Crítica Cinéfila: El Secreto del Río

Un niño llega a un pequeño pueblo en México sin saber que ahí surgirá una amistad inesperada y un oscuro secreto que sellará su vínculo para siempre.

Los indígenas zapotecas consideran a los “Muxes” un tercer género; generalmente son hombres que se sienten y visten como mujeres. Pero en "El Secreto del Río" son indicadores del encuentro de identidad y cómo esto no debería ser un tema prohibido. En este nuevo drama mexicano, un niño se muda a un pequeño pueblo de Oaxaca y ve a los Muxes por primera vez, lo que le hace pensar en quién es. Mientras esto sucede, una muerte misteriosa acerca al niño a su mejor amigo.

"El Secreto del Río" es una hermosa historia de autodescubrimiento, pero también es un relato de dos mitades. Esto es quizás irónico dado que la serie se divide básicamente entre las hazañas de dos niños muy diferentes: Manuel y Erik. Los primeros 4 episodios parecen un drama conciso sobre el paso de la infancia a la adultez, con una gran caracterización y una exploración de lo que significa ser una niña o un niño. Sin embargo, la segunda mitad se inclina fuertemente hacia aguas melodramáticas, sacando a relucir puntos de la trama que no fueron resueltos en la primera mitad.

Manuel (Frida Sofía Cruz Salinas) llega a un pequeño pueblo de Oaxaca para quedarse con su abuela Rafaela (Mercedes Hernández). Luisa (Iazua Larios), una amiga de la madre de Manuel, le presenta a su hijo Erik (Mauro Guzmán), que tiene la misma edad. No parecen tener mucho en común; Erik juega baseball, pero a Manuel no le gusta mucho practicar deportes. Sin embargo, a Erik le dijeron que hiciera que Manuel se sintiera cómodo, y los dos comienzan a conectarse cuando Manuel hace algunas cosas atrevidas como quitarles iguanas a los adolescentes que intentan cazarlas, tomar las bicicletas de los cazadores y entrar en un parque eólico restringido.

Cuando Manuel va al mercado a entregar los platos de su abuela a algunos de los vendedores, queda fascinado con Solange (La Bruja de Texcoco), una mujer transgénero. En la cultura zapoteca, a las personas como Solange se las llama Muxes, u hombres que actúan y se visten como mujeres; los zapotecas consideran a los Muxes un “tercer género”, aunque los hombres de mentalidad más tradicional, como el padre de Erik, Jacinto (Jorge A. Jiménez), no están de acuerdo con este comportamiento.

Jacinto no está contento de que Erik sea amigo de Manuel; también lo llama gay y le dice que pasar tiempo con Manuel también podría hacerlo gay. Erik le señala a Manuel que camina y se comporta de manera diferente. A Manuel no parece importarle, y básicamente a Erik tampoco, pero lo dice para cuidar a su nuevo amigo. Pasan el rato en una cueva sobre el río que ha sido el lugar privado de Erik durante años. Por otro lado, Rafaela lleva a Manuel a la residencia de Solange, donde ella y otras mujeres confeccionan vestidos. Solange habla con Manuel sobre las Muxes, y Manuel queda aún más fascinado. También lo ayuda a solidificar su identidad, encontrando consuelo en las Muxes, que lo acogen y alientan al chico a abrazar su verdadera vocación. 

En el centro de "El Secreto del Río" se encuentra la amistad entre Erik y Manuel, que comienza como una amistad bastante cercana y rápida y solo se vuelve más profunda a medida que los dos chicos intentan encubrir lo que sucedió en el río. De ninguna manera tienen la culpa; pero eso no es lo que los chicos van a pensar. Ellos creen que es su culpa, y a medida que se investiga, es probable que los amigos se vuelvan aún más cercanos mientras intentan mantener sus historias coherentes.

Los primeros cuatro episodios están muy bien escritos, con una edición muy cuidada que alterna entre Erik y Manuel. En la segunda mitad, la historia toma un giro predecible, ya que Manuel acepta su verdadera vocación y se convierte en quien nació para ser. Si bien el mensaje sobre aceptar quién eres realmente es admirable, se hace a expensas de un melodrama adicional y puntos de la trama resueltos que se desentierran nuevamente en aras de una tensión adicional. Ciertamente no es malo, pero es un poco decepcionante, considerando lo ajustada que es en realidad la primera mitad de esta serie.

Sin embargo, el pegamento que mantiene todo unido aquí es el vínculo que comparten Manuel y Erik. Realmente tienen una gran química y esto es cierto tanto para los actores niños como para los adultos, aunque los más jóvenes se destacan bastante, con momentos dramáticos tan naturales y la importantísima empatía que generan sus interpretaciones. Particularmente, Frida Sofía como Manuel fue una de las grandes sorpresas. La segunda mitad es donde entran en juego los actores adultos, y es una buena manera de mostrar cómo las personas cambian (o no, como puede suceder a veces) y le da más profundidad a la historia.

El ritmo también es bueno, ya que la serie se ciñe bastante a la estructura de 40 minutos y ofrece una gran cantidad de material. Es un thriller muy sentimental, pero nunca cae en lo cursi o exagerado, a pesar de la naturaleza melodramática de la segunda mitad. Esta es también una de las mejores historias que retrata los problemas de las personas trans y está muy bien contada a lo largo de los 8 capítulos. 

En general, "El Secreto del Río" es un drama decente. Tiene algunos problemas con el ritmo y el tono al final, pero la primera mitad en particular eclipsa los problemas que se presentan hacia el final, además de que aborda los temas con delicadeza y habilidad. 

Crítica Cinéfila: Woman of the Hour

Los Ángeles, 1978. Una aspirante a actriz (Anna Kendrick) se cruza con el asesino en serie Rodney Alcala (Daniel Zovatto) en el plató del popular concurso de televisión The Dating Game.

Casi todas las mujeres tienen una historia: una desconocida que la siguió por un estacionamiento. Un taxista que le hizo preguntas incómodamente personales. Una cita que se volvió terriblemente obsesiva. Una amiga que no aceptaba un no por respuesta. La aterradora banalidad de estos eventos es el motor que impulsa “Woman of the Hour”, el debut como directora de la actriz Anna Kendrick. 

