Crítica Cinéfila: Wicked: For Good

Segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway. El capítulo final de la historia jamás contada de las brujas de Oz comienza con Elphaba y Glinda distanciadas y viviendo las consecuencias de sus respectivas decisiones. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, ambas deberán unirse una vez más. Con su singular amistad convertida en el punto de inflexión de su futuro, tendrán que mirarse a los ojos con honestidad y compasión para afrontar su transformación personal y cambiar el destino de todo Oz.

El tiempo estándar para los intermedios en Broadway oscila entre 15 y 20 minutos, tiempo suficiente para estirar las piernas, quizás comer algo e ir al baño. ¿Un año entero? Es posible que a cualquiera se le olvide hasta los puntos argumentales y las maquinaciones de los personajes más importantes de cualquier espectáculo. Tal es el caso de " Wicked : For Good" de Jon M. Chu, la segunda entrega de su planeada adaptación en dos películas del aclamado musical "Wicked".

Mientras que la primera parte pertenecía en gran medida a Elphaba, la marginada de Oz de piel verde e incomprendida de Cynthia Erivo, la continuación pone en primer plano a su antigua némesis convertida en su amiga, Glinda, de Ariana Grande. 

Erivo sigue siendo una potencia, con una energía que sacude los cielos y una fuente de intensidad emocional espontánea que nunca se agota. La paradoja es aún más evidente: a pesar de la infamia de Elphaba como la llamada Bruja Malvada del Oeste, la bondad y la justicia inherentes a su oposición a las crueles injusticias y a un gobierno cada vez más autoritario terminan siendo su salvación, aunque ella cargue con la culpa como chivo expiatorio de la historia. Pero la engreída rubia hueca de Grande gana importancia aquí cuando Glinda asume la responsabilidad de difundir la bondad en Oz, mientras experimenta una aplastante decepción romántica que la humilla y desinfla su vanidad.

La película comienza de forma impresionante: meses después de que Elphaba (Erivo) y Glinda (Grande) eligieran caminos completamente diferentes durante una desgarradora separación en la Ciudad Esmeralda, ambas siguen firmemente aferradas a sus respectivos roles.

Elphaba es ahora la Bruja Mala del Oeste, ayudada en parte por la incansable labor de su antigua mentora, Madame Morrible (Michelle Yeoh), quien se ha dedicado a difundir desinformación aterradora a todos los ozianos, con el fin de apoyar a un déspota perdedor (Jeff Goldblum como El Maravilloso Mago de Oz, en esta ocasión aburrido y olvidable). Esto la lleva a asumir misiones descabelladas para lograr su objetivo de derrocar al Mago y deshacer sus numerosas fechorías. La principal preocupación de Elphaba es liberar a los Animales, quienes han sido reclutados para una terrible esclavitud, principalmente porque el Mago comprende perfectamente que para mantener unida a la gente, un enemigo común (real o imaginario) es la clave.

Si Elphaba ha aceptado su papel de villana de Oz, Glinda ha ido un paso más allá como la mayor santa del país. Como Glinda, la Bruja Buena, se pasa el día paseando por Oz, intentando animar a una población que ha sido obligada a temer ciegamente a su mejor amiga. Es un trabajo horrible, si se puede conseguir. Tanto Elphaba como Glinda se han visto obligadas a asumir roles que, si bien en general les sientan bien (Elphaba es una luchadora y líder nata, Glinda valora mucho hacer sentir bien a la gente), en realidad solo sirven para dividir, asustar y herir. ¿Cómo se solucionará esto?

Dos horas después, la respuesta es bastante parecida al aclamado musical, solo que con un par de canciones nuevas (ambas de Stephen Schwartz, incluyendo "No Place Like Home" y "The Girl in the Bubble"), una puesta en escena curiosamente plana y la pregunta constante: ¿por qué se divide en dos partes? Chu y sus guionistas no temen en absoluto ahondar en las terribles implicaciones políticas de los mensajes deshonestos, la politiquería violenta, el ascenso de charlatanes al poder y el abuso de quienes son de alguna manera "diferentes", pero choca con lo más ligero a cada paso. Sí, es difícil tomarse demasiado en serio una película que incluye una canción que dice: "Hay puentes que cruzas/No sabías que cruzabas/Hasta que los cruzaste". 

En “Wicked: For Good”, hay mucha continuidad de la primera, pero la duración no es justificable cuando el ritmo va cayendo y lo que uno busca en una historia, aún sea una segunda parte, ya se ha contado en su antecesora. Lo que funcionó en “Wicked” sigue funcionando. El reparto de Erivo y Grande es lo máximo, y el profundo respeto y amor que comparten los intérpretes, dentro y fuera de la pantalla, realmente mantiene a flote estas dinámicas. Elphaba y Glinda son el alma de esta historia, y es difícil imaginar otro dúo que las represente mejor (o con mejor canto).

Sin embargo, y a pesar de prolongar la duración total de ambas películas a casi cinco horas (el musical dura dos horas y 45 minutos, con un intermedio de 15 minutos), aún quedan grandes preguntas. Pero la decisión de Chu de comenzar "Wicked: For Good" con poco material para ponerse al día es refrescante, aunque su audacia efímera. 

Si bien esta entrega de la franquicia, por necesidad, debe expandirse aún más al vasto mundo de Oz, a menudo se siente ligada a los lugares que ya hemos visitado. La Ciudad Esmeralda y Munchinkland siguen teniendo un lugar destacado, e incluso la querida Universidad Shiz aparece en un flashback (innecesario, junto con otro flashback a la encantadora infancia de Glinda). Breves incursiones al escondite del bosque de Elphaba son un cambio de aire bienvenido (como escenario de una famosa escena de amor entre ella y Fiyero, interpretado por Jonathan Bailey), al igual que otra visita a un tramo remoto del Camino de Baldosas Amarillas, pero estos cambios son escasos y se echan mucho de menos.

Incluso las escenas que implican exploraciones más profundas de nuestros espacios conocidos, incluyendo una escena ambientada en la Ciudad Esmeralda, resultan algo extrañas, cautivadas por un bloqueo extraño que impide al público apreciar la totalidad de una ubicación y oculta puntos focales clave. Sí, en la gran secuencia musical donde experimentamos con mayor intensidad la fuerza del miedo de los ozianos ("La Marcha de los Cazadores de Brujas") y la furia del Boq de Ethan Slater, quizás estaría bien ver alguna expresión facial. Lo mismo ocurre con una secuencia clave en la que Fiyero queda alterado para siempre, y que parece haber sido filmada a ocho kilómetros del Camino de Baldosas Amarillas. Si queremos ver más, no debería ser porque veamos mucho menos de lo absolutamente necesario. Otra toma de campos de tulipanes inmensos no constituye un verdadero viaje a Oz, ni a "Wicked".

Aun así, lo que une a estas dos películas es innegable: la fuerza y ​​el talento de las protagonistas Cynthia Erivo y Ariana Grande. Ambos personajes están firmemente encasillados en sus papeles en Oz, y aun así, Erivo y Grande nunca se sienten tan limitadas, ni en su conmovedora actuación ni en sus imponentes letras.

Al igual que "Wicked", "Wicked: For Good" se convierte en un dueto masivo entre ambos, tan emotivamente impactante que hasta el corazón más hueco derramará una lágrima durante "For Good". Es un momento culminante, sin embargo, también se siente solitario. ¿Vale la pena esperar un año completo y una segunda parte solo por eso? ¿De verdad era necesario extenderlo a una segunda parte?

Crítica Cinéfila: Bugonia

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. 

