Crítica Cinéfila: Black Rabbit

Cuando el dueño de un restaurante de moda de la ciudad de Nueva York permite que su turbulento hermano regrese a su vida, abre la puerta a peligros cada vez mayores que amenazan con derribar todo lo que ha construido.

Gran parte de "Black Rabbit" falla un poco. Casi está a la altura, pero no es del todo correcta. Las actuaciones no son del todo convincentes. La ambientación no está representada con la suficiente claridad. La trama está ligeramente descalibrada. Nada por sí solo hace que la serie sea inviable, pero todo ello se suma a algo que no es tan bueno como debería ser para el género en el que se mueve y el nivel de presupuesto y talento involucrados.

La miniserie es un thriller neoyorquino protagonizado por Jude Law y Jason Bateman como los hermanos disfuncionales Jake (Law) y Vince Friedken (Bateman). Solían ser socios en un bar y restaurante del Bajo Manhattan llamado Black Rabbit, llamado así por su banda de rock indie de la era hipster, Black Rabbits, pero las adicciones e inestabilidad de Vince lo llevaron a ser separado del proyecto. En los años transcurridos desde entonces, Jake ha llevado el restaurante al éxito y está a punto de abrir un nuevo lugar que lo llevará a la cima del mundo de la restauración neoyorquina, si es que logra reunir el dinero. Vince, mientras tanto, está en serios problemas y regresa a NY buscando a su hermano para que lo rescate. Necesita pagar deudas de juego a unos gánsters violentos liderados por Joe Mancuso (Troy Kotsur) y el tiempo avanza. Jake sabe que su hermano es una mala noticia, pero no puede negarse a ayudarlo, y cuando Vince regresa al negocio y a la vida de Jake, su vínculo tóxico amenaza con destruirlos a ambos.

“Black Rabbit” se inspira en gran medida en clásicos del crimen fraternal neoyorquino, tanto antiguos como modernos, y alcanza su máximo esplendor cuando se trata sobre la codependencia fraternal. Vince es adicto a las drogas, el alcohol y el juego, y Jake es adicto a Vince. La forma en que Jake está dispuesto a arriesgarlo todo para ayudar a su hermano es totalmente creíble y auténtica. Desafortunadamente, todo lo demás no lo es, incluyendo el acento de Brooklyn de Law.

El mayor problema es Bateman, quien es coprotagonista, productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. Bateman, uno de los hombres más hollywoodenses de Hollywood, no es la elección correcta para interpretar a un delincuente de Coney Island que es lo suficientemente duro como para no inmutarse por el hecho de que unos matones le corten un dedo. Su personalidad mordaz funcionó bien en su anterior thriller policial de Netflix, "Ozark", porque Marty Byrde no era un tipo físicamente duro. Bateman fue muy convincente como un contador meticuloso que gradualmente aprende a ensuciarse las manos. Aquí, es poco persuasivo. Está haciendo el mismo sarcasmo y tensión que siempre hace en el contexto de un personaje cuyo carisma debería provenir de ser divertido e imprudente. Es una actuación monótona que lo hemos visto hacer variaciones durante décadas. Vince incluso llama a la gente "amigo", que es algo que muchos personajes de Bateman hacen.

Como director, Bateman no se fija en los detalles. Prefiere lo grande y amplio a lo sutil. Eso estuvo bien para la pura pulpa de "Ozark", pero "Black Rabbit" se ambienta en un entorno muy específico que Bateman y los creadores Zach Baylin y Kate Susman no dominan bien. La serie intenta aprovechar la energía sórdida del centro de la ciudad del resurgimiento del post-punk de principios de la década de 2000 a través de las interpretaciones de los Walkmen e Interpol y un cameo del guitarrista de The Strokes, Albert Hammond Jr., pero está ambientada en el presente, en el mundo de la vida nocturna y la restauración de alta gama: Jake intenta abrir un restaurante en el antiguo espacio del Four Seasons, un local de Midtown que es sinónimo de dinero y sofisticación, y ninguno de estos mundos tiene nada que ver con el mundo de clase trabajadora de los barrios periféricos del que vinieron los hermanos y con el que aún mantienen vínculos. Todos estos significantes se leen como "la cruda ciudad de Nueva York", pero en realidad son bastante dispares. "Black Rabbit" hace gala de impresionantes localizaciones de rodaje neoyorquinas —las entrañas de los Baños Rusos y Turcos, Times Square al amanecer, el vestíbulo del Hospital Bellevue— y este acceso a localizaciones de primer nivel le otorga una credibilidad visual que la narrativa no se merece.

Sin embargo, hay mucho dinero en pantalla, y la serie, sin duda, luce genial. La estética se inspira tanto en los thrillers neoyorquinos de los hermanos Safdie, "Good Time" y "Uncut Gems", que es prácticamente un homenaje, que graban la acción desde tan lejos que parece que la estás viendo a través de un telescopio. Las tomas pueden ser prestadas, pero son llamativas y técnicamente formidables. El diseño de sonido también está ejecutado a un alto nivel: lo que sea que hayan hecho para poder rodar en una azotea junto a la FDR Drive sin verse abrumados por el ruido del tráfico, es realmente impecable.

Aunque parece una película de los hermanos Safdie, se siente como "Ozark". Incluso tiene el mismo formato de créditos iniciales, mostrando elementos que entrarán en juego en el episodio. Como ese thriller ganador de un Emmy pero no tan prestigioso, la trama es implacablemente tensa, con muchos personajes y subtramas diferentes. Hay de todo, desde un hilo de Me Too que involucra a un cliente habitual bien pagado que se aprovecha del personal (un problema que Jake delega en la chef Roxie (Amaka Okafor) para que lo resuelva, lo que lleva a consecuencias imprevistas) hasta uno de los acreedores de Vince que se insinúa en la vida de la hija de Vince, Gen (Odessa Young). Siempre pasa algo, pero no siempre funciona. Todo tiene el mismo nivel de intensidad, incluso si obviamente no es tan importante o termina sin importar. Los tiempos de ejecución son inflados, y algunas escenas largas hacen que uno quiera adelantar el episodio. La realidad: la historia no empieza realmente hasta el final del segundo episodio. Le habría venido bien un poco más de tensión.

La buena noticia es que la serie mejora mientras avanza. Los dos últimos episodios están dirigidos por Justin Kurzel, el cineasta emergente responsable de proyectos fantásticos como la película policial "The Order" y la miniserie ambientada en la Segunda Guerra Mundial "The Narrow Road to the Deep North". Habiendo trabajado previamente con Law en "The Order", Kurzel sabe cómo sacar lo mejor del actor. Kurzel enfoca su cámara hacia el rostro de Law mientras la historia alcanza su clímax emocional y el dolor de Jake se desborda. Es un director de actores que también compone imágenes hermosas, como una toma melancólica, al estilo Michael Mann, de Law iluminado por los destellos de un coche de policía.