Para su lanzamiento como directora, Anna Kendrick eligió una trama particularmente abrumadora al abordar la historia del notorio asesino en serie Rodney Alcala, quien organizó una aterradora ola de asesinatos en los años 70 en la que se cree que mató a más de 130 mujeres y niñas. La base de la película de Kendrick, Woman of the Hour, se centra en su aparición a plena vista en un episodio de 1978 de "The Dating Game" de ABC, en el que era el soltero con el que la concursante Cheryl Bradshaw terminó eligiendo tener una cita, sin saber que este era un período en medio de su ola de asesinatos.

En mayo de 2021, el programa 20/20 de la cadena ABC dedicó una hora completa a la historia del asesino a sangre fría que murió en prisión, pero la versión cinematográfica de Kendrick tiene en mente algo más que los hechos. Con un guión de Ian McDonald, que estuvo en el Black List, Kendrick emplea un estilo no lineal para saltar de un año a otro de la década de los 70 y retratar el modus operandi de este hombre, en el que Alcala (Daniel Zovatto) aparecía como un fotógrafo que prometía a varias mujeres que conocía un contrato de modelo mientras les tomaba instantáneas en varias poses solo para demostrar que era legítimo. No lo era. Tal como lo presenta esta película, su rutina básica es seducirlas lo suficiente para que lo acompañen a una sesión fotográfica en el desierto, donde las mataría brutalmente. Esas escenas son bastante gráficas e incómodas de ver, ya que Kendrick no reserva mucho para la imaginación.

Corte a Cheryl (Kendrick), lidiando con varias audiciones como la aspirante a actriz recién llegada a Los Ángeles que es. Su mejor amigo (Pete Holmes) y posible pareja romántica, al menos según lo que él querría, la anima a participar en The Dating Game para darse a conocer cuando su agente sugiere que sería un buen paso en su carrera. Ella no quiere hacerlo, pero acepta de mala gana. La pieza central de la película son las escenas que giran en torno al programa; también son las más atractivas, ya que al principio parece adoptar la personalidad estúpida que el presentador Ed Burke (Tony Hale) quiere que represente. Pero después de la primera ronda, adopta una postura agresiva al interrogar que está lejos del estilo insulso del programa y más en sintonía con Jeopardy. 

El soltero número 3, Alcala, saca su encanto de lo más profundo y gana el día, con un premio de un viaje a Carmel para la pareja. Las cosas se ponen espeluznantes cuando él la invita a tomar unos tragos esa noche, y más tarde la acecha en el estacionamiento del estudio mientras ella regresa a su auto. Mientras tanto, un miembro de la audiencia (Nicolette Robinson) lo reconoce de un encuentro en el que sospecha que él mató a su mejor amiga y trata de que la seguridad y la producción la tome en serio durante la grabación, pero sin éxito.

La evocación que hace Kendrick del tipo de miedo que siente una mujer cuando un hombre pasa de ser amistoso a hostil de repente se percibe con fuerza y ​​claridad, y parece destinada a provocar conversaciones sobre eventos similares en las vidas de los espectadores al salir de la sala de cine. Más allá de esa potente impresión, lo que “Woman of the Hour” intenta decir sobre la violencia de género permanece oscuro hasta el final, cuando la historia de una adolescente autoestopista que escapó de Alcalá en 1979 le da a la película su declaración de tesis. “Está bien”, dice con una sonrisa, magullada y ensangrentada después de un ataque brutal. Ella sigue el juego, y así es cómo sobrevive. Y el juego continúa, como lo ha hecho siempre.

No hay duda de que este incidente ocurrió durante la emisión de The Dating Game (hay imágenes del programa que lo demuestran). Sin embargo, los hechos reales de lo que sucedió en el aire son inventados: Alcala y Bradshaw no ganaron una cita con Carmel, sino lecciones de tenis, y él era el soltero número 1, no el número 3, como se muestra en los divertidos encuentros con sus compañeros solteros durante los anuncios publicitarios. Además, se sabe poco sobre los hechos por los que pasó Bradshaw, excepto que todavía está viva para contar su historia. Sin embargo, el hecho de los cambios a la trama no hacen que uno los crea menos, pues la audiencia se sentirá convencida de cada uno de ellos, gracias a la actuación y desenvolvimiento de sus talentos que le dan vida a los personajes, particularmente a Zovatto. Zovatto es el actor perfecto, ya que parece un doble del verdadero Alcala y es relativamente desconocido como para ser creíble en el papel de este loco. 

Teniendo en cuenta todo esto, Kendrick realmente tiene un futuro detrás de la cámara, especialmente porque logró todo esto en solo 24 días de rodaje y demuestra un verdadero talento para la puesta en escena; una en particular que respeta el género. Todo esto hace que uno se pregunte a quién está seleccionando ABC para The Bachelor en estos días y por qué parece que les parece bien que esta película muestre a un asesino en serie despiadado como concursante en uno de sus programas.

Crítica Cinéfila: Smile 2

La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde. Secuela de 'Smile' (2022).

El debut cinematográfico de Parker Finn en 2022, Smile , se inspiró de manera transparente en películas de terror de posesión en cadena como The Ring y It Follows, en las que una maldición de muerte se transmite de una víctima a la siguiente mientras el agonizante protagonista intenta zafarse de ella. A pesar de su familiaridad, la película funcionó, en parte porque el guionista y director aportó mucho estilo y ansiedad sostenida a la premisa, pero también porque el medio de transferencia era tan inquietantemente ordinario: una gran sonrisa con dientes grandes. La película costó unos modestos 17 millones de dólares y recaudó más de 200 millones de dólares en todo el mundo, lo que hizo inevitable una secuela.