Emma Stone y Yorgos Lanthimos ya tienen una relación de trabajo: han rodado cuatro largometrajes y un cortometraje, lo que demuestra que ambos comparten un mismo nivel creativo. Lo que hace tan interesante su colaboración constante es el esfuerzo por definir cuál es ese nivel. El último fruto de esta dupla, que nos trajo "The Favourite", "Kinds of Kindness" y "Poor Things", es "Bugonia", una sátira magistralmente macabra sobre el síndrome de las supersticiones en el internet, que narra la historia de una joven y ambiciosa directora ejecutiva de una farmacéutica (Stone) que es secuestrada por uno de sus empleados de menor rango.

Este pobre y atormentado personaje, interpretado por Jesse Plemons, compañero de reparto de Stone en "Kinds of Kindness", es Teddy, un repartidor y apicultor a tiempo parcial. Está convencido, tanto por conversaciones en línea como por sus propias deducciones en el sótano, de que su jefa es en realidad una emperatriz alienígena disfrazada. Su plan es secuestrarla y mantenerla prisionera en su sótano hasta que esta amenaza extraterrestre salve la vida de su madre (Alicia Silverstone), quien se encuentra en un hospicio con una enfermedad terminal que Teddy cree que forma parte de un gran experimento interplanetario. Después de eso, va a acompañarla de vuelta a la nave nodriza y negociar la retirada de su raza de la Tierra. En esencia, es una historia un tanto descabellada (además de ser una adaptación de una película coreana, algo que no es común en el cine de Yorgos), pero el director y su elenco la han expandido hasta convertirla en una alocada epopeya canina de proporciones épicas, digna de los Baskerville.

El único compañero de Teddy en su causa es su primo Don, fácilmente influenciable, interpretado magistralmente por Aidan Delbis. Tras adoptar una existencia monástica moderna —«nada de videojuegos, nada de vapear, nada de masturbarse», advierte Plemons con severidad—, los dos secuestran a Stone frente a su mansión modernista en una secuencia hilarantemente seca que Lanthimos dirige como Jacques Tati al estilo de John Wick. (Aquí y en otras escenas, la fotografía de Robbie Ryan es una delicia: por momentos sensual y severa, con un brillo decadente y lujoso propio del Hollywood de los 70).

Los lectores atentos se habrán dado cuenta de que aquí hay dos posibilidades, y "Bugonia" los mantiene en vela. O bien Plemons es un lunático peligroso, radicalizado por sus incursiones en laberintos de teorías conspirativas en internet (hay una viñeta recurrente muy divertida de la Tierra en la que el planeta se vuelve progresivamente más plano), o bien… no lo es. Ambas opciones son sombrías, aunque por razones totalmente distintas; y a medida que la situación se torna cada vez más frenética y macabra, Lanthimos exprime con maestría la máxima tensión cómica de los fantasmas de ambas. En esto, Stone y Plemons demuestran ser los cómplices ideales, con interpretaciones cuidadosamente equilibradas que les permiten alternar entre héroe y villano sin llegar a aniquilar por completo nuestra simpatía ni ganárnosla del todo.

A la película le encanta contrastar la elegancia del entorno de trabajo de Michelle con el desorden rústico de la cabaña de Teddy; es alternativamente elegante y grunge, lo que permite al compositor Jerskin Fendrix (nominado al Oscar por "Poor Things") pasar de su característico minimalismo peculiar a una grandilocuencia orquestal a gran escala para acompañar los diversos ataques de pánico de todos los involucrados. Y no se equivoquen, los ataques de pánico se vuelven cada vez más espeluznantes y descabellados, con un secuestro educado que deriva en tortura (mala, pero ni de lejos tan perturbadora como en la película original coreana), disparos de escopeta y vestidos de fiesta empapados de sangre, como corresponde a una extravagancia de terror de ciencia ficción a gran escala. Mientras tanto, cada vez que una explicación lógica (o incluso ilógica) parece inminente, Lanthimos desmiente las expectativas de su público.

En cierto modo, da igual qué desenlace elija finalmente la película: la esencia de "Bugonia" reside en los retorcidos y agónicos giros de la narración. Pero tiene que terminar en algún sitio, y quizá algunos espectadores encuentren el desenlace exasperante, mientras que otros simplemente se desharán en elogios ante la pura virtuosismo y malicia que se despliega. En cualquier caso, ¡que relajo de película!

Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: La Ola

En el campus estallan oleadas de cambio, y entre las ocupaciones y concentraciones se encuentra Julia, una estudiante de música que se une a la causa para denunciar el acoso y los abusos que han soportado durante demasiado tiempo. Pero mientras canta y baila al ritmo de los cánticos, un episodio no resuelto la atormenta: un confuso encuentro con Max, el ayudante de su profesor de canto. ¿Qué ocurrió aquella noche? ¿Fue una cita más? ¿Dijo que sí? ¿O fue algo mucho peor? Arrastrada por la euforia colectiva y por sus propios fantasmas, Julia se convierte en el corazón del movimiento. Su testimonio, íntimo y complejo, se convierte en una ola que empuja, sacude y trastorna una sociedad polarizada.

El orgullo y la rabia feministas se desbordan en un estallido de canciones y bailes en el homenaje de Sebastián Lelio a la Ola Feminista Chilena de 2018, que conmocionó a su país natal con protestas y huelgas. Estas movilizaciones lideradas por mujeres, que tuvieron repercusión internacional, se iniciaron en universidades que habían tardado en responder a las denuncias de acoso y abuso contra profesores varones. En su punto álgido, entre abril y mayo, llegaron a ocuparse hasta 32 universidades de todo el país. 

El director de la ganadora del Oscar "Una Mujer Fantástica" se ha propuesto el reto de condensar meses de debate y denuncia del abuso y la discriminación de género en un musical. El objetivo no es solo convertir en melodía frases de denuncia, sino también hacerlas pegadizas. Quizás inevitablemente, solo lo consigue parcialmente. Hay un cierto aire de teatro en "La Ola" que nunca se disipa del todo a pesar de su cuidada producción. Esto, junto con una duración de más de dos horas, dificultará su recepción. Sin embargo, el mensaje es urgente.

Esas turbulentas semanas y meses de 2018 se canalizan a través de la historia de Julia, interpretada por Daniela López. Julia es estudiante de segundo año de música en la Universidad de Chile (la forma en que usa su voz, tanto en el canto como en la solidaridad, se convierte en una metáfora clave). Un número de apertura impactante, ambientado en el patio principal de su facultad, la muestra inmersa en el creciente movimiento de protesta contra una institución académica que «otorgan títulos a violadores», como se lee en mayúsculas en una enorme pancarta que se despliega sobre las cabezas de Julia y sus amigas mientras realizan una especie de haka de empoderamiento femenino.

Al ofrecerse como voluntaria para recopilar testimonios de estudiantes que han sufrido abusos, la propia Julia comienza a desenterrar recuerdos reprimidos de un encuentro sexual con Max (Nestor Cantillana), el asistente de su profesora de canto, que sintió como una violación.

Seguimos a Julia hasta su casa, al minimercado que ayuda a su madre a administrar en los suburbios obreros de Santiago, y empezamos a comprender que las protestas y las ocupaciones a veces son lujos para aquellos estudiantes que pueden permitírselas. El compositor Matthew Herbert colaboró ​​con 17 compositoras chilenas en las canciones originales de la banda sonora, pero estas se distribuyen de forma desigual en una película que habría resultado más impactante y concisa si se hubiera interpretado de principio a fin. Hay una larga pausa antes de que la ocupación arranque con fuerza con el vibrante tema "Diluvio Universal" una explosión de justa ira y energía femenina mientras las estudiantes, ataviadas con pasamontañas carmesí, irrumpen en los modernos pasillos y escaleras de la universidad y llenan los salones revestidos de madera del despacho del rector, donde severos retratos masculinos las observan.