“Black Rabbit” no es mala del todo, pero nunca llega a ser tan buena como podría o debería ser. Hay un desajuste entre la seriedad con la que se presenta, con su estilo visual y temas familiares, y la imprecisión en la trama y la ambientación. Es como un turista en el Nueva York de los Safdie; tiene el aspecto adecuado y conoce los lugares, pero no lleva la ciudad en la sangre.

Crítica Cinéfila: One Battle After Another

Cuando su principal enemigo resurge después de 16 años, una banda de ex revolucionarios se pone de nuevo en contacto para rescatar a la hija de uno de los suyos, encarnado por Leonardo DiCaprio. 

El director Paul Thomas Anderson solo ha dirigido cuatro películas ambientadas en la actualidad. Salvo un puñado de ellas y una encantadora escapada al Reino Unido, ha dedicado su carrera a hurgar en los olvidos de la historia estadounidense, explorando a sus locos y profetas, a sus almas perdidas que se tambalean en los conmocionados días de la posguerra. La fiesta del fin del mundo de Boogie Nights dio paso al horror primigenio de "There Will Be Blood", luego al retrato de "The Master" del hambre espiritual de mediados del siglo XX, y finalmente al agotamiento hippie de "Inherent Vice". Tras dedicar un tiempo a los asuntos del corazón en "Phantom Thread" de 2017, Anderson decidió revisitar el Los Ángeles de los años 70 de Boogie Nights, solo que a través del prisma sentimental de "Licorice Pizza". De alguna manera, había cerrado el círculo, lo que le permitió dar la vuelta y afrontar la realidad que se le venía encima. 

En cierto punto, el aparente apego de Anderson al pasado se hizo tan evidente que empezó a parecer como si estuviera desconcertado, asustado y/o abrumado con el mundo moderno hasta cierto punto y, por lo tanto, posiblemente menos relevante para él. Así nos dispara con “One Battle After Another”, cuyo poder y misericordia residen en cómo funciona simultáneamente como una volcada demoledora en esa línea de ataque y una rendición sincera a sus méritos.

Vagamente abstraída de "Vineland" de Thomas Pynchon, ambientada en 1984, pero deseosa de reflejar una variedad de avances post-Reagan en el etnofascismo (la acción comienza en un hoy reconocible antes de saltar 16 años hacia adelante a un mañana claramente inalterado), esta comedia-thriller paranoica, propulsiva, hilarante y abrumadoramente tierna, un éxito de taquilla de persecuciones automovilísticas, no solo mira a la cara a un país destrozado con su relato ya profético de centros de detención de inmigrantes, caricaturas nacionalistas blancas y pretensiones absurdas para desplegar al ejército en ciudades santuario. También es la primera película de su tamaño que cristaliza con precisión lo jodidamente ansioso que se siente estar vivo en este momento, que captura la caricatura de la realidad estadounidense y proporciona una hoja de ruta convincente sobre cómo podríamos sobrevivir a ella. ¿Y cómo logra eso su cineasta, un niño prodigio apasionado, ahora padre de cuatro hijos a los 55 años? Sencillo: cae desde 12 metros del tejado de un edificio de apartamentos y cae justo sobre la hoja de su propia espada. 

Anderson siempre se ha sentido atraído por el autodescubrimiento; por la desgarradora búsqueda de un lugar y una permanencia en un mundo en constante cambio bajo nuestros pies. Dirk Diggler, el niño de preguntas Donnie Smith, Lancaster Dodd y el niño de mamá Reynolds Woodcock son solo algunos de los personajes inmortales que ha creado a lo largo de las últimas tres décadas, todos ellos inamoviblemente anclados a vidas pasadas que los arrastran hacia el futuro. Con "One Battle After Another", Anderson admite que no se diferencia de sus creaciones más perdurables. Con el tiempo, quizá ninguno de nosotros lo sea. 

Si bien Anderson nunca se ha estancado ni ha buscado con tristeza su antigua gloria (al contrario, su obra, que cambia de forma, es notable por su vitalidad ilimitada), Hollywood se ha derrumbado a su alrededor a pesar de sus esfuerzos por preservar la magia del celuloide. A pesar de ello, ha persistido, haciendo lo suyo al margen de un sistema de estudios que se desmorona más rápido de lo que su generación de cineastas puede fortalecerlo con nuevas películas. Sin embargo, su radicalidad formal se vio suavizada por una preferencia emergente por las cosas como eran, aunque solo fuera como un entorno. El pasado puede ser un refugio muy tentador para quienes se sienten frustrados por su incapacidad para cambiar el mundo. 

Pero la revolución se presenta de muchas maneras, y mientras que la nueva epopeya de padre e hija de Anderson implícitamente admite el conservadurismo de envejecer, este grito de guerra de unos 150 millones de dólares es la obra de un artista y un padre decidido a convencerse de que envejecer no tiene por qué ser lo mismo que rendirse. Que mantener viva la lucha es lo más parecido a ganarla. Si bien el espíritu alocado de esta película podría ser trasplantado de una novela de Pynchon de hace 35 años, es la inquebrantable actualidad de esta reinterpretación lo que le permite adoptar la perspectiva a largo plazo de la eterna guerra de Estados Unidos contra sí mismo y articular de manera tan brillante, en palabras de Gary Valentine, lo liberador que puede ser "dejar de usar el tiempo como excusa".

Enfrentando la maldad desenfrenada y la humillación sin fondo de la administración Trump desde sus primeros fotogramas sin necesidad de nombrarlo, "One Battle After Another" comienza a toda velocidad y avanza tan rápido que apenas se puede decir que se mueve en un círculo perfecto. El grupo revolucionario conocido como French 75 está conspirando para liberar a un grupo de migrantes que han sido encarcelados en un centro de detención de California cerca de la frontera con México, y un experto en demoliciones llamado "Ghetto Pat" (Leonardo DiCaprio) está tratando de demostrar su valía al resto de la tripulación. Los fuegos artificiales que lanza sobre el campamento no son las únicas chispas que desencadenará esa noche, ya que la obra de Pat llama la atención de la capitana de French 75, Perfidia Beverly Hills (una Teyana Taylor eruptiva, humeante de celo revolucionario). 

Perfidia es una superviviente nata con una obsesión por el poder imparcial que puede acabar con ella si no tiene cuidado, y eso es precisamente lo que ocurre cuando, tras infiltrarse en la tienda del líder del campo de detención, el coronel Steven J. Lockjaw (un Sean Penn excepcional como un Alfred E. Neuman pretencioso y esteroidal), le ordena al militar que se ponga en plena posición antes de soltarlo. Esa decisión incita una doble pasión sexual que obliga a Lockjaw a seguir a los 75 como Pepé Le Pew siguiendo el rastro de feromonas de una gata.