"Smile 2" cambia a la psiquiatra clínica de Sosie Bacon por Skye Riley (Naomi Scott) , una superestrella del pop mundial plagada de traumas para que la entidad siniestra se alimente de ella. Eso significa un cambio a un personaje principal cuya formación profesional y problemática historia personal resultan ser el desastre perfecto. Lo que también significa que la película bien actuada es divertida, golpeándote con un aluvión de sobresaltos efectivos y visiones empapadas de sangre. Pero, la moderación se descarta a favor de un exceso más grande y audaz. Cualquier película con un crédito especial por "efectos monstruosos" no busca la sutileza.

Finn retoma la acción apenas seis días después de los acontecimientos de la primera película, con el simpático policía Joel (Kyle Gallner) sentado en su coche aparcado temblando de miedo, tras haber pagado el precio de ayudar a su desconcertada exnovia. Decidido a acabar con la maldición de forma responsable, se pone un pasamontañas y entra en la casa de dos hermanos traficantes de drogas asesinos, con la intención de matar a uno mientras el otro mira, y así sellar el destino del sobreviviente. Pero el plan no sale como él lo tenía en mente, lo que es una mala noticia para Lewis (Lukas Gage), el traficante de poca monta que se adentra en el caos. El macabro sentido del humor que predomina a lo largo de la película es evidente en los restos de una víctima, cuya sangre y tripas están esparcidas por la carretera en la forma de una sonrisa.

Mientras tanto, Skye se prepara para volver a estar frente a los focos de atención tras un accidente de coche fatal en el que murió su novio actor Paul Hudson (Ray Nicholson). Las fotos de ella drogada con alcohol y cocaína han aparecido en todos los tabloides, pero ahora está limpia y lista para iniciar una gran gira, que comienza en la ciudad de Nueva York. 

Impulsada por su madre, Elizabeth (Rosemarie DeWitt), y mimada por su adorado asistente Joshua (Miles Gutierrez-Riley), Skye se lanza de lleno a los ensayos. Cuando la vigorosa coreografía agrava su lesión de espalda por el accidente, se lo guarda para sí misma, pero se pone en contacto con su antiguo camello para conseguir algo de Vicodin. Por supuesto, se trata de Lewis, un viejo conocido de la escuela secundaria, que está drogado hasta las cejas y sumido en delirios paranoides cuando llega Skye. Lo que presencia es realmente perturbador, ya que no le dan analgésicos, pero sí mucho dolor.

La técnica cinematográfica ha mejorado considerablemente en comparación con Smile, ya que el director de fotografía Charlie Sarroff hace un uso inteligente de ángulos desorientadores y tomas en espejo, y vuelve a dar la vuelta al encuadre cuando Skye comienza a desmoronarse. Hay un indicio de De Palma en la iluminación tenue y los zooms acelerados y espeluznantes cuando comienza a ver visiones amenazantes de extraños y personas que conoce, con sus rostros transformados por la sonrisa.

El denso diseño de sonido de Dan Kenyon es otro componente altamente efectivo, que a menudo difumina las líneas entre el ruido ambiental y la escalofriante banda sonora del compositor Cristóbal Tapia de Veer, que incorpora sonidos industriales vibrantes, quejidos y sacudidas y se inclina fuertemente hacia la distorsión.

Scott muestra de manera excelente cómo el terror de Skye influye en su sentimiento de culpa por las personas a las que lastimó cuando sus problemas de abuso de sustancias estaban fuera de control. Ese conflicto también la hace querer seguir cumpliendo con sus obligaciones profesionales: sesiones de fotos, pruebas de sonido, pruebas de vestuario y más ensayos.

A pesar de la serie de crisis de su hija, Elizabeth presiona a Skye para que cumpla con el programa, recordándole que la compañía discográfica, encabezada por Darius (Raúl Castillo), ha invertido millones en la gira. "Tienes que mantenerte hidratada", le sigue diciendo su madre, lo que da lugar a una divertida broma de publicidad mientras Skye bebe interminables botellas de agua Voss.

Una de las primeras escenas que destaca es la de un encuentro con los fans, en la que Joshua se las arregla para que una larga fila de admiradores entusiastas se acerque a ella uno a uno para que les den un autógrafo y se tomen una foto. Skye es cálida y paciente con ellos al principio, hasta que un obsesivo desquiciado la asusta. Apenas ha recuperado la compostura cuando una niña preadolescente con coletas se pone al frente de la fila, mostrando sus aparatos dentales con esa inconfundible sonrisa maníaca que acecha los sueños de Skye y sus horas de vigilia.

El equilibrio incierto entre lo que es real y lo que es una alucinación muy visceral termina convirtiéndose en una confusión hasta para la misma audiencia, a medida que avanza la historia, incluso si algunas de las últimas secuencias son piezas virtuosas. Una de ellas es una escena espectacular, en la que Skye ve a los bailarines de su espectáculo reunidos en la puerta de su apartamento con sonrisas lascivas. Cada vez que aparta la mirada para asegurarse de que es solo su imaginación, se acercan, se suben a los muebles y trepan por las paredes como los demoníacos niños del coro de Fosse. A medida que se acercan a ella, sus movimientos se convierten en ecos violentos de la coreografía que se ve en el ensayo.

Otra secuencia clave es una recaudación de fondos para jóvenes desfavorecidos, bajo el lema “La música inspira esperanza”, en la que Darius ha convencido a Skye para que sea presentadora. Skye, que acaba de quedar traumatizada pero no puede echarse atrás, inquieta a la multitud de la gala improvisando cuando el teleprompter falla; su discurso sobre el lado desgarrador de la industria musical resulta todo menos esperanzador. La aparición inoportuna de su novio muerto, sonriendo como un loco, ayuda aún menos.

Skye obtiene un consuelo temporal cuando repara el vínculo roto con su fiel mejor amiga Gemma (Dylan Gelula), cuyas divertidas reacciones a las horribles revelaciones hacen que deseemos verla más. Luego están los mensajes de texto anónimos de alguien que parece saber exactamente por lo que está pasando Skye. Finalmente se revela que es Morris (Peter Jacobson), que tiene un conocimiento íntimo del espíritu parásito y una teoría sobre cómo neutralizarlo. 