Los números de baile, enérgicos y dinámicos, se capturan con un estilo bastante convencional, con muchos planos secuencia lentos y tomas con grúa. Se observa la resistencia de los estudiantes varones, sus madres protectoras y los miembros del profesorado a quienes estas activistas feministas denuncian, exigiendo ser escuchadas con imparcialidad. Las propias mujeres que participan en la ocupación no forman un frente unido; están divididas entre las que favorecen el diálogo y el cultivo de aliados masculinos, y las verdaderas secesionistas. Este conflicto también se musicaliza.

Si bien sus lemas reflejan con precisión lo que sucedió en aquel entonces —incluso la reserva a identificarse con el movimiento MeToo, pues la resistencia al arraigado patriarcado latinoamericano exige tácticas menos ortodoxas—, el tono resulta con demasiada frecuencia crudo e imperativo, sobre todo en una secuencia satírica burda que parodia el enfoque ineficaz y culpabilizador de la policía ante las denuncias de abuso sexual. En un momento dado, se rompe la cuarta pared para que las facciones feministas enfrascadas en una discusión puedan arremeter contra el propio director y preguntarle por qué demonios un hombre está haciendo esta película.

"La Ola" es, ante todo, ambiciosa, y en su final agridulce alcanza una comprensión melancólica y matizada de que, una vez que estalló la ola feminista, comenzó la reacción adversa. Pero el tipo de debates complejos sobre consentimiento, justicia por mano propia y empoderamiento que se plantean aquí desentonan en lo que, en cierto modo, es un musical clásico de autodescubrimiento femenino. Quizás esto explique cierta reserva en el estilo interpretativo de la debutante López. Para el público, su vacilación es contagiosa.

Crítica Cinéfila: Springsteen: Deliver Me from Nowhere

 Adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación del álbum "Nebraska", de Bruce Springsteen, de 1982. La película sigue a 'The Boss' cuando era un joven músico en los albores de la fama mundial, tratando de reconciliar las presiones del éxito con los fantasmas de su pasado. Grabado en un viejo cassette de cuatro pistas en su habitación en Nueva Jersey, 'Nebraska' refleja un periodo trascendental de su vida y está lleno de personajes perdidos en busca de una razón para creer.

 

Así como "A Complete Unknown" escapó de la tediosa convencionalidad de las biografías musicales que abarcan toda la vida de un artista al explorar los inicios de su enigmático protagonista, Bob Dylan, "Springsteen: Deliver Me From Nowhere" logra un impacto conmovedor al centrarse en el artista como un joven deprimido. Esto no significa que el retrato de Bruce Springsteen realizado por Scott Cooper sea deprimente. Si buscas celebrar los himnos del hijo predilecto de la clase trabajadora de Nueva Jersey, esta película tan personal quizá no cumpla con tus expectativas. Pero los verdaderos fans —en especial aquellos que admiran el álbum Nebraska de 1982— conectarán con este drama íntimo.

Publicado entre el influyente álbum doble de 1980, The River, y el salto definitivo al estrellato cuatro años después con Born in the USA, Nebraska representó una audaz apuesta profesional, lejos de ser la cosecha de sencillos Top 10 que Columbia Records probablemente esperaba. Se trata de una colección acústica de temática oscura, grabada de forma casera, inspirada en los relatos de Flannery O'Connor, la película "Badlands" de Terrence Malick, el asesino en serie de finales de los 50, Charles Starkweather, y el trauma infantil no resuelto de Springsteen.

Todo esto supone un reto para Jeremy Allen White en el papel protagonista, y aunque su parecido con Springsteen es mínimo, profundiza en la melancólica interioridad del músico durante una época difícil que finalmente lo llevó a buscar tratamiento para la depresión. Interpreta al personaje recio, vestido con su uniforme de camisa de franela a cuadros, vaqueros y chaqueta de cuero, como un hombre agobiado por sus demonios. White también impresiona con su voz en directo; su voz solo se mezcla con la de Springsteen en algunas de las grabaciones de Nebraska.

Al principio, Cooper incluye un emocionante interludio con Bruce y la E Street Band arrasando en el escenario del Cincinnati Coliseum en 1981 con “Born to Run”. Pero esta es una película mucho más introspectiva de lo que sugiere esa escena. Tras la extenuante gira River Tour de doce meses, Bruce tiene 32 años y se siente perdido. Le dice a su amigo y representante de toda la vida, Jon Landau (Jeremy Strong): “Necesito volver a casa y bajar un poco el ritmo”.

Jon le consigue un alquiler en una zona tranquila y boscosa de Colts Neck, Nueva Jersey, donde intenta encontrar su camino. De vez en cuando, rememora sus días de músico en el Stone Pony de Asbury Park, pero mientras Columbia presiona a Jon para que lo guíe hacia el próximo éxito de "Hungry Heart", Bruce está más preocupado por sentirse ajeno al mundo que mejor conoce.

Incluso una chispa de romance con Faye (Odessa Young), una camarera soltera que trabaja en un restaurante y es la hermana menor de un compañero de escuela al que se esfuerza por recordar, se vuelve difícil de mantener para él en algunas de las escenas más conmovedoras.

El recuerdo se abre ante él cuando Bruce pasa en coche por la casa de su infancia, ahora una triste y destartalada vivienda en un barrio obrero, ya que sus padres se han mudado a California. Pero el miedo que a menudo sentía hacia su volátil padre, Doug (Stephen Graham), un alcohólico con violentos cambios de humor, y la ansiedad de su sobreprotectora madre, Adele (Gaby Hoffman), siguen muy presentes.

Cooper recurre al blanco y negro para los flashbacks, un recurso narrativo muy utilizado que funciona aquí gracias a la rica estética visual de Masanobu Tayayanagi, su colaborador habitual en la fotografía, y a su convincente ambientación. La vulnerabilidad del joven actor Matthew Anthony Pellicano Jr. en el papel del preadolescente Bruce también da vida a estos episodios; una escena en la que su padre lo lleva a ver "The Night of the Hunter" es especialmente memorable. Y Graham (Adolescence) introduce sutilmente matices redentores que se profundizarán en algunas escenas realmente conmovedoras entre padre e hijo hacia el final.

En cierto modo, se siente como un documental sobre la creación de un álbum, dedicando gran parte de su tiempo a Bruce componiendo y grabando canciones en una grabadora de cuatro pistas en su habitación de la casa de Colts Neck. Trabajando únicamente con el técnico de guitarra Mike Batlan (Paul Michael Hauser), graba versiones básicas de canciones que originalmente iban a ser desarrolladas en el estudio con la E Street Band. Pero durante las frustrantes sesiones en el legendario estudio de grabación Power Station de Hell's Kitchen, Bruce siente que la banda está eclipsando las canciones e insiste en reducirlo todo a lo esencial, masterizando el álbum directamente desde las cintas, con todas sus imperfecciones.

Los detalles del proceso de grabación resultarán fascinantes para cualquiera interesado en cómo se hace música, aunque la lucha de poder entre Bruce y el ingeniero Chuck Plotkin (Marc Maron) para conseguir el sonido minimalista y con eco que busca no sea precisamente el material más dramático. Pero hay humor en la reacción del ejecutivo de Columbia, Al Teller (David Krumholtz), a la noticia de Jon: "¿¡Va a sacar un disco de folk!?". Aunque los personajes secundarios podrían haber estado más desarrollados, hay una tierna sensación de que la gente intenta proteger a Bruce, incluso Faye, el personaje de Young, que tiene escenas desgarradoras en las que está tan preocupada por él como por su propio dolor.