Cada banco que roban o cada oficina de senador antiaborto que vuelan acerca al coronel un paso más a chantajear a Perfidia para que se someta, y cuando finalmente hace su jugada, la subversiva egoísta no duda en salvarse a sí misma. Da igual que ella y Pat acaban de tener una niña, o que esté condenando a sus compañeras revolucionarias —incluida la ultraestoica Deandra (Regina Hall)— a una muerte casi segura. Perfidia está convencida de que ha perdido la batalla de su vida, y su determinación como radical y madre se apaga como un interruptor. 

Cuando la historia retoma una década y media después, el fabricante de bombas antes conocido como Ghetto Pat ha renacido como el autodenominado "amante de las drogas y el alcohol" Bob Ferguson en el enclave boscoso de Baktan Cross, donde pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa en bata, volándose los sesos con mala hierba y rumiando impotente sobre cómo proteger a su hija adolescente Willa de un pasado que se siente más como un delirio paranoico. No hay tal suerte: el coronel Lockjaw, ahora envejecido como un nabo humano camina como una ametralladora que ha sido embestida, mientras está siendo considerado para unirse a una camarilla de élite de adoradores hiperracistas y no descansará hasta eliminar a cualquiera que sepa que una vez tuvo relaciones sexuales con una mujer negra. No pasa mucho tiempo hasta que todo el peso del ejército cae sobre Baktan Cross bajo el disfraz de un abuso de poder más rutinario, y Bob se encuentra en riesgo de perder a su hija.

La chica es interpretada por Chase Infiniti, una recién llegada, con un magnetismo propio. Su actuación inspira una extraña especie de orgullo secundario y recompensa con creces los años que Anderson tardó en encontrarla. DiCaprio es algo menos revelador (aunque es raro verlo ser padre, a diferencia de un personaje que casualmente tiene hijos), pero el tipo trabaja con poca frecuencia —y a un nivel tan asombrosamente alto— que cada vez que reaparece se siente como una revelación en sí misma. 

Bob, un drogadicto maniaco y preso del pánico que corretea por la película en bata abierta mientras se toma latas frescas de Modelo como si fuera Gatorade, quizá no esté tan ido como el personaje de Pynchon en el que se basa, pero la "vaselina de la juventud" se ha formado sobre sus ojos inyectados en sangre de forma muy similar. Es profunda, constante y entrañablemente divertido verlo hacer de Forrest Gump todo lo que sigue a la llegada de Lockjaw a Baktan Cross, desde una redada glorificada de ICE hasta una persecución en coche inspirada en "Vanishing Point". La actuación ensangrentada de DiCaprio inmortaliza aún más al antiguo galán como el bufón más talentoso del cine moderno, pero aquí —colaborando por primera vez con Anderson, quien prodiga el mismo amor y atención a sus extras que a sus estrellas— el irritable genio cómico del actor encuentra una nueva dimensión a través de la deferencia natural de su personaje. 

Bob es a la vez el centro de la acción y un elemento secundario, como una tira de papel tapiz que se despega y se integra perfectamente con el fondo cuando no se está despegando. Esa dinámica resulta esencial para un segundo acto emocionante que coloca a Bob, junto con varias familias mexicanas indocumentadas, al cuidado del maestro de karate residente y protector sagrado de Baktan Cross en medio de un enfrentamiento gubernamental en todo el pueblo. Un contraste espectacular para el Bob permanentemente aturdido de DiCaprio, es el sereno Sensei de Benicio del Toro y su enfoque zen ante la amenaza que representan las fuerzas de Lockjaw, emergiendo gradualmente como el ethos desafiante de la película. "Hemos estado asediados durante cientos de años", dice con una respiración constante. "Olas del océano". 

Aquí, esas olas finalmente culminan en un río de colinas, mientras finaliza con una persecución en coche por los montículos ciegos de la Carretera 78 en Borrego Springs. Como todo en la película de Anderson, la acción vehicular es simple, fascinante, veloz y perfectamente expresiva. Esa velocidad vertiginosa resulta esencial para una película que oscila entre el delirio slapstick y la cruda realidad incluso más rápido que la banda sonora de Jonny Greenwood, que impulsa la acción con una implacabilidad al estilo de "Magnolia", mientras sus escalas de piano staccato se sumergen en el estruendo de los violines, como gotas de lluvia engullidas por un tsunami. 

"One Battle After Another" puede que sea una de las películas más absurdas que Anderson haya hecho, pero es innegable la sinceridad de sus horrores, ni la lucidez con la que diagnostica la pequeñez de los hombres que los infligen a los inocentes y vulnerables.

Salman Rushdie argumentó en "Vineland" sobre lo que Estados Unidos le ha estado haciendo a sus hijos. Por lo que "One Battle After Another" podría describirse como una película sobre por qué la gente sigue haciéndolas de todos modos, incluso mientras "la represión continúa ampliándose y profundizándose sin importar quiénes ocupen el poder". Bob y Willa solo comparten una escena antes de que "otra batalla" se interponga entre ellos, pero es una pequeña obra maestra de desconexión intergeneracional, con un humor espléndido, ya que el padre, aterrorizado, está demasiado aturdido por el miedo a perder a su hija como para apreciar lo bien que ella ha aprendido a compensar sus fracasos. 

Bob está tan enterrado en su propio pasado que se niega a involucrarse con el presente de su hija, pero mientras corre por la segunda mitad de esta película en busca de Willa, Anderson convierte al antiguo renegado en un emblema viviente de la verdad eterna de toda paternidad: tener hijos es lo más valiente que una persona puede hacer en un mundo que se vuelve más pernicioso cada día, pero criarlos significa estar aterrorizado cada minuto de vigilia por el resto de su vida natural. 

Tanto sobre la paternidad como "Phantom Thread" sobre el matrimonio, la última película de Anderson está impregnada de un miedo que está completamente ausente de la suprema confianza de su forma. Es un recordatorio incomparablemente reconfortante de que incluso los artistas más inmortales de hoy pueden morir de miedo ante la idea de que sus hijos luchen las mismas batallas que ellos. Batallas que un miembro de la Generación X como Anderson no puede evitar mirar a su alrededor y sentir que ha perdido. Un día estás detonando C4 dentro de un centro de detención del gobierno y al siguiente estás enviando a tu hija al baile del colegio con un dispositivo de rastreo de la Guerra Fría en el bolso. "El tiempo no existe", dice alguien en un momento crucial, "pero nos controla de todos modos". 

