Temporada de Premios: Nominados a la 30va entrega de los Critics Choice Awards

El Critics Choice Association ha revelado las películas nominadas para los Critics Choice Awards de 2025.

"Conclave" y "Wicked" lideran las nominaciones de este año con 11 nominaciones cada una, incluido el premio principal a mejor película. "Dune: Part Two" y "Emilia Pérez" obtuvieron 10 nominaciones cada una, seguidas de "The Brutalist" con nueve y "Anora" y "The Substance" con siete nominaciones cada una. Las siete películas están nominadas a mejor película, categoría en la que también se enfrentarán a las cinco veces nominadas "Nickel Boys" y "Sing Sing" y a la tres veces nominada "A Complete Unknown".

La semana pasada, el Critics Choice Association anunció las nominaciones en sus categorías de TV, con "Shogun" obteniendo seis nominaciones.

Los ganadores de las categorías de cine y televisión se revelarán durante la 30.ª edición anual de los Critics Choice Awards, presentados por Chelsea Handler, que se llevarán a cabo el 12 de enero en el Barker Hangar de Santa Mónica y se emitirán en vivo por E!

A continuación una lista completa de los nominados de este año.

CATEGORÍA CINE

Best Picture

A Complete Unknown

Anora

The Brutalist

Conclave

Dune: Part Two

Emilia Pérez

Nickel Boys

Sing Sing

The Substance

Wicked

Best Actor

Adrien Brody – The Brutalist

Timothée Chalamet – A Complete Unknown

Daniel Craig – Queer

Colman Domingo – Sing Sing

Ralph Fiennes – Conclave

Hugh Grant – Heretic

Best Actress

Cynthia Erivo – Wicked

Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez

Marianne Jean-Baptiste – Hard Truths

Angelina Jolie – Maria

Mikey Madison – Anora

Demi Moore – The Substance

Best Supporting Actor

Yura Borisov – Anora

Kieran Culkin – A Real Pain

Clarence Maclin – Sing Sing

Edward Norton – A Complete Unknown

Guy Pearce – The Brutalist

Denzel Washington – Gladiator II

Best Supporting Actress

Danielle Deadwyler – The Piano Lesson

Aunjanue Ellis-Taylor – Nickel Boys

Ariana Grande – Wicked

Margaret Qualley – The Substance

Isabella Rossellini – Conclave

Zoe Saldaña – Emilia Pérez

Best Young Actor / Actress

Alyla Browne – Furiosa: A Mad Max Saga

Elliott Heffernan – Blitz

Maisy Stella – My Old Ass

Izaac Wang – Didi

Alisha Weir – Abigail

Zoe Ziegler – Janet Planet

Best Acting Ensemble

Anora

Conclave

Emilia Pérez

Saturday Night

Sing Sing

Wicked

Best Director

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Sean Baker – Anora

Edward Berger – Conclave

Brady Corbet – The Brutalist

Jon M. Chu – Wicked

Coralie Fargeat – The Substance

RaMell Ross – Nickel Boys

Denis Villeneuve – Dune: Part Two

Best Original Screenplay

Sean Baker – Anora

Moritz Binder, Tim Fehlbaum, Alex David – September 5

Brady Corbet, Mona Fastvold – The Brutalist

Jesse Eisenberg – A Real Pain

Coralie Fargeat – The Substance

Justin Kuritzkes – Challengers

Best Adapted Screenplay

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Winnie Holzman, Dana Fox – Wicked