Mientras Skye se resiste y luego accede desesperada a probar el peligroso método de eliminación de Morris, la narrativa obliga a que uno se deje llevar por las alucinaciones. La película entra y sale de la realidad de maneras que claramente pretenden reflejar lo que está experimentando Skye. Y a medida que los cambios se vuelven más frecuentes, puntuados por interludios de violencia cada vez más sangrienta, es también inevitable sentirse perdido.

"Smile 2" confirma que Finn es un talentoso estilista visual que sabe manejar a sus actores con soltura. Tal vez solo necesite alejarse un poco de la idea errónea de que más es más y centrarse más en sus habilidades narrativas. Aun así, hay mucho que decir sobre un director que no se deja llevar por la timidez, y la secuela dejará a muchos fanáticos del terror sonriendo de oreja a oreja.

Crítica Cinéfila: It's What's Inside

Una fiesta preboda acaba siendo una pesadilla psicológica para un grupo de amigos cuando un invitado inesperado aparece con una maleta misteriosa.

Entrando a la larga lista de despedidas de soltero infernales creadas en universos cinematográficos a las que nadie en su sano juicio debería aceptar una invitación, "It's What's Inside" reúne a una gran multitud de amigos, en su mayoría distanciados, en una mansión remota donde nadie puede oírles gritar o a nadie le importa si lo hacen. Es una configuración muy antigua para una película de terror de cuenta regresiva de cadáveres, y es mérito del debut de Greg Jardin que no se desarrolle exactamente como se esperaría. Eso se debe a una premisa ingeniosa de alto concepto (no completamente original, pero más comúnmente utilizada para fines de comedia que de terror) que los cineastas están ansiosos por mantener en secreto, lo que podría ser un desafío si este atractivo y desagradable estreno genera el nivel de revuelo de "Talk to Me" al que claramente apunta.

La película comienza, de manera un tanto reveladora, con un ejercicio fallido de juego de roles. La película comienza con Shelby (Brittany O'Grady), una joven cautelosa que se pone una peluca y adopta una nueva personalidad vampiresca en un intento de conseguir que su distante novio Cyrus (James Morosini) la mire de otra manera (o, en realidad, que la mire siquiera). Cuando lo sorprende masturbándose viendo pornografía en su computadora, ella abandona el disfraz y acuerdan posponer una discusión más amplia sobre su vida sexual hasta más tarde, después de las celebraciones de la boda de su amigo Reuben (Devon Terrell) el fin de semana. No será la única vez en "It's What's Inside" que las fallas en las relaciones se expondrán cuando los personajes adoptan nuevas identidades de manera casual, todo con el fin de darle un poco de emoción a las cosas; la película va sacando a la luz las verdades que surgen cuando todos están enmascarados, con un efecto cada vez más histérico.

Antes de la boda hay una especie de despedida, aunque con un entretenimiento muy diferente de la oferta habitual de strippers y bailes eróticos. Shelby y Cyrus forman parte de un pequeño grupo unisex de amigos de la universidad de Reuben, convocados a su enorme y espeluznante mansión familiar para pasar una noche de recuerdos y juegos alcohólicos lejos de los ojos de su prometida Sophia (Aly Nordlie). Han pasado ocho años desde la graduación y no todos se han mantenido tan unidos como podrían haberlo hecho, aunque es un defecto del guión bastante esquemático de Jardin que es difícil imaginar qué podría haber unido a este conjunto bastante aleatorio de personajes superficialmente dibujados.

Entre los invitados se encuentran la glamurosa Nikki (Alycia Debnam-Carey), que ha conseguido una gran cantidad de seguidores en Internet como influencer que mezcla un activismo sincero y directo con sus fotos de açaí, y el chico de oro Dennis (Gavin Leatherwood), ahora un tatuado que se esfuerza mucho y no hace gran cosa. Brooke (Reina Hardesty) y Maya (Nina Bloomgarden) también están en la mezcla, aunque de forma algo anónima, pero la conversación gira en torno a un octavo invitado no confirmado: Forbes (David Thompson), un desgarbado inadaptado al que nadie ha visto desde que abandonó la universidad en circunstancias controvertidas, aunque corren rumores de que se ha reinventado como una especie de magnate de Silicon Valley. Efectivamente, llega tarde a la fiesta, con un maletín en la mano: dentro, su último desarrollo tecnológico, una especie de juego de distorsión mental que está ansioso por probar con sus distanciados amigos.

En conjunto, hacen lo que cualquiera en el cine hace cuando aparece una figura enigmática y ligeramente fría que promete mostrarles una nueva realidad, y lo que nadie haría de otra manera: beben y se sumergen en el juego. El primer acto de “It's What's Inside” puede no soportar un análisis minucioso, pero Jardin tiene prisa por llegar al desenfreno frenético del segundo, donde, sin desviarse hacia los spoilers, las defensas hasta entonces cautelosas de los personajes se rompen muy rápidamente, se cruzan los límites y se intercambian las perspectivas. La relación ya frágil de Shelby y Cyrus, en particular, se somete a una forma de terapia de grupo muy reveladora, en la que las motivaciones y los deseos ocultos salen a la superficie bruscamente.

Jardin lleva a cabo toda esta anarquía social iluminada por luz neón con energía y aplomo, sin ahorrarles a sus personajes ni a su audiencia la crueldad esencial de la premisa, aunque adereza los procedimientos con el tipo de comedia estridente y burbujeantemente caricaturizada que impulsó la película de terror, “Bodies Bodies Bodies”, en 2022. Los resultados son fríamente divertidos, con la trama aumentando continuamente hacia mayores grados de pánico y sorpresa, aunque se pierde el potencial de un desenlace psicológico más oscuro y duro, en gran parte porque estos personajes son tan delgados que es difícil preocuparse mucho por sus vulnerabilidades o hacer un seguimiento de sus personalidades en evolución. Las punzadas de sátira de las redes sociales, dirigidas tanto a la marca de bienestar benefactora de Nikki como a los planes de boda de Reuben, exhaustivamente etiquetados con hashtags, son divertidas pero fáciles, y pasan por alto las debilidades humanas más profundas que las sustentan.

