safdie (Marty Supreme)

Ryan Coogler (Sinners)

Jafar Panahi (It Was Just an Accident)

Eskil Vogt, Joachim Trier (Sentimental Value)

Chloé Zhao, Maggie O’Farrell (Hamnet)

Best Original Score – Motion Picture 

Alexandre Desplat (Frankenstein)

Ludwig Göransson (Sinners)

Jonny Greenwood (One Battle After Another)

Kangding Ray (Sirāt)

Max Richter (Hamnet)

Hans Zimmer (F1)

Best Original Song – Motion Picture

“Dream as One” –– Avatar: Fire and Ash

Music By: Miley Cyrus, Andrew Wyatt, Mark Ronson, Simon Franglen

Lyrics By: Miley Cyrus, Andrew Wyatt, Mark Ronson, Simon Franglen

“Golden” –– Kpop Demon Hunters

Music By: Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seo, Park Hong Jun

Lyrics By: Kim Eun-Jae (Ejae), Mark Sonnenblick

“I Lied To You” –– Sinners

Music By: Raphael Saadiq, Ludwig Göransson

Lyrics By: Raphael Saadiq, Ludwig Göransson

“No Place Like Home” –– Wicked: For Good

Music By: Stephen Schwartz

Lyrics By: Stephen Schwartz

“The Girl in the Bubble” –– Wicked: For Good

Music By: Stephen Schwartz

Lyrics By: Stephen Schwartz

“Train Dreams” –– Train Dreams

Music By: Nick Cave, Bryce Dessner

Lyrics By: Nick Cave

CATEGORÍAS DE SERIES

Best Television Series – Drama 

The Diplomat (Netflix)

The Pitt (HBO Max)

Pluribus (Apple TV)

Severance (Apple TV)

Slow Horses (Apple TV)

The White Lotus (HBO Max)

Best Television Series – Musical or Comedy

Abbott Elementary (ABC)

The Bear (FX on Hulu)

Hacks (HBO Max)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

The Studio (Apple TV)

Best Television Limited Series, Anthology Series or Motion Picture Made for Television

Adolescence (Netflix)

All Her Fault (Peacock)

The Beast In Me (Netflix)

Black Mirror (Netflix)

Dying for Sex (FX on Hulu)

The Girlfriend (Prime Video)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Drama 

Kathy Bates (Matlock)

Britt Lower (Severance)

Helen Mirren (Mobland)

Bella Ramsey (The Last of Us)

Keri Russell (The Diplomat)

Rhea Seehorn (Pluribus)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Drama 

Sterling K. Brown (Paradise)

Diego Luna (Andor)

Gary Oldman (Slow Horses)

Mark Ruffalo (Task)

Adam Scott (Severance)

Noah Wyle (The Pitt)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Musical or Comedy 

Kristen Bell (Nobody Wants This)

Ayo Edebiri (The Bear)

Selena Gomez (Only Murders In the Building)

Natasha Lyonne (Poker Face)

Jenna Ortega (Wednesday)

Jean Smart (Hacks)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Musical or Comedy 

Adam Brody (Nobody Wants This)

Steve Martin (Only Murders in the Building)

Glen Powell (Chad Powers)

Seth Rogen (The Studio)

Martin Short (Only Murders in the Building)

Jeremy Allen White (The Bear)

Best Performance by a Female Actor in a Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture Made for Television 

Claire Danes (The Beast in Me)

Rashida Jones (Black Mirror)

Amanda Seyfried (Long Bright River)

Sarah Snook (All Her Fault)

Michelle Williams (Dying for Sex)

Robin Wright (The Girlfriend)

Best Performance by a Male Actorin a Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture Made for Television 

Jacob Elordi (The Narrow Road to the Deep North)

Paul Giamatti (Black Mirror)

Stephen Graham (Adolescence)

Charlie Hunnam (Monster: The Ed Gein Story)

Jude Law (Black Rabbit)

Matthew Rhys (The Beast in Me)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role on Television 

Carrie Coon (The White Lotus)

Erin Doherty (Adolescence)

Hannah Einbinder (Hacks)

Catherine O’hara (The Studio)

Parker Posey (The White Lotus)

Aimee Lou Wood (The White Lotus)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role on Television 

Owen Cooper (Adolescence)

Billy Crudup (The Morning Show)

Walton Goggins (The White Lotus)

Jason Isaacs (The White Lotus)

Tramell Tillman (Severance)

Ashley Walters (Adolescence)

Best Performance in Stand-Up Comedy on Television

Bill Maher (Bill Maher: Is Anyone Else Seeing This?)