Greg Kwedar, Clint Bentley – Sing Sing

RaMell Ross & Joslyn Barnes – Nickel Boys

Peter Straughan – Conclave

Denis Villeneuve, Jon Spaihts – Dune: Part Two

Best Cinematography

Jarin Blaschke – Nosferatu

Alice Brooks – Wicked

Lol Crawley – The Brutalist

Stéphane Fontaine – Conclave

Greig Fraser – Dune: Part Two

Jomo Fray – Nickel Boys

Best Production Design

Judy Becker, Patricia Cuccia – The Brutalist

Nathan Crowley, Lee Sandales – Wicked

Suzie Davies – Conclave

Craig Lathrop – Nosferatu

Arthur Max, Jille Azis, Elli Griff – Gladiator II

Patrice Vermette, Shane Vieau – Dune: Part Two

Best Editing

Sean Baker – Anora

Marco Costa – Challengers

Nick Emerson – Conclave

David Jancso – The Brutalist

Joe Walker – Dune: Part Two

Hansjörg Weißbrich – September 5

Best Costume Design

Lisy Christl – Conclave

Linda Muir – Nosferatu

Massimo Cantini Parrini – Maria

Paul Tazewell – Wicked

Jacqueline West – Dune: Part Two

Janty Yates, Dave Crossman – Gladiator II

Best Hair and Makeup

Christine Blundell, Lesa Warrener, Neal Scanlan – Beetlejuice Beetlejuice

Hair and Makeup Team – Dune: Part Two

Hair and Makeup Team – The Substance

Frances Hannon, Sarah Nuth, Laura Blount – Wicked

Traci Loader, Suzanne Stokes-Munton, David White – Nosferatu

Mike Marino, Sarah Graalman, Aaron Saucier – A Different Man

Best Visual Effects

Mark Bakowski, Pietro Ponti, Nikki Penny, Neil Corbould – Gladiator II

Pablo Helman, Jonathan Fawkner, Paul Corbould, David Shirk – Wicked

Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe, Gerd Nefzer – Dune: Part Two

Luke Millar, David Clayton, Keith Herft, Peter Stubbs – Better Man

Visual Effects Team – The Substance

Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story, Rodney Burke – Kingdom of the Planet of the Apes

Best Animated Feature

Flow

Inside Out 2

Memoir of a Snail

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl

The Wild Robot

Best Comedy

A Real Pain

Deadpool & Wolverine

Hit Man

My Old Ass

Saturday Night

Thelma

Best Foreign Language Film

All We Imagine as Light

Emilia Pérez

Flow

I’m Still Here

Kneecap

The Seed of the Sacred Fig

Best Song

“Beautiful That Way” – The Last Showgirl – Miley Cyrus

“Compress / Repress” – Challengers – Trent Reznor, Atticus Ross

“El Mal” – Emilia Pérez – Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Camille

“Harper and Will Go West” – Will & Harper – Kristen Wiig

“Kiss the Sky” – The Wild Robot – Maren Morris

“Mi Camino” – Emilia Pérez – Selena Gomez

Best Score

Volker Bertelmann – Conclave

Daniel Blumberg – The Brutalist

Kris Bowers – The Wild Robot

Clément Ducol & Camille – Emilia Pérez

Trent Reznor & Atticus Ross – Challengers

Hans Zimmer – Dune: Part Two

CATEGORÍA TELEVISIÓN

Best Drama Series

The Day of the Jackal (Peacock)

The Diplomat (Netflix)

Evil (Paramount+)

Industry (HBO | Max)

Interview with the Vampire (AMC)

The Old Man (FX)

Shōgun (FX / Hulu)

Slow Horses (Apple TV+)

Best Actor in a Drama Series

Jeff Bridges – The Old Man (FX)

Ncuti Gatwa – Doctor Who (Disney+)

Eddie Redmayne – The Day of the Jackal (Peacock)

Hiroyuki Sanada – Shōgun (FX / Hulu)

Rufus Sewell – The Diplomat (Netflix)

Antony Starr – The Boys (Prime Video)

Best Actress in a Drama Series

Caitriona Balfe – Outlander (Starz)

Kathy Bates – Matlock (CBS)

Shanola Hampton – Found (NBC)

Keira Knightley – Black Doves (Netflix)

Keri Russell – The Diplomat (Netflix)

Anna Sawai – Shōgun (FX / Hulu)

Best Supporting Actor in a Drama Series

Tadanobu Asano – Shōgun (FX / Hulu)

Michael Emerson – Evil (Paramount+)

Mark-Paul Gosselaar – Found (NBC)

Takehiro Hira – Shōgun (FX / Hulu)

John Lithgow – The Old Man (FX)

Sam Reid – Interview with the Vampire (AMC)

Best Supporting Actress in a Drama Series

Moeka Hoshi – Shōgun (FX / Hulu)

Allison Janney – The Diplomat (Netflix)

Nicole Kidman – Special Ops: Lioness (Paramount+)

Skye P. Marshall – Matlock (CBS)

Anna Sawai – Pachinko (Apple TV+)

Fiona Shaw – Bad Sisters (Apple TV+)

Best Comedy Series

Abbott Elementary (ABC)

English Teacher (FX)

Hacks (HBO | Max)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

Somebody Somewhere (HBO | Max)

St. Denis Medical (NBC)

What We Do in the Shadows (FX)

Best Actor in a Comedy Series

Brian Jordan Alvarez – English Teacher (FX)