Sea como fuese, la emotividad sigilosa pero inmensa —y sorprendentemente optimista— de “One Battle After Another” se basa en la determinación liberadora que Anderson extrae del terror de envejecer. De la ira de un conservadurismo cada vez mayor. De la culpa de no poder romper el ciclo y convertir una película circular como esta en una línea recta. 

Bob no logra absolutamente nada durante su frenética búsqueda de Willa, pero al no poder proteger a su hija de los arrepentimientos de su pasado, descubre que ella es la mejor combinación de sus padres, y más que capaz de enfrentarse a los mismos demonios que lo dejaron tan paranoico. Que ella es la respuesta a sus miedos, no la personificación de ellos. Que criar hijos puede ser una revolución en sí misma si se hace bien, una que no necesita ser televisada porque tiene lugar en la relativa comodidad de tu propio hogar. El tiempo no es una excusa, sugiere esta magnífica película, es una guerra de desgaste. Y al unirse a su hija en el presente por primera vez desde que nació, Bob podría llegar a comprender que siempre ha estado del lado ganador. 

Crítica Cinéfila: Wednesday, 2da temporada (2da parte)

Tras la destrucción involuntaria del manicomio que dejó a Tyler liberado y a Wednesday Addams en coma, ella despierta para encontrarse en medio de un pueblo infestado de monstruos, y con una tensión avispada con su compañera y amiga Enid.

Aunque Jenna Ortega brilla como la gótica violonchelista favorita de todos, es un zombi quien se roba el espectáculo. La segunda temporada de la exitosa serie de Netflix de Tim Burton es un emocionante torbellino de acción trepidante, violencia sobrenatural y un toque de amor verdadero (platónico y familiar). Los primeros cuatro episodios de la segunda temporada de Wednesday fueron un poco caóticos , lo cual es mucho decir para una serie que gira en torno al caos y las travesuras sobrenaturales. Sin embargo, la segunda parte de la segunda temporada de Wednesday cierra el capítulo sobre todas esas subtramas (algunas más innecesarias que otras) y se centra en el meollo del asunto, incluyendo no uno, sino dos asuntos familiares y aumentando la apuesta (y los muertos) por última vez.

Wednesday despierta del coma. Sin embargo, no descansa ni un segundo, pues abre los ojos y se dirige de inmediato a la manifestación espiritual de la recién fallecida Larissa Weems (Gwendoline Christie), exdirectora de la Academia Nevermore. Como Weems es técnicamente la prima decimotercera de Wednesday, y como su "guía espiritual" solo puede ser un pariente, se convierte en el ángel proverbial que la acompaña durante los últimos cuatro episodios, reprendiéndola constantemente por sus decisiones arrogantes y egoístas, pero no sin antes brindarle la guía que tanto necesita. Wednesday cree que solo tiene que matar a Tyler (Hunter Doohan) antes de que él las mate a ella y a Enid (Emma Myer) para revertir la premonición, pero el peligro se vuelve mucho mayor de lo que jamás imaginó. Es un punto interesante de la trama, porque no es la abuela (Joanna Lumley) quien termina ayudando a Wednesday a reparar su relación con Morticia (Catherine Zeta-Jones), sino Weems, quien es la enemiga de Morticia desde hace mucho tiempo y que pasó sus años en Nevermore viviendo a su sombra.

Esta es solo una de las pequeñas sorpresas que se encuentran a lo largo de la segunda parte; algunas subtramas innecesarias y un poco aburridas en la primera parte regresan con fuerza en los últimos cuatro episodios. Aunque Pugsley (Isaac Ordonez) todavía no convence, su decisión de desenterrar la tumba de un estudiante de Nevermore fallecido hace mucho tiempo (de alguna manera) termina siendo lo mejor de la segunda temporada. Slurp (Owen Painter) se convierte en una figura central en la segunda parte, y deja a todos los demás en una posición deslumbrante.

A medida que recupera la consciencia y vuelve lentamente a su forma humana (por su alimentación basada en cerebros humanos), descubrimos que Slurp es mucho más que una simple mascota... y es la actuación de Painter la que lo convierte en uno de los personajes favoritos de la temporada y posiblemente la serie. Es absolutamente aterrador, pero también, de alguna manera, genial y astuto; recuerda un poco al chico malo de una película de terror adolescente de los 80 y 90, o incluso a Dan Stevens en The Guest. Painter le roba protagonismo a Ortega, volviéndose cada vez más cautivador con cada escena. 

Sin embargo, no todas las tramas tienen una gran revelación. Algunas de las más tediosas terminan entretejiéndose en un gran desastre dramático, y dicho desastre no tiene nada que ver con Wednesday ni con el tema principal de la serie. El director sospechoso de Steve Buscemi es un poco inútil; lo mismo ocurre con el profesor de Christopher Lloyd, con una cabeza incorpórea. Sin embargo, fue encantador verlo liderar un grupo de apoyo para otras personas sin cuerpo, un grupo al que Thing asiste con regularidad. En una escena, Agnes (Evie Templeton), la acosadora de Wednesday con sus convenientes poderes de invisibilidad, asiste a la reunión, sintiéndose incompleta tras ser despedida una vez más por Wednesday.

Agnes es una de las mejores partes de la nueva temporada, ya que su inquietante pero entrañable encanto y su devoción por una Wednesday completamente indiferente crean una dinámica sorprendentemente dulce. Sus celos por la amistad entre Wednesday y Enid son adorables y razonables. Su amistad florece maravillosamente a lo largo de la temporada y crea la relación más sólida y creíble de la serie, además de ser uno de los mejores aspectos de la serie en su conjunto.

Aunque esta temporada termina centrándose en la familia Addams, lo cual es emocionante de por sí, sigo sin impresionarme con el Gómez de Luis Guzmán ni, como mencioné, con Pugsley. Hay poca química entre Guzmán y Jones, y prácticamente ninguna química familiar con Ordóñez. Quizás esto se deba simplemente a que estoy acostumbrado a la interpretación romántica y encantadora de Gómez del difunto Raúl Julia, o incluso a la actuación de John Astin en la serie original de los años 60.

En cuanto a otros personajes, el tío Fester de Fred Armisen captura el espíritu del personaje sin perder el ritmo, y en el proceso suelta algunas frases bastante hilarantes. La Rosaline Rotwood de Lady Gaga fue más impactante en su promoción que lo que hizo en escena. Y aunque el desarrollo de los personajes de Gomez y Pugsley estuvo ausente esta temporada, tenemos la esperanza de que la temporada 3 traiga algo diferente y mucho más en línea con el clásico motivo "espeluznante y totalmente extraño" que la familia Addams ha llevado durante décadas. 

A los escritores detrás de Wednesday les encanta una buena red tejida por varios personajes secundarios excéntricos con su moralidad ambigua, y aunque condujimos por algunos caminos que no llevaron a ninguna parte, tengo la sensación de que la próxima temporada verá algunos giros bruscos y pronunciados que se sentirán absolutamente merecidos.