Aun así, Jardin aborda esta historia de la misma manera que Forbes, que parece entrar en la fiesta con su sonrisa burlona y entrometida: como un agente del caos, dispuesto a mezclar y desordenar las cosas por el mero placer de hacerlo. En estos términos, “It's What's Inside” se presenta como una tarjeta de presentación del género bastante efectiva: filmada de manera brillante, con un montaje áspero, y con actores que aceptan con descaro su papel de peones en un elaborado juego narrativo de estrategia. Los estudios que busquen un estilista entusiasta para un guión de terror maleable harían bien en buscarlo, aunque se espera que proyectos futuros saquen a la luz los indicios parpadeantes de este debut sobre intereses humanos más torturados y subversivos.

Crítica Cinéfila: La Máquina

Después de una pérdida devastadora, Esteban “La Máquina” Osuna atraviesa un mal momento en su carrera de boxeador. Por suerte para él, su manager y mejor amigo Andy Luján está decidido a que recupere su gloria pasada. Pero cuando una perversa organización aparece en escena, la pelea de revancha se vuelve mortalmente peligrosa. Mientras lucha por relanzar su carrera, Esteban debe al mismo tiempo lidiar con sus propios demonios personales y proteger a su familia, que incluye a su exesposa Irasema, una periodista que se encuentra a punto de colisionar con el lado oscuro del mundo del boxeo.

En varios aspectos narrativos, "La Máquina" se siente como una serie mexicana que es adaptada de una versión original gringa o europea. Pero la conspiración deportiva/thriller con tono cómico melodramático que desafía el género podría encontrar una audiencia más grande con su ritmo mayormente rápido y su variedad de giros razonablemente inesperados, así como con su siempre bienvenida reunión de viejos amigos, colaboradores y socios de producción Gael García Bernal y Diego Luna , cuyo poder estelar lleva fácilmente esta miniserie de seis partes.

Bernal interpreta a Esteban “La Máquina” Osuna, una leyenda del boxeo mexicano que se acerca al final de una carrera condecorada después de un abrupto nocaut en el primer asalto. Esteban, un drogadicto en recuperación que sufre el efecto de más de 70 peleas profesionales, está ansioso por recomponer su vida después de divorciarse de la despampanante periodista Irasema (Eiza González).

Pero Andy (Luna), el amigo y manager de Esteban obsesionado con el Botox, está decidido a traer a La Máquina de regreso al ring para una revancha, una repetición que podría lanzarlo a un nuevo nivel de fama, o bien envolverlo en un complot de largo alcance que pone su vida y las vidas de todos sus seres queridos en peligro.

Las cosas se complican aún más cuando Irasema comienza a investigar un caso que involucra a algunas de las instituciones más poderosas del México loco por el boxeo, y cuando las décadas de trauma neurológico acumulado en Esteban lo dejan luchando por distinguir entre la realidad, la fantasía y los oscuros secretos de su pasado.

"La Máquina" no es una telenovela en cuanto a estilo y estructura, aunque la legendaria del formato Lucía Méndez ofrece una actuación agradablemente pícara y que se come el escenario como la madre controladora de Andy. Pero guiada por el creador Marco Ramírez ("Daredevil" de Netflix ), hace algo que las mejores telenovelas hacen: tirar por la ventana las reglas de clasificación tradicional. Es una comedia de amigos y es un drama problemático y realista sobre la explotación y la corrupción en la industria del boxeo mexicano. Tiene rastros de romance, aunque Dariam Coco como la nueva novia de Esteban es quizás el activo menos servido de la serie, y tiene momentos de tensión y violencia elevadas.

El director Gabriel Ripstein ("Narcos") es el encargado de controlar el tono y, en general, lo hace bien. El estreno, que mete al menos tres o cuatro horas de acción en 52 minutos, es el menos exitoso de los seis episodios. Incluye dos combates de boxeo cruciales (uno de ellos se muestra ampliamente en pantalla, mientras que el resultado del otro se revela solo en un corte abrupto) y sus montajes de entrenamiento que lo acompañan, al tiempo que nos presenta a la mayoría del elenco y siembra la mayoría de los hilos serializados en curso. Es entretenido, pero de una manera entrecortada y apresurada. 

A partir de ahí, sin embargo, "La Máquina" hace algo muy inusual para las series de streaming y cable: sigue expandiendo su mundo a medida que desarrolla su historia, y aun así los episodios se vuelven más cortos, más centrados y más seguros. Los personajes que comienzan siendo tontos y caricaturescos se vuelven conmovedores. Las decisiones adquieren consecuencias viscerales y rápidamente recompensadas. Los misterios se vuelven demasiado misteriosos. Una vez uno llega al quinto episodio, es difícil predecir cómo se resolverían las tramas más importantes de la temporada en el final, incluso después de un capítulo que ata muy bien algunos conflictos cruciales basados ​​en los personajes.

Igualmente importantes para reconciliar los elementos dispares de la serie son Bernal y, especialmente, Luna. En manos de la mayoría de los actores, Andy sería un personaje tonto, en particular dadas las capas de maquillaje y prótesis que se utilizan para capturar su vanidad en pos de la juventud. Y Luna no tiene miedo de hacerlo ridículo, en particular en una escena de creciente humillación ambientada en un evento por lo demás sombrío. Sin embargo, incluso mientras acepta los labios inflados de Andy, el peluquín despeinado y el bronceado de maniquí, Luna encuentra constantemente lo que es trágico en este hombre que quiere ser un buen gerente, amigo, esposo y madera de padre, pero se encuentra fracasando en cada una de ellas.

Bernal, que se entregó por completo a un tipo diferente de lucha física en la película biográfica de lucha libre "Cassandro", no es tan convincente con el lado boxístico de "La Máquina". Pero si los guantes se ven demasiado grandes y su juego de pies se siente demasiado lento, eso simplemente subraya lo pasado del mejor momento de Esteban. Es en las sienes canosas y los ojos fugaces e inseguros donde Bernal ubica la tristeza y la decencia inestable de su personaje.