Brett Goldstein (Brett Goldstein: The Second Best Night of Your Life)

Kevin Hart (Kevin Hart: Acting My Age)

Kumail Nanjiani (Kumail Nanjiani: Night Thoughts)

Ricky Gervais (Ricky Gervais: Mortality)

Sarah Silverman (Sarah Silverman: Postmortem)

Best Podcast

Armchair Expert With Dax Shepard (Wondery)

Call Her Daddy (SiriusXM)

Good Hang With Amy Poehler (Spotify)

The Mel Robbins Podcast (SiriusXM)

Smartless (SiriusXM)

Up First (NPR)

Crítica Cinéfila: Wicked: For Good

Segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway. El capítulo final de la historia jamás contada de las brujas de Oz comienza con Elphaba y Glinda distanciadas y viviendo las consecuencias de sus respectivas decisiones. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, ambas deberán unirse una vez más. Con su singular amistad convertida en el punto de inflexión de su futuro, tendrán que mirarse a los ojos con honestidad y compasión para afrontar su transformación personal y cambiar el destino de todo Oz.

El tiempo estándar para los intermedios en Broadway oscila entre 15 y 20 minutos, tiempo suficiente para estirar las piernas, quizás comer algo e ir al baño. ¿Un año entero? Es posible que a cualquiera se le olvide hasta los puntos argumentales y las maquinaciones de los personajes más importantes de cualquier espectáculo. Tal es el caso de " Wicked : For Good" de Jon M. Chu, la segunda entrega de su planeada adaptación en dos películas del aclamado musical "Wicked".

Mientras que la primera parte pertenecía en gran medida a Elphaba, la marginada de Oz de piel verde e incomprendida de Cynthia Erivo, la continuación pone en primer plano a su antigua némesis convertida en su amiga, Glinda, de Ariana Grande. 

Erivo sigue siendo una potencia, con una energía que sacude los cielos y una fuente de intensidad emocional espontánea que nunca se agota. La paradoja es aún más evidente: a pesar de la infamia de Elphaba como la llamada Bruja Malvada del Oeste, la bondad y la justicia inherentes a su oposición a las crueles injusticias y a un gobierno cada vez más autoritario terminan siendo su salvación, aunque ella cargue con la culpa como chivo expiatorio de la historia. Pero la engreída rubia hueca de Grande gana importancia aquí cuando Glinda asume la responsabilidad de difundir la bondad en Oz, mientras experimenta una aplastante decepción romántica que la humilla y desinfla su vanidad.

La película comienza de forma impresionante: meses después de que Elphaba (Erivo) y Glinda (Grande) eligieran caminos completamente diferentes durante una desgarradora separación en la Ciudad Esmeralda, ambas siguen firmemente aferradas a sus respectivos roles.

Elphaba es ahora la Bruja Mala del Oeste, ayudada en parte por la incansable labor de su antigua mentora, Madame Morrible (Michelle Yeoh), quien se ha dedicado a difundir desinformación aterradora a todos los ozianos, con el fin de apoyar a un déspota perdedor (Jeff Goldblum como El Maravilloso Mago de Oz, en esta ocasión aburrido y olvidable). Esto la lleva a asumir misiones descabelladas para lograr su objetivo de derrocar al Mago y deshacer sus numerosas fechorías. La principal preocupación de Elphaba es liberar a los Animales, quienes han sido reclutados para una terrible esclavitud, principalmente porque el Mago comprende perfectamente que para mantener unida a la gente, un enemigo común (real o imaginario) es la clave.

Si Elphaba ha aceptado su papel de villana de Oz, Glinda ha ido un paso más allá como la mayor santa del país. Como Glinda, la Bruja Buena, se pasa el día paseando por Oz, intentando animar a una población que ha sido obligada a temer ciegamente a su mejor amiga. Es un trabajo horrible, si se puede conseguir. Tanto Elphaba como Glinda se han visto obligadas a asumir roles que, si bien en general les sientan bien (Elphaba es una luchadora y líder nata, Glinda valora mucho hacer sentir bien a la gente), en realidad solo sirven para dividir, asustar y herir. ¿Cómo se solucionará esto?