Crítica Cinéfila: Long Story Short

La trayectoria de unos hermanos, desde la infancia a la madurez, revive el pasado de la familia.

Por diseño, toma un tiempo para que "Long Story Short" logre captar la atención de la audiencia. La comedia animada de Netflix del creador de "BoJack Horseman", Raphael Bob-Waksberg, una vez más en asociación con la artista Lisa Hanawalt para Netflix, utiliza una estructura no lineal para sombrear su retrato de una familia judía en el área de la Bahía de San Francisco. La línea de tiempo salta de una década a otra, extendiéndose hasta mediados del siglo pasado y cubriendo eventos tan recientes como 2022. Sin una trama serializada y unidireccional, no es inmediatamente obvio lo que "Long Story Short" quiere decir sobre el clan Schwartz-Cooper: la matriarca Naomi (Lisa Edelstein), el patriarca Elliot (Paul Reiser), y los niños Avi (Ben Feldman), Shira (Abbi Jacobson) y Yoshi (Max Greenfield), renuncian al guion y simplemente se hacen llamar Schwoper.

Por lo general, no apoyaría este tipo de estructura. Sin embargo, “Long Story Short” tiene una intención muy interesante detrás de su forma poco tradicional. Es una serie sobre el duelo, la pandemia, los ciclos de la vida y el judaísmo; no solo el judaísmo, del cual hay innumerables representaciones en la cultura pop estadounidense, pues explora la religión y su modo de espiritualidad con mayor profundidad en un tono bastante extraño. Bob-Waksberg y sus escritores abordan estos temas con una sensibilidad que resultará instantáneamente familiar para los fans de “BoJack”: una mezcla de tonterías orgullosas y llenas de juegos de palabras y una percepción emocional poco común, una combinación que resulta letal para los que lloramos viendo series. “Long Story Short” evoluciona este modus operandi en una nueva creación distintiva, pero está impulsada por el mismo sentido afinado de las relaciones interpersonales, esta vez anclado en una dinámica familiar particular.

En los años 90 y 2000, los Schwoopers crecen en el suburbio muy real de Mountain View, y en la década de 2020 están en distintas ciudades californianas, navegando las mismas preguntas sobre el enmascaramiento y el aprendizaje remoto que alguna vez nosotros vivimos. El medio de la animación ya se utiliza para facilitar que los actores de voz interpreten al mismo personaje durante todo el camino, en algunos casos, desde la infancia hasta la vejez. Pero el surrealismo característico de la forma comienza a colarse por los bordes: como una luchadora corporativa despiadada trabaja en un competidor de Chuck E. Cheese llamado BJ Bananafingers; o un aula abandonada es literalmente invadida por lobos. Poco a poco, “Long Story Short” sitúa al espectador en su mundo, uno que es reconociblemente el nuestro salvo cuando no lo es.

La red de relaciones de Schwooper resulta especialmente natural. Avi y Shira son más cercanos en edad y comparten un mismo patrón de vida; Yoshi, el eterno bebé, permanece a la deriva mucho después de que sus hermanos se hayan establecido. Naomi es una madre judía de manual, que regaña, engatusa y asfixia a sus hijos con un desenfreno logorreico. Elliot, un hippie convertido en profesor, es mucho menos definido que su esposa e hijos; quizás un trabajo para la segunda temporada. Al igual que los personajes de Philip Roth con los que se parece mucho, Naomi sigue siendo el sol alrededor del cual giran los complejos psicológicos de todos mucho después de haber dejado el nido.

Pero algunos estereotipos tienen sus raíces en la verdad, y hay una especificidad en cómo Naomi y otros personajes encajan en un espectro de identidad judía. Cuando Avi trae a casa a su futura esposa Jen (Angelique Cabral) en el piloto, hay tensión porque Jen confunde los dos juegos de platos que usan los Schwoopers para mantener la kosher. En un momento de círculo completo, Naomi intenta alimentar a un personaje aún más observante más adelante en la temporada, pero se niega, porque la comida no fue preparada en una cocina completamente kosher. El mismo espectro abarca cada enfoque. La ruidosa incongruencia de una religión que carece de una autoridad central como el Papa es un objeto de fascinación para "Long Story Short". "No hay una sola manera de ser judío", intenta explicar Kendra (Nicole Byer), la esposa de Shira.

Los episodios, como en el caso de "BoJack", con una duración concisa y uniforme de 25 minutos, comienzan con una viñeta en una línea temporal antes de que la historia principal se desarrolle en otra. A veces, pero no siempre, el esbozo más corto es un flashback que contextualiza un interludio más reciente. Nuestra impresión colectiva del clan Schwooper se forma de forma gradual y global. Los protagonistas que conocemos de niños se convierten en padres; los principales "coming-of-age", desde los funerales hasta los bat mitzvá, se repiten a lo largo de las generaciones. Cada personaje existe como todas las versiones de sí mismo a la vez, tanto el adolescente malcriado como el adulto exhausto. Esta filosofía se expresa con mayor fuerza en los créditos iniciales, un montaje de fotos familiares que avanzan y retroceden en el tiempo con violines que suenan con intensidad. Es una respuesta contemporánea a "Amanecer, Atardecer" de "El Violinista en el Tejado", por citar un clásico judío-estadounidense con el que estoy casi seguro que se criaron los Schwoopers. 

Los últimos dos años han estado marcados por intensos y a menudo rencorosos debates en torno al judaísmo, tanto dentro de la comunidad en general como en grupos nucleares como los Schwoopers. Las palabras "Israel", "Palestina" y "sionismo", junto con el discurso que las acompaña, no aparecen en absoluto en "Long Story Short". Al principio, puede resultar desconcertante que una serie tan judía omita lo que últimamente ha sido una parte ineludible de la vida judía. Pero la serie llena el vacío dejado por esa ausencia al abordar, profunda y sinceramente, todo lo demás que es el judaísmo. Un episodio de Yom Kipur me conmovió hasta las lágrimas, tratado como algo más que un pretexto para chistes sobre el ayuno y la culpa. Además, la aceptación de la multiplicidad judía me pareció una especie de consuelo indirecto. En un momento lleno de amplias declaraciones sobre lo que los judíos deberían o no deberían ser, "Long Story Short" es un contrapunto refrescante.