Strong parece interpretar a Landau siguiendo su estilo habitual, pero la lealtad de Jon es conmovedora, actuando como un escudo entre Bruce y los ejecutivos de CBS. También comparte en casa con su esposa (Grace Gummer) sus preocupaciones sobre cómo las canciones de Nebraska abordan temas perturbadores de culpa, de los que se siente incapaz de hablar con su amigo. En un momento desgarrador más adelante en la película, Bruce le dice: «Creo que ya no puedo huir de esto». El dolor de Jon al confesar que se siente incapaz de ayudar es casi igual de palpable.

Además de Graham, Hoffman también causa una gran impresión como Adele. Su lealtad a su atormentado esposo, a pesar de todo lo que él le hizo pasar, sugiere un estoicismo arraigado, probablemente común entre las esposas de mediados de siglo, para quienes la idea de abandonar el hogar era impensable.

La producción, visualmente atractiva, destaca especialmente en la parte sonora. La escena en la central eléctrica, donde la E Street Band interpreta por primera vez "Born in the USA", es apoteósica, aunque la música en general tiene menos protagonismo del esperado. Por momentos, el biodrama se siente emocionalmente débil, pero hay una melancólica belleza en el hecho de que Springsteen sintiera la necesidad de posponer éxitos seguros como "Born in the USA", "Glory Days" e "I'm on Fire" hasta haber superado el impacto de "Nebraska".

La decisión de retratar al artista no como una estrella de rock, sino como un ser humano frágil pero también como un artista intransigente, dota a "Deliver Me From Nowhere" de una solemne integridad. Algunos argumentarán que faltan canciones clave de Nebraska. Y quien desee un análisis detallado, canción por canción, debería consultar el libro de Warren Zanes, que sirvió de base para el guion de Cooper. Lo que la película y la angustiosa e introspectiva interpretación de White transmiten con creces es el estado mental del que surgió uno de los álbumes más importantes de la discografía de Springsteen, el que él considera su mejor trabajo. Las películas sobre la depresión son difíciles, pero los fans que se involucren con el tema durante un momento de transición, de catarsis artística y personal, se verán recompensados.

Crítica Cinéfila: Frankenstein

Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza científica, Frankenstein considera que la criatura carece de inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.

Las influencias del terror gótico han impregnado la obra de Guillermo del Toro desde que el cineasta mexicano irrumpió en la escena con "Cronos", "The Devil's Backbone" y "El Laberinto del Fauno" (mi película favorita de todos los tiempos). El encuentro del guionista y director con la inmortal novela de Mary Shelley de 1818 se ha hecho esperar, y tras innumerables adaptaciones cinematográficas, se siente como un renacimiento electrizante. La suntuosa reinterpretación de "Frankenstein", obra de este gran maestro que desafía los géneros, honra la esencia del libro, pues se trata más de tragedia, romance y una reflexión filosófica sobre el significado de ser humano.

La ausencia o la imperfección paterna han sido un tema recurrente en las películas de Del Toro, recibiendo aquí un tratamiento conmovedor en la angustiosa relación entre el científico egocéntrico Victor Frankenstein y la criatura sin nombre a la que da vida a partir de partes del cuerpo cosidas entre sí. Esos papeles son interpretados, respectivamente, por Oscar Isaac con la tensa intensidad de un artista atormentado, cuya arrogancia se ve consumida poco a poco por el remordimiento; y por Jacob Elordi en una actuación reveladora, notable por su expresividad física, pero quizás aún más por su inocencia, su profundo anhelo y el vacío abrumador que le sigue cuando la Criatura comprende quién y qué es. La película plantea la cuestión de si la monstruosidad se define por la apariencia o por las acciones.

Además de su fuerza emocional, "Frankenstein" de Guillermo del Toro es una película de intensos placeres sensoriales. La aclamada imaginación visual del director (canalizada a través del excepcional trabajo de colaboradores que repiten en la película, como el director de fotografía Dan Lausten, la diseñadora de producción Tamara Deverell y la diseñadora de vestuario Kate Hawley) deleita constantemente la vista. El audaz uso del color, especialmente los rojos y verdes saturados que abrasan las sombras, es impresionante. Mientras tanto, los oídos se deleitan con una potente banda sonora orquestal que se encuentra entre las obras más cautivadoras de Alexandre Desplat.

Dividida en un preludio y dos partes cuyos títulos, "Victor’s Tale" y "The Creature’s Tale", dejan clara su perspectiva de juicio, la historia comienza en el Ártico, donde un capitán de barco danés (Lars Mikkelsen) supervisa los esfuerzos de su tripulación por desenterrar su nave del hielo. Al investigar un incendio que divisan al otro lado de la tundra, encuentran a Victor (Isaac) herido y al borde de la muerte, aunque sus perros de trineo están ilesos. La criatura, enfurecida, aparece casi como un gigante, una figura imponente y encapuchada, envuelta en pieles de animales. "Víctor. Tráelo ante mí", gruñe, apartando a los tripulantes que lo atacan y le disparan, y usando su fuerza descomunal para inclinar el barco. Cuando un disparo de trabuco derriba al monstruo y este cae por las grietas a las aguas heladas, el capitán lo da por muerto. Pero Víctor le asegura que la criatura es inmortal y que regresará; suplica a los daneses que lo dejen en el hielo y que ella se lo lleve.

Víctor le cuenta su historia al Capitán, comenzando con su infancia en una gran plantación familiar que ya no existe. Su madre francesa era todo su mundo hasta que murió al dar a luz a su segundo hijo. Esto deja al joven Víctor (Christian Convery) a merced de su frío y autoritario padre, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un distinguido médico británico a quien sospecha de haber salvado a su hermano pequeño a costa de la vida de su madre (parecería un homenaje a "El Laberinto del Fauno"). La acción avanza rápidamente hasta 1855, cuando Victor se dirige al Real Colegio de Medicina, demostrando su éxito inicial en la reanimación de tejido muerto. La comunidad médica, con sus pelucas y su actitud desdeñosa, se burla de la idea de que él domine las fuerzas de la vida y la muerte. Pero por razones que van más allá del interés científico y que se aclararán más adelante, el acaudalado comerciante de armas Heinrich Harlander (Christophe Waltz) se siente lo suficientemente intrigado como para financiar la investigación y experimentación de Victor.

Por esta época, reaparece William (Felix Kammerer), el hermano menor predilecto de Victor, ahora comprometido para casarse con Elizabeth ( Mia Goth ), sobrina de Heinrich, cuyo agudo intelecto y curiosidad científica cautivan instantáneamente a Victor. La entrada de Goth, con un deslumbrante vestido azul pavo real y un tocado de plumas, le confiere un aspecto casi sobrenatural. Es el primero de varios atuendos que la diseñadora de vestuario Hawley creó para Elizabeth —entre ellos, un traje verde musgo con velo y un vestido de novia blanco enjoyado— que la retratan como una figura de cuento de hadas, mostrando una belleza segura de sí misma. 

Aunque el título de “reina del terror” de Goth está más que consolidado, del Toro parece haber visto algo más en la actriz: una inteligencia directa, un espíritu y una fuerza que refuerzan la delicadeza de porcelana de su personaje. La predilección de Elizabeth por el color evoca una impactante imagen anterior de la madre de Victor en las escaleras de la casa ancestral familiar, envuelta en un velo rojo sangre que ondeaba al viento. También la define como una libre pensadora inconformista, muy parecida a Victor, con su elegante atuendo en blanco y negro con detalles rojos; él viste con un estilo ajustado, al estilo de una estrella de rock, a diferencia de otros hombres de la época con sus voluminosos trajes de tweed, quizás para destacarlo como una mente innovadora, atrevida y modernista.