Adam Brody – Nobody Wants This (Netflix)

David Alan Grier – St. Denis Medical (NBC)

Steve Martin – Only Murders in the Building (Hulu)

Kayvan Novak – What We Do in the Shadows (FX)

Martin Short – Only Murders in the Building (Hulu)

Best Actress in a Comedy Series

Kristen Bell – Nobody Wants This (Netflix)

Quinta Brunson – Abbott Elementary (ABC)

Natasia Demetriou – What We Do in the Shadows (FX)

Bridget Everett – Somebody Somewhere (HBO | Max)

Jean Smart – Hacks (HBO | Max)

Kristen Wiig – Palm Royale (Apple TV+)

Best Supporting Actor in a Comedy Series

Paul W. Downs – Hacks (HBO | Max)

Asher Grodman – Ghosts (CBS)

Harvey Guillén – What We Do in the Shadows (FX)

Brandon Scott Jones – Ghosts (CBS)

Michael Urie – Shrinking (Apple TV+)

Tyler James Williams – Abbott Elementary (ABC)

Best Supporting Actress in a Comedy Series

Liza Colón-Zayas – The Bear (FX / Hulu)

Hannah Einbinder – Hacks (HBO | Max)

Janelle James – Abbott Elementary (ABC)

Stephanie Koenig – English Teacher (FX)

Patti LuPone – Agatha All Along (Disney+)

Annie Potts – Young Sheldon (CBS)

Best Limited Series

Baby Reindeer (Netflix)

Disclaimer (Apple TV+)

Masters of the Air (Apple TV+)

Mr Bates vs the Post Office (PBS)

The Penguin (HBO | Max)

Ripley (Netflix)

True Detective: Night Country (HBO | Max)

We Were the Lucky Ones (Hulu)

Best Movie Made for Television

The Great Lillian Hall (HBO | Max)

It’s What’s Inside (Netflix)

Música (Prime Video)

Out of My Mind (Disney+)

Rebel Ridge (Netflix)

V/H/S/Beyond (Shudder)

Best Actor in a Limited Series or Movie Made for Television

Colin Farrell – The Penguin (HBO | Max)

Richard Gadd – Baby Reindeer (Netflix)

Tom Hollander – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Kevin Kline – Disclaimer (Apple TV+)

Ewan McGregor – A Gentleman in Moscow (Paramount+)

Andrew Scott – Ripley (Netflix)

Best Actress in a Limited Series or Movie Made for Television

Cate Blanchett – Disclaimer (Apple TV+)

Jodie Foster – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Jessica Lange – The Great Lillian Hall (HBO | Max)

Cristin Milioti – The Penguin (HBO | Max)

Phoebe-Rae Taylor – Out of My Mind (Disney+)

Naomi Watts – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actor in a Limited Series or Movie Made for Television

Robert Downey Jr. – The Sympathizer (HBO | Max)

Hugh Grant – The Regime (HBO | Max)

Ron Cephas Jones – Genius: MLK/X (National Geographic)

Logan Lerman – We Were the Lucky Ones (Hulu)

Liev Schreiber – The Perfect Couple (Netflix)

Treat Williams – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actress in a Limited Series or Movie Made for Television

Dakota Fanning – Ripley (Netflix)

Leila George – Disclaimer (Apple TV+)

Betty Gilpin – Three Women (Starz)

Jessica Gunning – Baby Reindeer (Netflix)

Deirdre O’Connell – The Penguin (HBO | Max)

Kali Reis – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Best Foreign Language Series

Acapulco (Apple TV+)

Citadel: Honey Bunny (Prime Video)

La Máquina (Hulu)

The Law According to Lidia Poët (Netflix)

My Brilliant Friend (HBO | Max)

Pachinko (Apple TV+)

Senna (Netflix)

Squid Game (Netflix)

Best Animated Series

Batman: Caped Crusader (Prime Video)

Bluey (Disney+)

Bob’s Burgers (Fox)

Invincible (Prime Video)

The Simpsons (Fox)

X-Men ’97 (Disney+)

Best Talk Show

Hot Ones (YouTube)

The Daily Show (Comedy Central)

The Graham Norton Show (BBC America)

John Mulaney Presents: Everybody’s in L.A. (Netflix)

The Kelly Clarkson Show (NBC/Syndicated)

The Late Show with Stephen Colbert (CBS)

Best Comedy Special

Ali Wong: Single Lady (Netflix)

Jim Gaffigan: The Skinny (Hulu)

Kevin James: Irregardless (Prime Video)

Nikki Glaser: Someday You’ll Die (HBO | Max)

Rachel Bloom: Death, Let Me Do My Special (Netflix)

Ramy Youssef: More Feelings (HBO | Max)

Crítica Cinéfila: A Real Pain

Dos primos viajan a Polonia tras la muerte de su abuela para ver dónde vivió ella antes de la II Guerra Mundial y comprender de dónde viene su familia, incorporándose ambos a un tour sobre el Holocausto.