Aunque “Long Story Short” trata sobre experiencias universales como la familia y la pérdida, lo hace de una manera tan singular que es difícil no sentirse protector de una especie cada vez más en peligro de extinción. Pero incluso si no hubiese una segunda temporada ya confirmada en camino, como sea ofrece un viaje completo y catártico en su mirada itinerante al pasado y presente de los Schwoopers. La serie funciona más a menudo en un nivel de "sonrisa y asentir en señal de reconocimiento" que de "reírse a carcajadas", y no duda en combinar momentos de tristeza y alegría de maneras que no siempre son fáciles de digerir. Nos reímos en los funerales. Nos sentimos miserables en el baile de graduación. Un bat mitzvá puede carecer de valor religioso y una habitación de motel lúgubre puede ser un lugar sagrado. Es posible que no sea del agrado de todos los que amaron a BoJack Horseman, pero está llena de pequeños placeres inmediatos antes de ofrecer algo potente y completamente identificable al final.

Crítica Cinéfila: The Roses

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.

Esta es una idea divertida para una nueva versión de una de las sátiras más amargas y oscuras sobre los dolores del matrimonio: ¿Qué pasaría si pasáramos un tiempo serio en los días de gloria de nuestra relación central? Tal es la idea un tanto audaz de " The Roses " de Jay Roach, una reimaginación de la novela de Warren Adler "La guerra de los Roses" y, en menor medida, la increíblemente divertida película de 1989 de Danny DeVito del mismo nombre. En el papel, esto puede sonar tonto y extraño, pero Roach y sus estrellas Benedict Cumberbatch y Olivia Colman encuentran tanta diversión en los días felices que casi distraen de lo que es inevitable.

Con un guion de Tony McNamara (“The Favourite”, “Poor Things”), la película de Roach arranca lejos de esos días felices, con Theo Rose (Cumberbatch) e Ivy Rose (Colman) enfrentándose en una sesión de terapia de pareja que alcanza su máximo esplendor cuando Ivy insulta a su marido. ¡Ah, el humor británico! Pero mientras su terapeuta se horroriza ante la tensión y los insultos, llegando incluso a anunciar que los Rose no tienen solución, los dos no pueden evitar reírse disimuladamente.

Retrocediendo en el tiempo, pronto vemos cómo empezó todo: con un encuentro inolvidable, pero que también insinúa lo que podría separarlos en los próximos años. Theo es un arquitecto decepcionado por el estado de su obra, obligado a celebrar la finalización de un edificio de apartamentos sin alma en una elegante comida con sus compañeros de trabajo. Cuando se escapa para un descanso, termina en la cocina, justo delante de una sonriente chef, Ivy, ocupada preparando un carpaccio de salmón y lidiando con sus propias preocupaciones profesionales. A los pocos segundos de conocerse, se preguntan si simplemente se van juntos a Estados Unidos. Si estás dispuesto a creerte ese particular (y peculiar) giro argumental, probablemente te entusiasmes con lo que está por venir. Diez años después, la pareja británica ha dado sus frutos. Felizmente instalados en el condado de Mendocino, California, la carrera de Theo está en auge, tienen un par de gemelos que parecen felices, e Ivy se ha dedicado a cocinar por diversión.

Y, sin embargo, han empezado a aparecer pequeñas grietas. Theo aún mantiene la esperanza de construir algún día la casa de sus sueños, la vida de Ivy parece relegada principalmente a ser esposa y madre, y sin duda parece que la pareja tiene ideas discordantes sobre la crianza de los hijos. McNamara entrelaza estos detalles a la perfección, y Cumberbatch y Colman, tan naturalmente entusiasmados el uno con el otro, poco a poco empiezan, si no a distanciarse, al menos a criticarse.

Cuando Theo decide gastar el dinero de su casa en un restaurante de mariscos para Ivy, es el primer paso hacia su ruina. Y cuando el último proyecto de Theo —un enorme museo dedicado a la vida marina con forma de barco— se derrumba durante una tormenta particularmente fuerte (un evento que se viraliza de inmediato), poniendo fin a sus propios sueños profesionales, es solo otro clavo en el ataúd. Mientras que el libro de Adler y la película de DeVito imaginaban a la Sra. Rose como una estrella emergente de la restauración, la película de Roach la convierte en una marca culinaria masiva, y el éxito de Ivy la catapulta a la cima del mundo gastronómico. Un día está haciendo galletas con forma de Big Ben en casa, y al siguiente, está viajando con David Chang.

Esto no le sienta bien a Theo. Mientras que en versiones anteriores de la historia los Rose tenían dos hijos casi adultos, el guion de McNamara reduce la edad de los niños (Hattie y Roy, interpretados por Delaney Quinn y Ollie Robinson, de diez años, y Hala Finley y Wells Rappaport al cumplir los 13), lo que aporta una nueva dimensión a los problemas de Theo e Ivy. Mientras ella se dedica a abrir nuevos restaurantes —con la ayuda de sus empleados de toda la vida, interpretados por Sunita Mani y Ncuti Gatwa —, Theo, recién convertido en padre a tiempo completo, se dedica a criar a los niños a su imagen. Eso significa mucha actividad física y menos postres azucarados.

Son esos desacuerdos aparentemente insignificantes los que empiezan a erosionar su matrimonio. Y aunque mucho de esto pueda parecer muy serio, la película de Roach suele ser muy divertida. Los momentos en los que los Rose se critican entre sí —un momento con unas donas desafortunadas es genial— contrastan con escenas cómicas más significativas que los unen, como una visita a un club de tiro local con sus locos amigos estadounidenses (Andy Samberg, Kate McKinnon, Zoë Chao y Jamie Demetriou). Pero si bien estas secuencias son inteligentes y divertidas, también socavan constantemente los aspectos más amargos de la historia original en el corazón de la película.

Pero si bien la cena, realmente aterradora y a la vez divertidísima, que posiblemente lo pone todo patas arriba se encuentra entre las mejores obras cómicas de Roach, Cumberbatch y Colman, lo que sigue contrasta con todo lo anterior. Que McNamara haya escrito una versión completamente nueva de la novela de Adler es realmente refrescante, pero el tono más ligero y la mayor dependencia del romance real entre sus protagonistas hacen que lo que está por venir sea aún más difícil de digerir.

La película de DeVito no temía ser oscura, profunda y cruel desde el principio, pero en el último acto de la película de Roach, los ataques que Theo e Ivy se lanzan entre sí sorprenden, y no siempre de forma entretenida. Puede parecer absurdo preguntarse si esta versión de "La Guerra de los Roses" es demasiado cruel, pero así es precisamente como se siente. Demasiado cruel, demasiado directa y demasiado extravagante, al menos en el mundo que Roach y McNamara han tejido previamente. Todo es diversión y juegos, hasta que alguien sale lastimado.

Crítica Cinéfila: The Conjuring, Last Rites

Los investigadores de lo paranormal Ed y Lorraine Warren se enfrentan a un último caso aterrador en el que están implicadas entidades misteriosas a las que deben enfrentarse.