Hay imágenes asombrosas a lo largo de toda la película; una de las más impactantes es el enorme laboratorio construido para Victor en un remoto castillo de la costa escocesa (casi todos los decorados de Deverell eran construcciones físicas hechas desde cero, como el barco danés, o composiciones de estructuras existentes, no creaciones digitales). Inspirándose en el clásico «laboratorio del científico loco» y elevando el ambiente con el tipo de detalles atmosféricos que caracterizan a Guillermo del Toro, los diseñadores equiparon el espacio con pararrayos plateados sujetos a una torre exterior, máquinas de vapor y enormes cilindros convectores verticales. La inscripción latina en la fachada del edificio —«Aqua est vita»— resulta apropiada para un experimento nacido de una tormenta. 

Inicialmente, Victor selecciona partes adecuadas del cuerpo de hombres condenados a muerte justo antes de ser ahorcados. Pero con la escalada de la Guerra de Crimea, los campos de batalla le proporcionan una gran variedad de cadáveres mutilados, entre los que abundan los hombres fuertes y de extremidades largas que necesita. Más que una simple cabeza cosida a un cuerpo y reconectada con un nuevo cerebro, la Criatura de Victor parece una cabeza de frenología de cerámica unida a una escultura de mármol remendada, cubierta únicamente con un taparrabos de vendas. Elordi habita el diseño de criatura de Mike Hill con una seductora mezcla de torpeza y gracia, pero, de forma igualmente notable, con una sensualidad que recuerda la carga erótica que del Toro y Hill imprimieron al hombre pez anfibio en "The Shape of Water".

Desde sus primeras apariciones, la Criatura muestra una vulnerabilidad conmovedora, deleitándose como un bebé con nuevos descubrimientos como el agua o las hojas. Víctor la mantiene encadenada en una gran área de contención, por la seguridad tanto del creador como de la criatura. Cuando Elizabeth la descubre allí, como atraída por el instinto, él queda hechizado por su presencia etérea, mientras que ella parece intuir la humanidad innata de la Criatura.

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Pero pronto se hace evidente que Víctor no había reflexionado mucho sobre lo que ocurriría después de la creación. Su confianza se resquebraja cuando Guillermo pregunta: "¿Te has preguntado alguna vez, de todas las partes que componen a ese hombre, en cuál alberga el alma?". Del Toro reconoce la influencia de la obra maestra homónima de James Whale de 1931 como una influencia decisiva, y su versión también se nutre de su secuela, posiblemente aún mejor, "Frankenstein's Bride" de 1935. Esto se hace evidente en la historia de la criatura, cuando escapa del castillo y encuentra refugio en una granja aislada con un anciano ciego (David Bradley), quien se alegra enormemente de tener compañía. Uno de los momentos más conmovedores de la película es cuando la criatura aprende la palabra "amigo". Ese es solo el comienzo de su educación, pues los libros le abren un mundo entero de lenguaje y conocimiento. La gran tristeza de la historia reside en la incomprensión entre “padre e hijo”, pero la desgarradora experiencia de pérdida de la Criatura es lo que lleva la monstruosidad a otro nivel. La desolación que lo invade al descubrir, a través del cuaderno de Víctor, que es "un miserable hecho con los desechos de la muerte", se agrava al comprender que la muerte definitiva se le ha arrebatado, negándole así el alivio a su dolor. Cuando unos cazadores lo abaten, sus pensamientos más íntimos se convierten en un tormento eterno y abrasador:"De nuevo el silencio, y luego la vida despiadada".

La cita de Byron con la que Del Toro cierra la película —"Y así el corazón se romperá y, sin embargo, seguirá viviendo"— indica claramente la visión del director sobre Frankenstein como una tragedia romántica de proporciones operísticas. "No puedo morir. Y no puedo vivir solo", le dice la Criatura a Víctor durante un enfrentamiento crucial. Los ojos oscuros y expresivos de Elordi transmiten una tristeza penetrante que no se había sentido en este personaje. La complejidad también reside en la gama emocional de la conmovedora interpretación de Isaac como Víctor, un hijo traumatizado que, al intentar jugar a ser Dios, engendra a su propio hijo traumatizado en el laboratorio. La caída en desgracia de este genio visionario, devastado por las consecuencias de sus actos, es una tragedia tan dolorosa como la de la Criatura. Aquí todos juegan a villanos y víctimas. Y todos saben crear la empatía suficiente para que cada uno duela en momentos cruciales.

"Frankenstein" ha sido un proyecto muy querido por el director Guillermo del Toro durante mucho tiempo, pero no hace falta leer sobre los más de diez años que le llevó sacarlo adelante para comprenderlo. La pasión se desborda en cada fotograma, convirtiéndose de las mejores películas de Guillermo del Toro, esta es una narración épica con una belleza, emotividad y maestría excepcionales. El "Frankenstein" de Del Toro es un logro extraordinario que, en cierto modo, se apropia de la historia emblemática del género de terror y la transforma en un relato de perdón. Si bien Netflix le ofrece a esta obra maestra visual solo tres semanas en cines antes de su estreno en streaming, merece ser disfrutada en la gran pantalla.

Crítica Cinéfila: A House of Dynamite

Cuando un misil de origen no identificado es lanzado desde mitad del océano Pacífico en dirección a Estados Unidos, la Casa Blanca comienza una carrera contrarreloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta.

Ocho años después de su último largometraje, Kathryn Bigelow regresa con un thriller implacable, tan controlado, dinámico e inquietantemente envolvente que al terminarlo uno se pregunta si el mundo seguirá en pie. Si bien se trata menos de una película bélica que de un drama sobre la amenaza de la guerra, "A House of Dynamite" guarda una estrecha relación con las impactantes obras posteriores de la directora, como "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty". Bigelow reúne a un elenco tan nutrido de actores de primer nivel, algunos de ellos en pantalla solo en una o dos escenas breves, pero todos dejando una huella imborrable en la historia. El extenso reparto no tiene ningún punto débil.

La gente suele recurrir a los mismos adjetivos para describir las mejores obras de la directora: cruda, descarnada, implacable, intensa y con una atención casi documental hasta al más mínimo detalle. Su potente nueva película para Netflix mezcla todas esas características, pero además es inteligente, emotiva, ingeniosamente construida y rigurosamente concisa en su narrativa. Gran parte del mérito recae, obviamente, en el incisivo guion de Noah Oppenheim, pero el impacto no sería el mismo sin la precisión quirúrgica de Bigelow.

Sin muchos preámbulos, la película nos sumerge en los tensos 20 minutos previos al posible impacto de un misil nuclear de origen desconocido, que avanza lentamente, sorteando barreras de monitores de seguimiento, hacia una importante ciudad estadounidense. La capacidad del país que lanzó el misil para evadir la detección temprana por satélite sugiere la posible preparación de un ataque múltiple meticulosamente planeado. La trama captura esos 20 minutos —con una diferencia de apenas unos minutos al principio y al final— desde varias perspectivas, mostrando las respuestas desde los más altos niveles en la Sala de Situación de la Casa Blanca y las oficinas del Comando Estratégico hasta las dispersas bases de defensa, pasando por caravanas de vehículos y helicópteros. La visión del procedimiento de crisis y las decisiones instantáneas que se requieren de grandes equipos de personas es fascinante.