El delicado segundo largometraje de Jesse Eisenberg, "A Real Pain", se describe como una reflexión sobre el “dolor épico frente al dolor más moderno” y cómo reconciliar este último con algo tan monumental como el genocidio o el trauma histórico. Lo sorprendente es que lo logra con una hábil ligereza de toque en una película de viaje por carretera de una extraña pareja de primos que a menudo te hace reír a carcajadas y cuyo impacto emocional te sorprende y te deja sin aliento.

El perspicaz guión de Eisenberg, arraigado en la historia de su familia, comparte cierto territorio temático con la segunda obra del multifacético actor, "The Revisionist", en la que actuó en el off-Broadway con Vanessa Redgrave en 2013. Se trata del conflicto de los estadounidenses que lidian con sus propios problemas, por menores que sean, mientras intentan ser conscientes de la dura experiencia que sufrieron sus antepasados ​​de culturas traumatizadas: una película sobre el Holocausto con una perspectiva nueva.

En una película que trata, entre otras cosas, del legado del dolor, la pérdida y el sufrimiento, hasta la selección musical para cada fragmento impactan profundamente. Nunca deja de sumergir a su audiencia por completo, desde en los momentos íntimos hasta en los suaves cambios tonales de la película de Eisenberg, mientras se adentra en una existencia común de sus personajes con su cuota de dificultades y recompensas. Se necesita agudeza emocional y generosidad de espíritu para que un cineasta explore una historia dolorosa y al mismo tiempo proporcione vías de acceso sutiles para que audiencias de orígenes completamente diferentes encuentren su camino. Reconociendo la universalidad de sus temas subyacentes, Eisenberg lo hace con una madurez emotiva.

El guionista y director se presenta como David, un neoyorquino moderadamente tenso pero exitoso vendedor de publicidad digital con una bella esposa y un adorable hijo pequeño. Meses después de la muerte de su abuela, quien milagrosamente sobrevivió al internamiento en un campo de concentración, emigró a los EEUU y rehízo una vida formidable, David financia un viaje a su tierra natal, Polonia, para él y su primo Benji (Kieran Culkin), quien la adoraba. David y Benji alguna vez fueron cercanos, pero se distanciaron, no solo porque Benji se mudó de la ciudad sino por otros aspectos que se van dando a conocer en la medida que la película avanza.

La dinámica entre los primos, que son polos opuestos, se clava en las divertidas escenas iniciales en el aeropuerto. David es un tipo nervioso, ligeramente neurótico y necesita tener el control de cada situación. Benji es un extrovertido tranquilo y sin filtros; se niega a autocensurarse incluso en los comentarios inapropiados. Ambos actores son maravillosos, pero Culkin es una auténtica delicia. No podría haber elegido un papel mejor con el que mostrar su alcance después de "Succession", en particular a medida que avanza la historia y obtenemos una mayor exposición del lado melancólico de Benji.

El itinerario de los primos comienza con una reunión del grupo en Varsovia y continúa durante una semana, con tiempo en la pintoresca ciudad histórica de Lublin, seguida de una visita al campo de concentración de Majdanek. David y Benji se desviarán durante los dos últimos días para ir a la casa donde vivió su abuela por última vez antes de irse de Polonia.

El recorrido está diseñado específicamente para judíos estadounidenses, aunque el guía turístico británico James (Will Sharpe), un erudito en historia de Oxford, señala con frialdad que "no es judío, pero está obsesionado con la experiencia judía". El encuentro sirve como una forma esclarecedora de presentar a los distintos personajes que componen el pequeño grupo. Entre ellos se encuentran la divorciada Marcia (Jennifer Grey), la pareja mayor Diane (Liza Sadovy) y Mark (Daniel Oreskes, que también apareció en The Revisionist ) y Eloge (Kurt Egyiawan), que huyó del genocidio de Ruanda y más tarde se convirtió al judaísmo.