La saga de "El Conjuro" de James Wan ha persistido como una especie de contradicción. Su dinastía —10 películas en total— contradice una serie que, a diferencia de franquicias igualmente grandes como Marvel o DC, realmente triunfa como reflexiones íntimas sobre la fe y la familia. No es difícil ver por qué las películas de "El Conjuro" en particular han sido tan populares: son historias católicas en las que personas fundamentalmente buenas se ven desafiadas a mantener sus almas intactas en un mundo donde Dios y el diablo no son abstracciones sino fuerzas reales en nuestro mundo material.

A pesar de los juguetes espeluznantes, las muñecas malditas y las bestias con cuernos, "El Conjuro" trata del poder del amor para alejar el espectro del mal. Y un símbolo de ese poder siempre han sido Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga, respectivamente). Si bien los Warren de la vida real tenían una mala fama ganada que desconozco a detalle, los de la ficción son una pareja sumamente entrañable cuyo amor mutuo es mucho más firme que el velo entre los vivos y los muertos.

Para los fans de la serie, el guion inicial de Last Rites resulta, a primera vista, bastante escalofriante. La cuarta película promete una historia tan devastadora para la vida de los Warren, que se ven obligados a alejarse del foco de atención, poniendo fin a sus carreras. Dado que los Warren en la vida real vivieron hasta bien entrada la vejez, y que su hija Judy Spera ahora dirige su propia empresa de investigación paranormal (y, además, que la película se ha promocionado ampliamente como la última película de los Warren ficticios), el guion resulta, en el mejor de los casos, un tanto ligero.

"Last Rites" es apropiadamente aterradora, mucho más exitosa en una base de susto por susto que la segunda o tercera película, y un regreso suavizado a los placeres estéticos del primer Conjuro de Wan . Los guionistas Ian B. Goldberg, Richard Naing y David Leslie Johnson-McGoldrick nos devuelven inteligentemente a la cuestión de la viabilidad de los Warren como unidad familiar, preguntando, por primera vez en la franquicia, cuál podría ser el costo psicológico de sus casos, no solo para Ed y Lorraine, sino también para su hija, Judy (Mia Tomlinson). Después de todo, esta es una vida dedicada a tratar íntimamente con los fantasmas, demonios y espíritus asesinos.

La película comienza la noche del nacimiento de Judy, en 1964, cuando los jóvenes Ed y Lorraine (Orion Smith y Madison Lawlor, respectivamente) se libran de un extraño espejo endemoniado y corren al hospital. Pero al nacer la bebé muerta, Lorraine reza para que reviva. La escena plantea la difícil posibilidad de que su hija esté condenada o, peor aún, que Lorraine haya ofrecido el alma de Judy al diablo a cambio de una larga vida.

Durante gran parte de la película, esa atractiva idea sustenta la trama principal como una bomba de tiempo. El director Michael Chaves, de forma mucho más acertada y conmovedora que en sus anteriores trabajos para la franquicia, construye una tensión intensa mediante presagios efectivos y con varias complejas máquinas de Rube Goldberg. Last Rites se basa en la supuesta aparición fantasmal de la casa de la familia Smurl en West Pittston, Pensilvania, entre 1974 y 1989, una aparición que desencadenó un revuelo mediático y un libro coescrito por los Warren. .

Como en cualquier otra película de "El Conjuro", los detalles del "porqué" son menos importantes que la mecánica misma del fantasma, y ​​Chaves y compañía prescinden de la labor investigadora que dificultó "El Diablo me obligó a hacerlo" en favor de una serie de escenas realmente espeluznantes. También vinculan de forma importante las propias experiencias de los Warren con las de la familia Smurl, lo que le da a este capítulo una sensación más personal y, sin duda, más devastadora que las anteriores.

En una saga admirablemente seria, "Last Rites" se lleva fácilmente el reconocimiento como el capítulo más sano del grupo, con su insistencia en Dios y la fe tambaleándose hacia la propaganda religiosa. Pero el enfoque es indudablemente efectivo, con un clímax que es tan aterrador como emocionalmente resonante. De una manera que no siempre ha sido cierta en "The Conjuring", muchos de los momentos más aterradores de la película están ligados a la perfección a los riesgos emocionales de los personajes. Una escena en la que Judy es perseguida por una presencia fantasmal mientras se prueba vestidos de novia frente a un espejo infinito es uno de los sustos más impresionantes de la franquicia, y hay otra escena exquisitamente discordante con un personaje recurrente de la saga que es una manipulación magistral.

Todos estos momentos culminan en una pregunta que ha estado presente en las diez películas del universo extendido: ¿Es mejor ahuyentar los fantasmas del pasado con pura fuerza de voluntad o enfrentarlos sin miedo? Para Ed, Lorraine y, quizás especialmente, para Judy, es una pregunta que los perseguirá en la siguiente etapa de la vida, o más allá del falso reflejo del espejo, hacia la trampa mortal de lo desconocido.

Crítica Cinéfila: Bring Her Back

Tras el fallecimiento de su padre, dos hermanos son adoptados por una mujer que vive en el bosque y cuyas actitudes les generan sospechas.

El dolor consume la nueva película de los directores Danny y Michael Philippou, "Bring Her Back". Lo alimenta todo. El tipo de agonía primaria y absorbente que funciona como un agujero negro, atrayendo todo lo cercano hacia su gravedad y extinguiendo la luz. El estilo de terror y dolor de los Philippou es tan visceral y brutal como cabría esperar de su ópera prima, "Talk to Me", pero sin nada de la vitalidad ni la esperanza. En cambio, "Bring Her Back" opera con una sensación inquebrantable y palpable de miedo y angustia de principio a fin.

El único momento verdaderamente despreocupado en el sombrío segundo trabajo de los Philippous llega con la escena inicial que presenta al protector hermano mayor Andy (Billy Barratt) mientras recoge a su hermana Piper (Sora Wong), quien tiene discapacidad visual, de la parada del autobús, apenas momentos después de que ella intenta sin éxito hacer nuevos amigos. El tierno momento entre hermanos tan unidos se detiene bruscamente cuando llegan a casa y encuentran a su padre muerto en la ducha, un momento traumático que apenas tienen tiempo de registrar antes de que los servicios sociales comiencen a ubicarlos en nuevos hogares.

Los acoge Laura (Sally Hawkins), una mujer excéntrica que ya tiene a su cargo un niño bastante peculiar: el mudo Oliver (Jonah Wren Phillips). Resulta que Laura también está muy familiarizada con las pérdidas profundas y tiene planes para sus nuevos pupilos.