Dos horas después, la respuesta es bastante parecida al aclamado musical, solo que con un par de canciones nuevas (ambas de Stephen Schwartz, incluyendo "No Place Like Home" y "The Girl in the Bubble"), una puesta en escena curiosamente plana y la pregunta constante: ¿por qué se divide en dos partes? Chu y sus guionistas no temen en absoluto ahondar en las terribles implicaciones políticas de los mensajes deshonestos, la politiquería violenta, el ascenso de charlatanes al poder y el abuso de quienes son de alguna manera "diferentes", pero choca con lo más ligero a cada paso. Sí, es difícil tomarse demasiado en serio una película que incluye una canción que dice: "Hay puentes que cruzas/No sabías que cruzabas/Hasta que los cruzaste". 

En “Wicked: For Good”, hay mucha continuidad de la primera, pero la duración no es justificable cuando el ritmo va cayendo y lo que uno busca en una historia, aún sea una segunda parte, ya se ha contado en su antecesora. Lo que funcionó en “Wicked” sigue funcionando. El reparto de Erivo y Grande es lo máximo, y el profundo respeto y amor que comparten los intérpretes, dentro y fuera de la pantalla, realmente mantiene a flote estas dinámicas. Elphaba y Glinda son el alma de esta historia, y es difícil imaginar otro dúo que las represente mejor (o con mejor canto).

Sin embargo, y a pesar de prolongar la duración total de ambas películas a casi cinco horas (el musical dura dos horas y 45 minutos, con un intermedio de 15 minutos), aún quedan grandes preguntas. Pero la decisión de Chu de comenzar "Wicked: For Good" con poco material para ponerse al día es refrescante, aunque su audacia efímera. 

Si bien esta entrega de la franquicia, por necesidad, debe expandirse aún más al vasto mundo de Oz, a menudo se siente ligada a los lugares que ya hemos visitado. La Ciudad Esmeralda y Munchinkland siguen teniendo un lugar destacado, e incluso la querida Universidad Shiz aparece en un flashback (innecesario, junto con otro flashback a la encantadora infancia de Glinda). Breves incursiones al escondite del bosque de Elphaba son un cambio de aire bienvenido (como escenario de una famosa escena de amor entre ella y Fiyero, interpretado por Jonathan Bailey), al igual que otra visita a un tramo remoto del Camino de Baldosas Amarillas, pero estos cambios son escasos y se echan mucho de menos.

Incluso las escenas que implican exploraciones más profundas de nuestros espacios conocidos, incluyendo una escena ambientada en la Ciudad Esmeralda, resultan algo extrañas, cautivadas por un bloqueo extraño que impide al público apreciar la totalidad de una ubicación y oculta puntos focales clave. Sí, en la gran secuencia musical donde experimentamos con mayor intensidad la fuerza del miedo de los ozianos ("La Marcha de los Cazadores de Brujas") y la furia del Boq de Ethan Slater, quizás estaría bien ver alguna expresión facial. Lo mismo ocurre con una secuencia clave en la que Fiyero queda alterado para siempre, y que parece haber sido filmada a ocho kilómetros del Camino de Baldosas Amarillas. Si queremos ver más, no debería ser porque veamos mucho menos de lo absolutamente necesario. Otra toma de campos de tulipanes inmensos no constituye un verdadero viaje a Oz, ni a "Wicked".

Aun así, lo que une a estas dos películas es innegable: la fuerza y ​​el talento de las protagonistas Cynthia Erivo y Ariana Grande. Ambos personajes están firmemente encasillados en sus papeles en Oz, y aun así, Erivo y Grande nunca se sienten tan limitadas, ni en su conmovedora actuación ni en sus imponentes letras.

Al igual que "Wicked", "Wicked: For Good" se convierte en un dueto masivo entre ambos, tan emotivamente impactante que hasta el corazón más hueco derramará una lágrima durante "For Good". Es un momento culminante, sin embargo, también se siente solitario. ¿Vale la pena esperar un año completo y una segunda parte solo por eso? ¿De verdad era necesario extenderlo a una segunda parte?