Las interacciones de Benji con todos ellos son hilarantes precisamente porque es tan indiferente a cualquier incomodidad. El personaje parece diseñado para avergonzar a David y fastidiar a todos los demás. Pero desde el primer día, cuando empieza a posar en escena para las fotos frente al monumento a los insurgentes del Levantamiento de Varsovia y luego, uno por uno, consigue que los demás se sumen, queda claro que su función será más compleja. Tener un grupo tan dinámico en una gira que puede ser un desencadenante pero que también sirve como una celebración de la resiliencia humana cambia la dinámica del grupo e incluso tiene un impacto en James.

El aspecto exterior de Benji es extraño (ha enviado un paquete de marihuana desde Nueva York a su hotel en Varsovia), pero nunca deja de reflexionar sobre los lugares que visita y su importancia histórica. Esto puede estallar en un repentino cambio de humor, como su problema ético con los judíos que viajan en primera clase en un tren interurbano cuando sus antepasados ​​habrían ido hacinados en el último vagón. 

En otra escena espectacular, interrumpe a James a mitad de camino para cuestionar el "bombardeo constante de estadísticas" mientras el guía proporciona contexto histórico en un cementerio judío. Esto da como resultado un reinicio rápido que da lugar a uno de los muchos interludios conmovedores. Mientras que todos están conmocionados por la visita a Majdanek en el último día de la gira de los primos, Benji está destrozado. Pero su estado de ánimo se repara instantáneamente con las amables palabras de despedida de James, interpretadas con verdadera sensibilidad por Sharpe, quien muestra un conjunto de habilidades diferentes a su trabajo en la segunda temporada de "The White Lotus".

Grey también tiene momentos como el miembro del grupo que establece el vínculo más sorprendente con Benji. Cuando ella comparte que su hija se casó con un hombre muy rico y ya no parece capaz de tener una conversación real, Benji responde: "Sí, el dinero es como la heroína para la gente aburrida". Todo el reparto es sólido, pero Egyiawan merece una mención especial por ser alguien que siempre escucha, observa, está dispuesto a mostrar calidez y compasión de una manera muy diferente a la de los estadounidenses de nacimiento.

Por supuesto, el tema principal es la cambiante relación entre David y Benji, con la frecuente exasperación, incluso la ira, del primero, a menudo en conflicto con el afecto que siente toda su vida por su primo. La revelación de un incidente preocupante en el pasado reciente de Benji se maneja con gracia, sin jugar con el sentimentalismo. Y la tensión que surge entre ellos llega a un punto crítico en una hermosa escena en la que comparten un porro en la azotea de un hotel. David admite que envidia el encanto natural de Benji, pero también que le molesta la forma en que su primo apaga la luz de repente y trata de detener su propia vida.

El director de fotografía Michal Dymek, que rodó la embriagadora película "EO" de Jerzy Skolimowski, realiza una elegante transición desde las composiciones de los escenarios de la ciudad hasta el verde campo abierto de camino a la antigua casa de la abuela del primo. Ese cambio también parece cimentar un nuevo entendimiento entre ellos, que resuena a lo largo de la finalización de su peregrinación y en su conmovedora despedida en el aeropuerto de Nueva York.

El primer largometraje de Eisenberg como director, "When You Finish Saving the World", tuvo una recepción mixta pero mostró ser prometedor. Con "A Real Pain", demuestra un criterio impecable y una gran habilidad para equilibrar el ingenio sardónico con una solemnidad penetrante en una película llena de sentimiento, en la que ninguna emoción es inmerecida.

Crítica Cinéfila: Nightbitch

Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. 

Como no veo trailers ni leo sinopsis antes de ver una película, realmente no sé que esperaba de "Nightbitch". Sabía que no la catalogaban como drama, pero la imagen de Amy Adams corriendo con un grupo de caninos no me daba ni una mínima idea. Lo que más sorprendió de este dulce, sabio y brillante homenaje a las madres de todo el mundo, es lo realista que es. Es divertida, conmovedora y muy real a pesar del aspecto metafísico del personaje de la madre de Adams, que piensa que su cuerpo se ha deteriorado tanto después del parto y que su mente/cuerpo asume la depresión posparto convirtiéndola básicamente en una canina (para no llamarla de la otra manera). La película requiere que ella cave y husmee por el jardín en modo Lassie. Adams también trabaja frente a ocho perros para brindarle al público la experiencia visual completa de este sentimiento. Pero aún así... eso no es lo que "Nightbitch" es en el fondo.