Si juntamos a Bernal y Luna, son dinamita como siempre. Además, elevan a todos los que los rodean, especialmente a González, que exhibe una ferocidad herida que sus actuaciones en inglés rara vez han explotado. El hecho de que Irasema sea periodista y parte proactiva del desenlace de la conspiración, en lugar de solo una ex que sufre desde hace mucho tiempo, también es una elección inteligente, aunque esa es la historia que parece tener menos probabilidades de dar sus frutos en un final presumiblemente apresurado.

Además de esas tres estrellas principales, La Máquina cuenta con un sólido trabajo de reparto por parte de Andrés Delgado como el extraño cuñado de Andy, Saúl; Karina Gidi como la esposa de Andy, Carlota, en otra parte del espectáculo que se mueve entre el humor y el patetismo; y Jorge Perugorría, que de manera divertida rompe las expectativas como Sixto, el entrenador de Esteban.

Algunos que se encariñen con la historia querrán que "La Máquina" tuviese más de seis episodios para contarse. Intenta hacer tantas cosas, y supongo que algunas de sus facetas más desafiantes (los efectos de la encefalopatía traumática crónica en los boxeadores, la lucha de clases que forma parte del romance de un siglo de México con la dulce ciencia, las subtramas románticas y periodísticas antes mencionadas) podrían perderse en diversos grados. Pero seis episodios son suficientes para ver cómo esta narrativa se iba concretizando, para convertirse en una serie con mucha química y poca predicción.

Crítica Cinéfila: El Hoyo 2

A medida que un líder misterioso impone su ley en el Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla para luchar contra el brutal sistema de alimentación. Pero cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar para salvar tu vida?

Estrenada en Netflix en marzo de 2020 (un momento increíblemente perfecto para una película sobre personas confinadas en una prisión ineludible cuyo diseño enfrenta la salud mental de cualquier persona), “El Hoyo”, del cineasta español Galder Gaztelu-Urrutia, es una alegoría anticapitalista cuya obviedad es su mayor fortaleza. Como tantos éxitos del streaming, este ejercicio de género resonó porque su premisa de alto concepto contaba una historia convincente en sí misma. 

El personaje más memorable de la película es “El Pozo”, donde se desarrolla la trama, una estrecha torre de hormigón (o “Centro de Autogestión Vertical”) con un gran agujero cuadrado en medio de cada piso, un agujero lo suficientemente grande como para que quepa el enorme bufé de comida que baja por los 333 pisos del edificio cada día. Los dos reclusos del piso superior son agasajados con un banquete real, pero sólo quedan unas pocas sobras errantes cuando el banquete móvil llega al nivel 50 por debajo de ellos; cualquiera que sea asignado al azar a la mitad inferior del edificio tiene casi garantizado morir de hambre al final de la rotación mensual... a menos, por supuesto, que se coman a sus compañeros de celda. La barbarie de nuestras jerarquías sociales rara vez se habían mostrado de forma tan clara y punzante, y “El Hoyo” sigue siendo una de las pocas películas que hacen que los fracasos de la economía del goteo parezcan incluso más evidentes de lo que son en la vida real. 

El único problema con una premisa tan inteligente es que el resto de la historia tiene que perturbarla, y si bien la prisión en la película de Gaztelu-Urrutia se volvía más intrigante con cada nuevo detalle que conocíamos sobre ella, no hacía que la gente buscara desesperadamente una salida. Tampoco se veía la ejecución de sus cada vez más febriles planes de escape. Elaborar una metáfora del capitalismo es una cosa; resolverlo en el transcurso de un thriller distópico financiado de forma independiente es otra. 

Al ver la primera mitad de “El Hoyo 2”, parecería que Gaztelu-Urrutia ha identificado dónde se equivocó su película anterior. En lugar de centrarse en el diseño de la prisión (y, por extensión, en cómo sus peculiaridades podrían explotarse para lograr salidas), esta secuela financiada por Netflix inmediatamente cambia su atención a los sistemas que podrían permitir que los reclusos de la película sobrevivan, una decisión que le permite a Gaztelu-Urrutia profundizar en el estudio de la naturaleza humana de la franquicia, al estilo del Experimento de la prisión de Stanford. 

Mientras que su predecesora instruía a la gente a ser el cambio que deseaban ver en el Pozo, “El Hoyo 2” se ocupa de la solidaridad necesaria para que todos sigan vivos. Por desgracia, las personas son, en última instancia, prisioneras de sí mismas (de sus deseos y de sus heridas), y ni siquiera los sistemas más idealistas son inmunes a las debilidades que sembramos en ellos. Al igual que la primera película, que “El Hoyo 2” espera que recordemos detalles delirantemente explícitos, esta secuela se desmorona a la par que su orden social. 

Por mucho que Gaztelu-Urrutia reafirme su talento para mezclar una filosofía cartesiana con una estética inspirada en Saw, también reafirma su lucha por aprovechar esa combinación para crear una historia que valga la pena contar. Si bien esta película reitera la idea original de una manera que demuestra el potencial de franquicia de esta propiedad, se desmorona casi exactamente de la misma manera que la película anterior, abandonando la naturaleza ampliamente representativa de su premisa en favor de la mitología enloquecedoramente específica de sus tontos personajes estereotipados. Excepto que esta vez es peor, porque esa mitología, ya aburrida para empezar, ahora está consagrada en una leyenda de importancia pseudorreligiosa. Al igual que el propio andén, esta secuela rebosa de cosas deliciosas para masticar cuando comienza, solo para ser desmenuzada a medida que desciende hacia la oscuridad a partir de allí. 

Es difícil decir cuánto tiempo ha pasado desde los acontecimientos de “El Hoyo”, pero la nueva heroína de mirada acerada Perempuan (Milena Smit) ha estado allí el tiempo suficiente para aprender los trucos del oficio. Una artista cargada de culpa que comienza la película en el piso 24, le da instrucciones a su nuevo compañero de habitación Zamiatin (el actor, cómico y ex boxeador Hovik Keuchkerian) sobre cómo han funcionado las cosas desde la revolución que parece haber resultado del final ultranebuloso de la primera película. 