A pesar de algunas cintas ocultistas bastante espeluznantes que indican lo que Laura pretende lograr y una actuación escalofriante de Jonah Wren Phillips como el misterioso niño poseído a su disposición, el guion de Danny Philippou y Bill Hinzman mantiene el horror mayormente relegado a un segundo plano. Eso no quiere decir que sea deficiente o moderado (Oliver es un desagradable pero excelente ejemplo de horror corporal), sino que la mayor parte de la tensión deriva de las malvadas maquinaciones de Laura en su determinación de lograr su objetivo. Eso implica mucho gaslighting y abuso, abriendo una brecha intencional entre Andy y Piper, lo que se vuelve aún más desgarrador y cruel considerando que todo se inflige a menores. 

Como tal, la película le pertenece a Sally Hawkins; la astucia calculada de Laura es tan exasperante como cautivadora e impredecible. Laura es de las que saben cómo engañar y usar su encanto, y cómo destruir por completo a un alma joven que aún se recupera de la pérdida de casi todo su mundo. El hecho de que Hawkins también logre generar compasión por el propio dolor de Laura o casi caer en sus muestras de bondad habla de ella como intérprete; el guion oculta demasiado de la humanidad de Laura hasta el final. Para entonces, es demasiado poco y demasiado tarde.

Parte de esto se debe a la increíblemente desgarradora interpretación de Barratt como un adolescente que intenta mantener la compostura durante el peor momento de su vida, pero fracasa sin culpa propia. Sin embargo, la mayor parte se debe a la meticulosa concentración de los Philippous en situar a su público con un miedo opresivo a costa de la historia y el susto. Cuando Andy se sincera con Laura, por ejemplo, se introduce una subtrama manejada con torpeza, hasta llegar a un punto manipulador. 

El verdadero horror aquí es de tipo humano, con elementos ocultos superficiales y fugaces, en apoyo de una mujer tan consumida por el dolor que se ha convertido en una vil bestia. Bring Her Back la presenta como tal y lucha por exponer su humanidad, lo que la convierte en una obra con un tono más soso que el debut de Philippous. Es una película que te atrapa con su angustia, acumulando el trauma a un ritmo constante hasta llegar a un final desolador que rechaza incluso una apariencia de catarsis por la miseria sufrida.

Es diferente y devastadora, ya que muestra que las causas del dolor pueden ser externas, pero su manifestación es totalmente interna: solitaria, sin forma, fea e insondable. "Bring Her Back" es una obra más refinada de Philippous, pero también más restrictiva y simple. Es impresionantemente audaz e impactante en la forma en que los directores siguen desafiando los límites del terror y rompiendo tabúes, especialmente cuando se trata del público infantil, lo que garantiza una experiencia trepidante y agotadora que te dejará con la boca abierta. Pero es tan desgarradora en su oscuridad inquebrantable que es difícil imaginar algo que se acerque a ella como la película de terror más impactante del año.

Crítica Cinéfila: En el Barro

Cinco presas forjan un vínculo único tras un accidente mortal, pero la corrupción y las luchas de poder de la cárcel amenazan con separarlas. Spin-off de 'El marginal'.

La prisión ha sido un ambiente utilizado con frecuencia para servir de universo de una serie. Pero una de las prisiones más desoladoras está en la serie argentina "En el Barro".

La serie inicia con siete mujeres subiendo a la parte trasera de una camioneta de alta seguridad. Cada una está presa por una razón muy particular, pero todas tienen en común que es su primera vez enfrentándose al sistema de justicia penal argentino. Durante el traslado a la penitenciaría de mujeres de La Quebrada, la camioneta y su convoy de protección sufren una emboscada, adentrándose en un río y hundiéndose rápidamente cuando la parte trasera explota y una de las siete mujeres es rescatada por sus cómplices. Una de las detenidas, Gladys Guerra (Ana Garibaldi), logra encontrar la llave y quitarles las esposas a otras cuatro mujeres, pero una se queda atrás y se ahoga. Las cinco sobrevivientes se arrastran hasta tierra, cubiertas de barro. De ahí va el nombre de la serie, pero se pudiese conectar también a muchas de las acciones internas de la prisión que tendrán que sobrellevar.

Gladys y las otras mujeres —Olga Giuliani (Erika de Sautu Riestra), Marina Delorsi (Valentina Zenere), Yael Rubial (Carolina Ramírez) y Solita Rodríguez (Camila Peralta)— son enviadas a La Quebrada tras recibir el alta médica, pero el incidente ha sido noticia en todos los medios, y las reclusas se enteran al llegar. La directora de la prisión, Cecilia Moranzón (Rita Cortese), también es llamada a trabajar, quien en ese momento, está invitando a cenar a una reclusa embarazada. Las mujeres se integran a la población carcelaria tras el examen médico; Yael va a la sección de Familias, donde hay reclusas embarazadas y niños de otras reclusas correteando. Gladys y Marina son enviadas al pabellón central. Olga y Solita son enviadas al pabellón dirigido por una mujer llamada La Zurda (Lorena Vega); ella está a cargo de un centro de pornografía allí, y cuenta con recursos como teléfonos y wifi. Le pregunta específicamente a Olga, cirujana plástica, si puede realizar cirugías de rejuvenecimiento vaginal a sus "hijas".

Cecilia informa a María (Cecilia Rossetto), una de las reclusas más veteranas y poderosas, que su sobrina fue la prisionera que se ahogó durante la emboscada. Claro que ahora María jura vengarse de las cinco supervivientes que ahora forman parte de la población. También se ha ganado la enemistad de La Zurda, quien se irrita por el acuerdo que María ha cerrado con Cecilia sobre suministros y medicamentos, básicamente porque no reciben una compensación proporcional a lo que aportan al fondo. Mientras tanto, Gladys no se deja intimidar por María ni por nadie más, dada su posición en la familia Borges, la cual niega abiertamente. Cecilia, sin embargo, sabe exactamente quién es.

La idea es que estas cinco mujeres se unan gracias a su experiencia colectiva en el río y descubran cómo operar el sistema, dividido entre varias "tribus" con intereses contrapuestos. Gladys, obviamente, será el centro de atención, dado que es básicamente una de las líderes de la familia Borges, y su poder externo le permitirá ejercerlo internamente. Parte de esa fuerza de voluntad se usará para proteger a las otras cuatro mujeres, pero eso sin duda chocará con otras personas con poder en la prisión, como María y Cecilia.

En su superficie, "En el Barro" me recuerda mucho a "Orange Is The New Black" y "Vis a vis", pero mucho más sombrío. Sin embargo, en la medida que uno se adentra a la cárcel de mujeres, pero más allá de eso y de las escenas de las reclusas en la ducha, no se parece en nada a esas series. En La Quebrada ocurren cosas realmente turbias, y no todas tienen que ver con las reclusas. 

"En el Barro" es una serie bastante oscura, y puede que no sea para todos, pero ha logrado presentar a los personajes principales y cómo se desenvolverán en una de las prisiones más desoladoras que se han visto en televisión en mucho tiempo.