La madre (Amy Adams) ha abandonado su carrera artística y sus sueños tras el nacimiento de su hijo, un niño revoltoso de dos años (interpretado por los gemelos Arleigh Patrick y Emmett James Snowden) que causa estragos en cualquier momento, mientras que el esposo tiende a ser ciego a todo eso. La madre lo hace todo hasta el punto del agotamiento absoluto. 

La madre no recuerda la última vez que durmió bien. Da de comer al niño, limpia sus excrementos y lo acompaña al parque y a la biblioteca, donde apenas puede relacionarse con las otras madres, lo cual es extraño, ya que tres de ellas (Zoë Chao, Archana Rajan y Mary Holland) son bastante amigables y se comunican con miradas cómplices, como si la maternidad las hubiera inducido a todas a la misma secta. Pero el personaje de Adams no disfruta mucho de su compañía, lo que solo hace que su aislamiento sea mucho más agudo. 

Cuando interactúa con otras mamás, la madre inmediatamente pasa a temas de los que “nadie habla” (por ejemplo, “nadie habla del cambio que ocurre a nivel celular”). ¿Es eso realmente un secreto o simplemente está aislada de la conversación? Las noches en que papá no está, ni siquiera habla con él por teléfono. Y nunca se acerca a una computadora. Cuando llega el momento de investigar, la bibliotecaria Norma (Jessica Harper) le da una copia de "The Field Guide To Mystical Women", un libro que explicará muchas de las respuestas a las preguntas más urgentes que tiene, solo para pasar el día haciendo varias cosas a la vez y sin obtener gloria de ello.

Como era de esperar, este niño de dos años es un auténtico reto y la madre ya no puede soportarlo más, hasta considerar que debe separarse de su esposo, que no ha sido de mucha ayuda. A partir de ahí, la historia continúa, pero la guionista y directora Marielle Heller nunca pierde de vista la magia o la dulzura inherentes a la historia. No se trata de una de esas películas melodramáticas en las que la madre sufre un colapso nervioso después de que el esposo, incapaz de soportar la presión de los niños, se va con su asistente personal. Está mucho más arraigada en la realidad que ese tipo de escenario.

Adams, que también es productora, simplemente se entra en lo más profundo de este papel, completamente creíble y convincente como una madre al límite. Sabe como salpicar en lo absurdo sin que se sienta así; sabe exactamente cómo hacer que todo funcione, y lo hace espléndidamente. Adams encarna con valentía la exasperación de la madre, encontrando la comedia en cada revés. En manos de Adams, la madre convierte su crisis de identidad (la forma en que la mujer que era antes “murió en el parto”, dejando a alguien a quien ni siquiera ella reconoce en su lugar) en un acto de reinvención magistral.

Scoot McNairy está perplejo, pero en última instancia es comprensivo como el desventurado esposo, pero sigue interponiéndose en su camino. Es probable que los momentos más importantes de McNairy generen lágrimas, especialmente del contingente femenino que es el público objetivo aquí. Zoe Chao, Mary Holland y Archana Rajan, el trío de mujeres ansiosas por darle la bienvenida a Adams a su “Baby Pack”, son el trío perfecto, pero tampoco son caricaturas como se suele ver en estas comedias, aunque ninguna de ellas puede pensar en un inconveniente de pasar todo el día cuidando niños de dos años. Harper es realmente mística y no deja ver el hecho de que hay más en ella de lo que se ve a simple vista.

Aunque siempre es entretenida, “Nightbitch” prácticamente demuestra su propio punto (sobre cuán limitante es ahora la existencia de la madre) al restringir tan estrictamente la trama. No todas las culturas son tan insensibles al sacrificio de las mujeres embarazadas, aunque eso es precisamente lo que frustra a esta víctima particular del patriarcado. La madre articula todo lo que ella —que solía ser artista y curadora en la ciudad, reducida a pintar con los dedos con un niño de cuatro años en los suburbios— considera injusto en cuanto a la maternidad en sí: “¿Cuántos hombres han retrasado su grandeza mientras sus mujeres no sabían qué hacer con la suya?”. Aquí, la narración de Heller es obvia y incontrovertible, y aún así necesita urgentemente ser dicha.

Sencillamente, no hay forma de que esta película hubiera sido escrita o realizada por un hombre, al menos para conseguir el tipo de efecto estelar que logra esta divertida y conmovedora película para mamás. Heller hace un trabajo excepcional guiándola detrás de la cámara. Puede que incluso te haga llorar.