Ahora, el Pozo es mucho más justo, ya que la sagrada ley de compartir por igual se infiltra cada vez más en la torre con cada rotación. Impulsados ​​por la historia cristiana de un prisionero que alimentó a otras personas con su propia carne, cada recluso come solo el plato que pidió personalmente al llegar, lo que en teoría garantiza que nadie muera de hambre. Los residentes del Pozo hacen cumplir esta ley con extremo prejuicio, y algunos de ellos llegan al extremo de asesinar (y cosas peores) a cualquiera que pruebe un solo bocado de la comida de otra persona. Eso incluye, fundamentalmente, cualquier posible resto, ya que nadie debería beneficiarse jamás del asesinato de un camarada.

Aún quedan algunos eslabones débiles en la cadena, pero el sistema está empezando a funcionar; algunos restos de comida llegaron hasta el piso 175 durante la última rotación. Como es habitual en esta franquicia emergente, “El Hoyo 2” está en su mejor momento durante las etapas en las que se prepara la mesa, ya que Perempuan convence gradualmente a Zamiatin (que es más inteligente de lo que parece) de que siga las reglas, y la solidaridad que muestran con sus compañeros de prisión genera una amistad genuina entre ellos. Perempuan incluso se ofrece a afeitarle la espalda a Zamiatin. 

Por desgracia, el final del mes llega justo a tiempo y Perempuan se encuentra reubicada en el piso 180, junto con una nueva compañera de habitación (la actriz de "Game of Thrones", Natalia Tena) que está muy familiarizada con el tipo de justicia sagrada que ha comenzado a extenderse por el Pozo. Será solo cuestión de tiempo antes de que ese celo fundamentalista, administrado por un profeta sin ojos llamado Dagin Babi, amenace con volverse incluso más letal que el enfoque de "cada uno por sí mismo" que pretendía reemplazar.

Ese conflicto es lo suficientemente convincente siempre que arroje una luz húmeda y repugnante sobre las verdades reconociblemente feas del mantenimiento de una sociedad: la ley es más fácil de respetar para las personas que están en la cima, y ​​esas personas a su vez tienen una mayor responsabilidad de seguir las reglas que establece. Cuando alguien en el piso 40 decide actuar en su propio interés, son los prisioneros de los 293 pisos inferiores los que sufren las consecuencias... a menos que los prisioneros de arriba acepten aplicarle un castigo apropiado. 

Pero Gaztelu-Urrutia pierde el control de la lucha por crear un futuro en el que nadie tenga que matar a nadie, ya que los argumentos opuestos detrás de ese conflicto pronto dan paso a las cuestiones prácticas de sobrevivirlo. Si bien una película más nutritiva podría haber convertido eso en un comentario social por sí misma, “El Hoyo 2” parece no poder decidir si debe abordar la guerra que comienza a gotear por el Pozo como una crisis literal o filosófica, y por eso, haciendo eco de la última película, se sitúa entre esos dos enfoques de una manera que hace que sea casi imposible preocuparse por cualquiera de ellos. 

Los detalles de los personajes que nos llegan son ridículos de una manera que abarata la realidad que Gaztelu-Urrutia está tratando de construir a su alrededor, y los vagos flashbacks con los que los rellena sólo sirven para desvincularse de los horrores de la situación de Perempuan. Hay suficiente horror en exhibición para mantener a los fanáticos del terror interesados ​​hasta el tercer acto (los acólitos idean algunos métodos de tortura únicos centrados en el Pozo), pero la película se aburre con los límites e implicaciones de su propia metáfora, y su tendencia a volverse más moralista a medida que se hunde más en la prisión la obliga a deshacerse de su drama humano en favor de una abstracción descuidada. 

Partiendo de unas alturas tan altas, “El Hoyo 2” desciende hasta convertirse en un lodazal aburrido y delirante de geles de color, iconografía religiosa y referencias que dejan aún más confundido (que continúan hasta bien entrados los créditos finales), ninguna de las cuales es ni la mitad de interesante que la premisa básica de la trama que todos se esfuerzan tanto por diluir. Hay espacio para seguir expandiendo este mundo, y el final de “El Hoyo 2” sugiere que Gaztelu-Urrutia pretende hacer justamente eso, pero “El Hoyo 3” necesita darnos mucho más para justificar otra temporada en el Pozo. Los prisioneros allí pueden tener suerte si encuentran algo en su plato, pero los suscriptores de Netflix ávidos de alegorías de ciencia ficción torpes no tienen nada si no estropean la elección. 

Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: Monsters - The Lyle and Erik Menendez Story

En agosto de 1989, los hermanos Lyle y Erik Menéndez, asesinaron a tiros a sus padres, José y Mary Louise 'Kitty' Menéndez. Mientras que la acusación alegó que buscaban heredar la fortuna familiar, los hermanos afirmaron -y siguen afirmándolo hoy en día, mientras cumplen cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional- que sus actos se debieron al miedo que sentían tras toda una vida de abusos físicos, emocionales y sexuales a manos de sus padres.

Estamos en 1989. Los hermanos se dirigen al funeral de sus padres, José y Kitty Menéndez. La policía sigue investigando sus asesinatos y la prensa especula que podrían ser un asesinato de la mafia. Erik empieza a desmoronarse en la parte trasera de la limusina, pero su hermano mayor, Lyle, habla de abrir una cadena de restaurantes de alitas de pollo y quiere que el conductor de la limusina apague el jazz suave. Atraviesan la puerta a pesar de la multitud de periodistas, porque Lyle quiere reiterar la teoría de la mafia. Luego, durante el funeral, Lyle hace sonar una canción de Milli Vanilli sobre una presentación de diapositivas de sus padres.

Dos meses después, la policía sigue investigando los asesinatos y Erik no puede escapar de las pesadillas que sigue teniendo sobre la noche en que asesinaron a sus padres. Entra en el estudio, donde estaban sus cuerpos ensangrentados, y comienzan las visiones. Al final de todas las pesadillas, Erik se pone una escopeta en la barbilla y aprieta el gatillo. Está tan atormentado que llama a su psicólogo, el Dr. Jerome Oziel (Dallas Roberts), y quiere su última cita del día. 