Como proeza de montaje y cinematografía trepidantes, la película es un auténtico espectáculo. El montaje arrítmico de Kirk Baxter se basa en cambios vertiginosos que, junto con la atenta y constante cámara en mano de Barry Ackroyd, permiten a Bigelow redirigir nuestra atención con maestría. Aunque a menudo recuerda a series de televisión de ritmo acelerado y montaje rápido, su estética resulta fresca. El director de fotografía británico Ackroyd, que filmó "The Hurt Locker" y "Detroit" para Bigelow, así como varias películas de Paul Greengrass, incluyendo "United 93" y "Captain Phillips", es un maestro del lenguaje visual que pone los nervios de punta. La tensión palpable se mantiene también gracias a la dinámica partitura de Volker Bertelmann, que comienza con ominosos gemidos estremecedores y va cambiando de forma a lo largo de toda la obra.

La película comienza con un contexto útil: al final de la Guerra Fría, las potencias mundiales llegaron al consenso de que el planeta estaría mejor con menos armas nucleares. Pero esa era ha terminado, al igual que la ingenua idea de que cualquier simulacro de ataque nuclear sería de alguna utilidad. Varias naciones poseen ahora arsenales nucleares con capacidad de aniquilación, y sin embargo, a pesar de que la amenaza sigue aumentando, la preocupación pública se ha estancado. 

La primera parte comienza en el 49º Batallón de Defensa Antimisiles en Fort Greely, Alaska, una base militar donde un equipo bajo el mando del Mayor Daniel González (Anthony Ramos) es responsable de detectar las amenazas entrantes y destruirlas con misiles interceptores terrestres. La escena cambia a Washington D.C. mientras la ciudad despierta. La capitana Olivia Walker (Rebecca Ferguson) es un punto de comunicación lúcido con altos mandos militares como el general Anthony Brady (Tracy Letts), inicialmente deseoso de charlar sobre el partido de béisbol de la noche anterior hasta que la gravedad de la situación se hace evidente, y el secretario de Defensa civil Reid Baker (Jared Harris).

El guion de Oppenheim evita cuidadosamente que las escenas de la vida personal de los personajes se vuelvan melodramáticas y sentimentales. Sin embargo, aumenta la tensión dramática al saber que Walker tiene un hijo con fiebre preocupante en casa con su padre, que se preocupa lo suficiente como para animar a un colega (Malachi Beasley) que planea proponerle matrimonio a su novia esa noche, o que Baker aún está afectado por la muerte de su esposa y lucha por acercarse a su hija (Kaitlyn Dever).

Se trata de una obra coral sin papeles protagonistas, pero entre los personajes clave se encuentran el subasesor de seguridad nacional Jake Baerington (Gabriel Basso), cuya esposa embarazada trabaja en el Pentágono; la funcionaria de FEMA Cathy Rogers (Moses Ingram), que se resiste a ser incluida en la lista de evacuación prioritaria; y el teniente comandante Robert Reeves (Jonah Hauer-King), que asesora al presidente sobre estrategias de represalia. Observar cómo el miedo se refleja en los rostros de estos funcionarios disciplinados y altamente capacitados, o escuchar a un joven oficial militar llamar a su madre, resulta cada vez más desgarrador.

Idris Elba encabeza el reparto como presidente, pero si bien tiene autoridad absoluta sobre el uso de armas nucleares, no es más importante que cualquier otro personaje principal. En la primera toma, está fuera de la sede y solo se le oye por teléfono; la pantalla del panel de comunicaciones permanece en negro. Mucho después, lo vemos jugando al baloncesto y charlando cordialmente con un equipo femenino de baloncesto escolar antes de ser evacuado apresuradamente al llegar la noticia de la crisis. El presidente también llama a la Primera Dama (Renée Elise Goldsberry), en Kenia, como parte de un programa de conservación de elefantes (parece haber una alusión implícita a los Obama, empezando por la escena del baloncesto). La película no idealiza al presidente como un hombre de certezas inquebrantables. Las dudas que comparte con Reeves sobre las decisiones que debe tomar resultan conmovedoras. Sin condenarlo ni elogiarlo, el guion deja entrever con ironía que el encanto relajado del presidente es tan importante como su experiencia y autoridad. En un momento divertido, el jefe de su equipo de seguridad (Brian Tee) le dice a un colega: «Es mi tercero y todos son unos narcisistas crónicamente impuntuales. Al menos este lee el periódico».

Si hay momentos como ese que sugieren que Bigelow introduce breves respiros a la ansiedad, no es así. Manteniendo múltiples frentes abiertos mientras el tiempo se agota rápidamente, nos brinda un acceso íntimo a personas que se enfrentan a opciones cada vez más escasas, especialmente cuando las contramedidas fallan. «No hay plan B», dice el almirante Mark Miller (Jason Clarke), alto funcionario de la Sala de Crisis.

La franqueza con la que la película muestra la escasa probabilidad de destruir un misil nuclear entrante («Es como intentar darle a una bala con otra bala») resulta profundamente inquietante. Y una escena casi incidental, en la que la experta en Corea del Norte de la NSA (Greta Lee) observa una recreación de la Batalla de Gettysburg con su hijo en un día libre, parece un reconocimiento sardónico de que la guerra para Estados Unidos es una demostración de fuerza bruta con poca visión a largo plazo.

Bigelow agrupa "A House of Dynamite" con "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty" como un “tríptico no oficial”, ya que las tres películas tratan sobre operaciones militares y de inteligencia. Con una cohesión temática y una negativa a suavizar las situaciones de máxima tensión, todas ellas dentro del ámbito de lo posible, el director nos presenta una inquietante realidad de "podría suceder", mostrando a personas capaces haciendo lo mejor que pueden en situaciones extremas, pero sin ofrecer falsas garantías de que todo saldrá bien. Con un final que invita a la reflexión —y una imagen—, se trata de un thriller trepidante y una llamada de atención contra la complacencia.

Crítica Cinéfila: Good Boy

Un perro leal se muda a una casa rural con su dueño Todd. Allí descubre fuerzas sobrenaturales que acechan en las sombras. Mientras oscuras entidades amenazan a su compañero humano, el valiente cachorro debe luchar para proteger a quien más quiere.

Todos hemos experimentado lo escalofriante que es que una mascota perciba algo que tú no puedes percibir; esa sensación inquietante que se siente al ver a un perro ladrar en plena noche a una pared vacía, con la mirada perdida o alejándose a toda prisa persiguiendo algo que parece invisible. Es lo suficientemente escalofriante como para presenciarlo en persona, pero si a eso le sumamos imágenes de terror inquietantes —como la que abunda en "Good Boy" de Ben Leonberg—, se convierte en la base de una de las películas más aterradoras del año, que además es un emotivo y conmovedor homenaje al vínculo emocional entre las personas y sus amigos caninos. 

“Good Boy” tiene un concepto simple que esconde una producción independiente laboriosa e ingeniosa. El director, coguionista (con Alex Cannon), director de fotografía y productor, Leonberg, pasó tres años con su esposa y socia productora Kari Fischer entrenando a su adorable perro retriever, Indy, convirtiéndolo en uno de los actores más emotivos de su generación, independientemente de su especie. 

Indy es el compañero fiel de Todd (Shane Jensen), quien se muda a la cabaña de su abuelo en el norte del estado después de un susto de cáncer, sin importar que la casa sea espeluznante, que haya estado abandonada hace mucho tiempo, o que la hermana de Todd, Vera (Arielle Friedman), crea que los jardines están embrujados. Todd le resta importancia a todo eso, ajeno a la obvia atmósfera de "película de terror a punto de ocurrir" de la casa. ¿Sabes quién presiente el peligro de inmediato, al observar los ojos fantasmales que lo miran desde la oscuridad de la noche, la figura sombría que se arrastra por los rincones de la casa y los sonidos siniestros que vienen del sótano? Indy, por supuesto. 