Crítica Cinéfila: The Piano Lesson

La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién define el legado familiar. 

En el debut de Malcolm Washington, una adaptación reverencial de "The Piano Lesson" de August Wilson producida por su padre Denzel Washington, la actriz Danielle Deadwyler es el centro alrededor del cual giran todas las demás actuaciones. En el papel de Berniece, la coprotagonista devota y sensata del vigorizante drama de Wilson sobre el trauma generacional y la herencia, como en muchos otros, Deadwyler se somete por completo a la voluntad de su personaje; se mete en su piel con una tranquila facilidad y, una vez unida, encuentra y revela su verdad. Los resultados suelen ser electrizantes.

Con Berniece, Deadwyler evoca una fuerza que vincula la obra de Wilson de 1987, la cuarta del Ciclo del Siglo del escritor, con su fuente. En entrevistas, Wilson citó como inspiración la litografía en color homónima de Romare Bearden de 1983. En esa imagen, un profesor de música mira por encima del hombro de una alumna que toca el piano. Sus ojos transmiten un alto nivel de concentración con indicios de melancolía. Tocar parece a la vez un acto de deber y de placer. ¿Qué hay de su relación? ¿Quiénes son estas personas entre sí? Wilson las imaginó como madre e hija y "The Piano Lesson" crea las condiciones que podrían haber conducido a ese momento y haber surgido de él. En la adaptación de Washington, Berniece, cuando finalmente se sienta al piano, tiene una mirada similar de intensa concentración, como si se convirtiera en madre e hija a la vez.

Sin embargo, antes de que ocurra cualquier transformación, Washington ofrece una historia de fondo. "The Piano Lesson" comienza el 4 de julio de 1911. Mientras una familia blanca se reúne en el jardín para ver los fuegos artificiales, un trío de hombres negros trabaja en las sombras para llevarse un piano de una casa. El instrumento es una obra de arte: grabado en los paneles superiores hay un tríptico que representa la historia de la familia Charles. Los retratos de una madre y un hijo flanquean la imagen central, que está poblada de antepasados ​​significativos y sus hitos. Veinticinco años después, en el verano de 1936, el piano se encuentra intacto en la casa de Doaker Charles (Samuel L. Jackson), donde su sobrina Berniece vive con su hija, Maretha (Skylar Smith).

Nadie ha pensado seriamente en el piano desde hace tiempo, hasta que el sobrino de Doaker, Boy Willie (John David Washington), regresa a Pittsburgh con un nuevo plan. Quiere vender el piano para poder comprar parte de la plantación de la familia Sutter en Mississippi. La compra sería un acto de arraigo y recuperación. La familia Sutter esclavizó a la familia Charles y desarrolló una separación violenta vendiendo a miembros de la familia para comprar el piano. Si Boy Willie pudiera poseer parte de la tierra, podría volver a inscribirla, convirtiendo un lugar de terror en uno de prosperidad personal. Cuando llega a Pittsburgh con su amigo Lymon (Ray Fisher), irrumpe en la casa de los Charles entusiasmado con su plan.

Pero Berniece no quiere vender el piano. Todavía está resentida con Boy Willie por la muerte de su esposo Crawley (Matrell Smith) y ve a su hermano como un hombre que habla y da problemas. La obra narra las tensiones entre los hermanos mientras debaten el futuro de su única reliquia familiar. Para Berniece, el instrumento representa los años más solitarios con su madre, que nunca se recuperó de la angustia después de que los Sutter asesinaran al padre de Boy Willie y Berniece por robar el piano. Boy Willie solo puede considerar el piano en términos de pérdida y recuerdos dolorosos. Mejor venderlo y crear algo nuevo.

Washington resalta las diferencias entre la relación de Berniece y Boy Willie con el piano con flashbacks a la infancia de ambos. Estas son algunas de las pocas escenas en las que el director se relaja y se deshace de la postura obediente que puede surgir al adaptar un texto canónico. El director también intenta hacer más cambios, y algunos tienen más éxito que otros. Acentúa las notas espirituales y sobrenaturales de la obra de Wilson. Los elementos del realismo mágico aparecen de forma más prominente cerca del final, y cuando funcionan es en gran parte gracias a Deadwyler. La actriz planta las semillas para el encuentro crucial y culminante de su personaje con el piano desde el momento en que Berniece ve a Boy Willie. Su personaje es una visión de fuerza maternal y responsabilidad fraternal, pero Deadwyler busca y se deleita en sentimientos más confusos como la rabia, la tristeza y la vulnerabilidad.