Aunque Oziel le asegura que no lo está grabando, Erik le pide que salga a caminar. Fue allí donde Erik admite que él y Lyle mataron a sus padres. Oziel regresa a la oficina a toda prisa y le dice a Erik que repase todo el proceso de los acontecimientos, empezando por el momento en que se le ocurrió la idea mientras veía la película "Billionaire Boys Club". Cuando Oziel pregunta por qué se le ocurrió la idea de matar a sus padres, Erik habla de lo "dominante" que era su padre y de lo permisiva que era su madre. Como ella era "adicta" a su padre, sentían que su vida estaba vacía y decidieron que ella también necesitaba morir. Oziel se pone en contacto con Lyle y le dice que vaya a la oficina; también llama a su ex amante, Judalon Smyth (Leslie Grossman), para que vaya como "testigo" en caso de que ellos intenten matarlo. Lyle está furioso cuando llega y niega que lo que Erik dijo sea cierto.

El primer episodio muestra el momento en que los hermanos cometiendo el crimen, incluso cuando Lyle volvió a entrar para acabar con su madre después de recargar su arma. Luego intentan construir una coartada. Pero cuando regresan a la casa, se sorprenden al no ver a nadie allí; pensaron que los disparos de escopeta harían que alguien llamara al 911. Esta escena de muerte es quizás una de las más sangrientas que se han hecho en mucho tiempo.

Es interesante que Murphy y Brennan hayan decidido dramatizar el caso de Menéndez, dado que ya se había dramatizado de forma tan destacada hace siete años y se han hecho numerosos documentales y docuseries sobre el caso. En otras palabras, ¿hay algo más que decir sobre el caso? Aparentemente sí, porque la pareja, junto con Carl Franklin, el director del primer episodio, consiguen que un caso conocido vuelva a resultar fascinante.

Aunque el primer episodio no lo muestra, parece que el objetivo de Murphy y Brennan es centrar la narración en la vida familiar de los hermanos y en cómo José y Kitty hicieron que la vida de sus hijos fuera miserable. Cuando los chicos eran mayores, la mayor parte del abuso se produjo en forma de sermones verbales por parte de José y de algún tipo de permisividad por parte de Kitty bajo el efecto de las drogas; el incidente que llevó a Erik a urdir su plan implica que Kitty le arrancó la peluca secreta de la cabeza a Lyle.

En esta saga, todos son monstruos. Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez interpretan los papeles de Lyle, un personaje fácilmente alterable, y su hermano angustiado Erik, mientras que Javier Bardem y Chloë Sevigny interpretan a José y Kitty, dos personajes volátiles y desequilibrados. La serie muestra a la familia Menéndez a merced de un padre controlador, al tiempo que denigra a los hermanos. Nadie sale ileso, ya que Monster coloca los infames juicios bajo el microscopio para la diversión y el análisis de la audiencia de Netflix.

Pero también hubo acusaciones de abuso sexual por parte de José cuando los hermanos eran más jóvenes, algo que no muestran a detalles en flashbacks pero en una serie de narraciones que, gracias a las actuaciones de Koch y Chavez, logran trasladar a su público a las emociones que le provocaron esos hechos. De hecho, la estructura de la serie, donde los incidentes de abuso y negligencia emocional por parte de José y Kitty surjen durante el interrogatorio y el juicio de los hermanos, hace un buen trabajo al ir desgranando las capas del caso sin saltar de una a otra indiscriminadamente, y aunque por momentos se tornan repetitivas, esto se debe a que quieren que el discurso de tatue en la mente del espectador, con la idea de que "detrás de un crimen, hay causas que lo llevaron a ocurrir".

Koch y Chavez hacen un excelente trabajo como Erik y Lyle, mostrando las dos formas muy diferentes en que reaccionaron después de matar a sus padres. Por supuesto, también se tiene al impresionante de Bardem (uno de los productores ejecutivos del programa) y Sevingy como José y Kitty. En la medida que la serie avanza, se conoce a Nathan Lane como el periodista Dominick Dunne quien había sido víctima de un juicio que favoreció al asesino de su hija y por lo tanto estaba en contra de que los hermanos salieran libres, y a Ari Graynor como Leslie Abramson, la abogada de los hermanos quien ya había sido la defensa de otros casos de asesinatos y por lo tanto se sentía capaz de lograr la libertad de Erik y Lyle. 

El año pasado, tanto Evan Peters como Niecy Nash deslumbraron en "Monster: The Jeffrey Dahmer Story", la primera entrega de la serie del asesino en serie que ganó elogios para los actores ya que ahondaba no solo en la vida del depravado Dahmer, sino en su sospechosa vecina, sus víctimas inocentes y la inepta aplicación de la ley que mantenía al maníaco en las calles. "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" ofrece una mirada similar a las sombrías vidas de los hermanos, ya que la serie explora la dinámica de la familia disfuncional, así como de los amigos, asociados y sus círculos sociales. Casi cuatro décadas después de los asesinatos, la serie de Netflix explora las afirmaciones de defensa propia de los hermanos Menéndez según lo declarado por su equipo de defensa, quienes afirmaron que sus padres abusaron verbal, física y sexualmente de ellos. 

Al igual que su predecesora, Monsters trata sobre la creación de los monstruos urbanos y los estragos que causan. Pero Monsters también examina cómo estos personajes fueron moldeados no solo por sus circunstancias, sino por la era en la que vivieron. Más que una serie de época, Monsters se ve impulsada tanto por las actuaciones como por las referencias a los años 80 en la que habita, desde las canciones de Milli Vanilli hasta cada cuello levantado meticulosamente.

Pero más allá de los detalles meticulosos, la historia en sí es desigual a su predecesora. Si bien Monsters es directa con sus villanos, hay una clara falta de protagonistas, ya que la serie crea un mundo poblado por personas que carecen incluso de una pizca de empatía. En consecuencia, "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" crea una dramatización fascinante gracias a las actuaciones exageradas de su elenco, pero no logra alcanzar el nivel establecido por Dahmer.