Es fácil atribuir el éxito de "Good Boy" al poder de su estrella canina, pero la película se niega a que Indy parezca un truco barato. En todo caso, es un truco muy bien pensado, ya que el acto relativamente simple de reemplazar a un personaje humano tonto en el centro de una historia de casa embrujada por un perro hace que incluso los sustos más comunes y predecibles sean realmente efectivos. Después de todo, el público se muestra inmediatamente escéptico ante las películas de terror con perros (hasta el punto de que existe una página web dedicada a advertir a los amantes de los perros si uno muere en una película). Como Indy no tiene ni idea de lo que ocurre en la casa, ni siquiera es consciente de lo que es una casa embrujada, sus reacciones son más aterradoras y trágicas que las de un humano. Asimismo, la premisa se refuerza por el hecho de que Indy sigue bajo el mando de Todd y no puede salir de la casa a la primera señal de terror; es prisionero de las malas decisiones de su dueño.

El director de fotografía, que también es Ben Leonberg, mantiene la cámara a la altura de los ojos de Indy, usando su punto de vista para mostrar cómo el perro ve las cosas. Todd, el vecino, e incluso las extrañas apariciones, se ven ofuscados simplemente por su altura, lo que aumenta el misterio de la experiencia de Indy, pero también hace que el reconocimiento de la voz de Todd por parte de Indy sea aún más emotivo. Para crear tensión, gran parte de la película se limita a Indy ladeando la cabeza con curiosidad mientras mira a lo lejos, seguido inmediatamente por una toma de espacio vacío que da rienda suelta a la imaginación. El diseño de sonido también merece un gran reconocimiento por lo aterradora e impactante que es "Good Boy", no solo por los extraños y espeluznantes sonidos de la casa, sino también por cómo aísla, o incluso crea, los sonidos que Indy emite a lo largo de la película. 

No es que la actuación de Indy necesite un realce real, ya que el título del debut de Leonberg subestima lo bueno que es su protagonista. Sus ojos oscuros y fijos y sus orejas caídas transmiten una amplia gama de emociones que transmiten el terror con la misma lucidez con la que articulan el profundo e inquebrantable vínculo entre Indy y Todd. De hecho, "Good Boy" utiliza sus matices sobrenaturales para sembrar una historia de género sobrenatural con una simple alegoría sobre un niño y su perro.

Puedes sacar tus propias conclusiones sobre la naturaleza de las cosas raras que suceden en la casa (los perros pueden oler cosas que nosotros no, no solo drogas, sino también la muerte misma), pero hay algo innegable: Indy ama a Todd con locura y haría lo que fuera por él. "Good Boy" no solo te deja temiendo por la vida de Indy, sino que también te asusta pensar en cómo debe ser para un perro lidiar con el concepto mismo de la mortalidad. Puede que el perro real no tuviera ni idea de lo que estaba sucediendo en el set, o de que estaba en un set para empezar, pero su actuación es aún más conmovedora por lo bien que la película de Leonberg es capaz de aprovechar esa confusión en algo demasiado identificable para los humanos que observan.

Crítica Cinéfila: Boots, 1ra temporada

Ambientada en el duro e impredecible mundo del Cuerpo de Marines de Estados Unidos de 1990, cuando el ejército todavía no admitía a personas homosexuales, sigue a Cameron Cope (Miles Heizer), un joven sin rumbo que aún no ha salido del armario, y a su mejor amigo Ray McAffey (Liam Oh), heterosexual e hijo de un marine condecorado. Juntos, tendrán que lidiar con las minas —tanto literales como metafóricas— del campo de entrenamiento, donde forjarán lazos inesperados y descubrirán su verdadero yo en un lugar que les exige más de lo que creían poder dar.

Basada en las memorias del exmarine estadounidense Greg Cope White, "The Pink Marine", con producción ejecutiva del difunto Norman Lear y adaptación televisiva de Andy Parker, la comedia dramática militar de Netflix , "Boots", ofrece una mirada irreverente pero perspicaz a la amistad, la autodeterminación, el coraje y la aceptación en medio de los desafíos y las exigencias del campo de entrenamiento de los Marines de Estados Unidos. Tan hilarante como devastadora, la serie es una historia única sobre la madurez, centrada en un recluta marine improbable que busca desesperadamente encontrarse a sí mismo. 

“Boots” comienza en 1990 en una oficina de reclutamiento en Nueva Orleans. Tras el caos de la preparatoria y el acoso constante, Cameron Cope (un Miles Heizer perfectamente elegido) busca desesperadamente un nuevo capítulo. Decidido a ocultar su sexualidad y agotado por los caprichos de su caótica madre, Barbara (Vera Farmiga), quien ha mudado a su familia diez veces en los últimos doce años, Cameron, amante de Wilson Phillips, decide unirse a la Infantería de Marina junto a su mejor y único amigo, Ray McAffey (Liam Oh), para escapar de la monotonía de su vida y de las travesuras de su madre.

Por desgracia, no es muy consciente de en qué se está metiendo, y sin duda debería haber visto "Full Metal Jacket", como sugirió Ray, en lugar de las repeticiones de "Golden Girls". Cuando él y Ray llegan a Parris Island, Carolina del Sur, para su entrenamiento básico de 13 semanas y son sacados del autobús por un tiránico Sargento Instructor Superior (Cedrick Cooper) y sus ayudantes, enseguida se da cuenta de que ha tomado una decisión pésima. Tampoco ayuda que ser gay sea ilegal en todas las ramas de las fuerzas armadas. 

La serie abarca los tres meses del campamento de entrenamiento, incluyendo carreras de obstáculos y confianza, tiro con rifle y la prueba final de 54 horas, conocida como el Crisol. Cameron, Ray y todo el pelotón se ven sometidos a un duro trabajo físico y emocional. Aunque ya se siente fuera de lugar, la situación cambia aún más para Cameron con la llegada del Sargento Instructor Sullivan (Max Parker), un marine condecorado y despiadado que lo ve como un objetivo. Además, la determinación de Ray por convertirse en el Hombre de Honor de la unidad —el mayor honor para los reclutas— y la lucha de Cameron por integrarse ponen a prueba su amistad.

"Boots" toca todos los ritmos conmovedores por los que se conoce la obra de Lear, pero el creador Parker y la sala de escritores le pusieron su propio sello a la serie. Desde la banda sonora con influencias de los años 90, que incluye canciones de George Michael y Sade, hasta un elenco diverso y robusto con personajes distintivos y memorables, la serie es un retrato convincente, divertido y a veces trágico de la hermandad, el autosacrificio y el costo de servir a la patria. Aunque gran parte de "Boots" es pesada, las partes más ligeras, incluido el monólogo interior de Cameron, que se presenta como una versión más descarada y segura de sí mismo, hasta personajes destacados como su maniaco pero divertido compañero recluta Hicks (Angus O'Brien) y la tardía incorporación del orgullosamente dominicano Santos (Rico Paris) hacen que la narrativa sea memorable. 

Aunque el pelotón en sí mismo es el eje central de la historia, el público también descubre un poco más sobre el funcionamiento interno de los Marines y Parris Island. La Capitana Fajardo (Ana Ayora) es la primera mujer en liderar una compañía dominada por hombres en la base, y la serie ilustra la oposición misógina que recibe en su puesto, no solo de sus superiores, sino también de sus subordinados. Además, Cameron, quien anteriormente se había centrado en lo que percibía como sus propios defectos y en ocultar su sexualidad, comienza a ver las injusticias que también enfrentan sus compañeros reclutas, como la gordofobia y el racismo. 

“Boots” es una serie encantadora y emotiva. Trata sobre un joven que busca la introspección y la madurez en un entorno extraordinariamente desafiante y represivo. En vísperas de la Guerra del Golfo, el público conoce a varios jóvenes (y un par de mujeres) unidos por las circunstancias y llevados al límite mientras, lenta y a menudo dolorosamente, descubren quiénes son y de qué están hechos.

Crítica Cinéfila: The Smashing Machine

La historia real del luchador Mark Kerr (Dwayne Johnson), figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.

Golpes al cuerpo y múltiples rodillazos a la cabeza pueden romperle los huesos a cualquier persona, pero los sobrenombres son los que realmente hieren al pionero luchador de la UFC Mark Kerr, una bestia de hombre que podía aplastar a sus oponentes en el ring y desmoronarse tan pronto como salía de él.

En la cautivadora y poco convencional película biográfica de Benny Safdie, "The Smashing Machine", Kerr oscila entre lo frío y lo caliente, lo pasivo y lo agresivo, relajado en el sofá y pulverizando una puerta en su sala de estar, mostrando una fragilidad mucho mayor que sus enormes bíceps. Interpretado por Dwayne Johnson en la actuación más absorbente del luchador convertido en actor hasta la fecha, el campeón de artes marciales mixtas es la base de una película de lucha con altibajos que toma muchas referencias del género, pero nunca consigue un nockout al estilo de Rocky pues ni siquiera intenta ser como Rocky.

Siendo el primer largometraje del director sin la compañía de su hermano Josh, la película conserva mucho de lo que hizo que el trabajo de los Safdie fuera tan original: un realismo melancólico y estilizado; un elenco que mezcla actores entrenados con gente común; un ambiente deprimente animado por destellos de humor crudo y energía cinética; e historias contadas por protagonistas a menudo adictos a algo. Los deportes también han sido un elemento básico de Safdie, desde su melancólico documental de baloncesto "Lenny Cooke" hasta la obsesión de Adam Sandler con la NBA en Gems, y esto puede explicar por qué ambos hermanos eligieron hacer debuts en solitario sobre dos tipos muy particulares de atletas profesionales. En el caso de Josh, sería una estrella de tenis de mesa de la década de 1950 en su próxima "Marty Supreme", mientras que Benny se centra aquí en un exluchador universitario que se bate en duelo en los primeros años de la UFC, cuando los luchadores estaban lejos de ser nombres familiares y el deporte aún no era un gigante multimillonario (sin mencionar uno de los favoritos del actual presidente de Estados Unidos).

Ambientada entre 1997 y 2000, una época en la que Kerr se abrió paso a puñetazos, cabezazos y grappling en torneos en Estados Unidos, Brasil y Japón, el guion de Safdie subraya cómo la UFC comenzó como una organización marginal cuyas peleas mal pagadas solían terminar en sangre. La violencia era lo que atraía y repelía al público, y finalmente le pasa factura a Kerr, quien practica artes marciales mixtas como una disciplina que requiere un entrenamiento riguroso, algo que hace con su mejor amigo y compañero luchador de MMA, Mark Coleman. Este último es interpretado por el exluchador de la UFC Ryan Bader en una actuación convincentemente sólida, mientras que el entrenador de Kerr en sus combates finales es la leyenda de la UFC Bas Rutten. Esto significa que tres de los cuatro miembros principales del elenco de "The Smashing Machine" son auténticos pesos pesados ​​con orejas de coliflor abultadas (las de Johnson fueron creadas de forma impresionante por el diseñador de prótesis Kazu Hiro, quien hace al actor casi irreconocible). Y, sin embargo, Safdie consigue grandes actuaciones en todos ellos, centrándose en la camaradería macabra que comparten: cómo pueden parecer muy malos en el ring, pero son más bien gigantes amables en persona.  

De hecho, Kerr es tan encantador que suele ser pisoteado por su novia de toda la vida, Dawn (Emily Blunt), quien termina representando una amenaza mayor para él que cualquiera de sus oponentes. Agresiva, insistente, masticando chicle constantemente de forma desagradable, pero también comprensiva y cariñosa cuando Kerr atraviesa momentos difíciles a lo largo de la narrativa, Dawn es tanto la piedra angular de la altísima carrera del luchador como su talón de Aquiles.

Safdie escenifica sus disputas con la misma intensidad que las del octágono, en una película que oscila entre los golpes contundentes que Kerr soporta como luchador profesional y la angustia mental que Dawn le causa en casa. Esto no significa que ella sea la única responsable de todo el drama doméstico: Kerr está bajo tanta presión que puede resultar insoportable, pasando de entrenamientos intensivos en los que juzga qué tan bien Dawn prepara sus batidos de proteínas por la mañana, a atracones de opiáceos que lo dejan en coma en el suelo del baño. Aun así, la película juega con las cartas en contra de su protagonista femenina, obligando a Blunt a interpretar a una mujer que parece hacerle más daño que bien al hombre que ama.

Las numerosas debilidades de Kerr son también las fortalezas de una historia en la que las peleas se pierden con más frecuencia que se ganan. "The Smashing Machine" puede tomar prestados algunos clichés del género deportivo, como un divertido montaje de entrenamiento con la versión de Elvis de "My Way", o múltiples escenas de periodistas entrevistando a los boxeadores en Japón. En realidad, es una película que trata mucho menos sobre la victoria atlética que sobre la vulnerabilidad humana, y por lo tanto se alinea con otras películas de los hermanos Safdie sobre perdedores empáticos que sufren todo lo que la vida les depara.  

Johnson rara vez ha interpretado a un perdedor, pero siempre ha sido agradable, mostrando una enorme sonrisa que complementa sus enormes pectorales en escenas de acción que nunca le permitieron mostrar mucho alcance. Consigue llegar a lo profundo sin exagerar, cautivando al público con su amabilidad como un guerrero benigno que sufre escena tras escena, triunfando brevemente en el ring antes de sucumbir a la adicción o al dolor romántico. Al igual que Mickey Rourke en "The Wrestler" —una película de la que Safdie parece inspirarse en algunos detalles—, el actor ofrece una mezcla embriagadora de sangre, sudor, lágrimas, proteínas y una impotencia total.

Esos elementos impulsan a Kerr mientras finalmente deja su adicción a los opiáceos y se dirige al tipo de final que esperarías de cualquier buena película de lucha, con la oportunidad de enfrentar a su mejor amigo Coleman en un campeonato en Tokio organizado por Pride (un grupo japonés rival que la UFC absorbió en 2007). Pero "The Smashing Machine" es más "Toro Salvaje" que "Rocky", negándose a darles a los fanáticos del combate lo que quieren en un final que duplica el realismo, sin mencionar los traumas causados ​​por tanta violencia.

El realismo también es una parte importante de la estética sucia y poco llamativa de la película. El director de fotografía Maceo Bishop (quien trabajó con Safdie en su serie de Showtime, "The Curse") captura la acción al estilo documental con teleobjetivos y mucho granulado, mientras que el diseñador de producción James Chinlund destaca lo poco glamoroso que es el mundo de Kerr, desde el precario estadio de baile donde gana sus primeras peleas de MMA hasta la casa de Arizona que comparte con Dawn. El vestuario de Heidi Bivens muestra cómo finales de los 90 no fue precisamente un bastión de sofisticación, al menos en el mundo de las artes marciales mixtas.

Para una película protagonizada por un actor que se hizo famoso por sus combates simulados en la WWE, el mayor atributo de "The Smashing Machine" quizás sea que gran parte de ella no se siente para nada falsa. Excluyendo parte del drama con Dawn, que se exagera un poco en el último acto, Safdie logra que las luchas de Kerr sean lo más realistas posible. Cuando, en un cambio de último momento que supone otro arrebato de realismo, el verdadero Kerr reemplaza brevemente a Johnson, han pasado 25 años y no se parece en nada al hombre que hemos estado viendo por dos horas. Sin embargo, parece llevar el peso del mundo sobre sus hombros.