Otras interpretaciones se ven realzadas por la Berniece de Deadwyler, que se encuentra continuamente en desacuerdo con un grupo de hombres aparentemente indiferentes a la difícil situación de las mujeres Charles. Es una versión de "The Piano Lesson" que partiera de su perspectiva y avanzara hacia afuera, considerando el hilo maternal con tanta urgencia como el paternal. La dirección desigual de Washington parece más segura cuando observa a los hombres, vinculando sus represiones enredadas actuales con los traumas violentos y racistas de su pasado. Escenas como aquella en la que Doaker, Boy Willie, Lymon y Wining Boy (un excelente Michael Potts) intercambian historias sobre su tiempo en la Granja de la Prisión de Parchman capturan la catarsis emocional de un tipo particular de comunión.

Washington (actor e igualmente hijo de Denzel) ofrece una interpretación sólida del personaje Boy Willie, un personaje cuya energía y habla rápida ocultan capas de dolor. Está sintonizado con las payasadas de este personaje astuto y canaliza con confianza su hambre de ganar dinero rápido, pero es menos convincente cuando se le pide que se ponga a tono con registros más sutiles.

Aun así, Deadwyler y Washington se complementan bien. Sus actuaciones son particularmente dinámicas cuando Boy Willie y Berniece negocian los detalles del legado familiar. En una escena sorprendente, la estruendosa banda sonora de Alexandre Desplat resalta lo que está en juego en estas peleas verbales. También hay que reconocerle el mérito a Corey Hawkins, que brilla como Avery, el predicador que corteja a Berniece y tiene la tarea de expulsar a los fantasmas de la casa de los Charles.

Está claro que Washington se toma muy en serio la tarea de adaptar a Wilson, y hay mucho que admirar en "The Piano Lesson". El director ha reunido un reparto sólido, cuyas actuaciones comprometidas hacen justicia al famoso drama del dramaturgo. Pero la tarea también puede ser limitante, y hay momentos en los que es demasiado fiel y lucha por sacudirse el espectro del escenario.  

Crítica Cinéfila: Como Agua para Chocolate, 1ra temporada

Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, son dos almas enamoradas que no pueden estar juntas debido a las arraigadas costumbres familiares, la cuales obligarán a nuestra protagonista a navegar con tintes y sabores mágicos entre el destino dictaminado por su familia y la lucha por su amor mientras la acompañamos en su mayor refugio: la cocina.

Al igual que un buen mole, el realismo mágico requiere una complejidad increíble para que el resultado se perciba como bastante simple. Cincuenta tipos diferentes de chiles se convierten en algo que se describe en términos generales como una salsa de chocolate. El sentimiento, la extravagancia, el romance, lo sobrenatural y una cierta dosis de fundamento se combinan en una mezcla que simplemente funciona. Y dos personas que perciben una mezcla idéntica de elementos pueden responder a los perfiles de sabor de maneras completamente diferentes.

La adaptación de Alfonso Arau de "Como agua para chocolate", de Laura Esquivel, que en 1992 ya fue un éxito de taquilla en su época y que desde entonces parece que ha crecido, es simplemente imposible de criticar, tanto en el compromiso tonal de Arau o la suntuosa fotografía de Steven Bernstein. Pero al inclinar su realismo mágico tan firmemente hacia lo “mágico”, se convierte en una historia de amor sin personajes desarrollados ni mucha química, especialmente en la destrozada versión estadounidense. A lo largo de los episodios, la nueva adaptación de HBO/ HBO Latino /Max es una versión de la historia que funciona mejor porque le da aire a todos esos sabores de los que no degustó su primera adaptación.

Sin abandonar por completo la magia, el drama aprovecha su duración de seis episodios para desarrollar mejor sus aspectos realistas. La contextualización de los personajes y las bases de clase en un contexto específico de la Revolución Mexicana enfatiza los temas de la narrativa de una manera que hace mucho más fácil involucrarse en el romance, anclado por la encantadora protagonista Azul Guaita.

La serie, adaptada por el guionista principal Francisco Javier Royo Fernández (acreditado como “Curro Royo”), comienza de manera muy similar a las iteraciones anteriores. Empieza en el estado mexicano de Coahuila con Elena (Irene Azuela) dando a luz a Tita en un diluvio de lágrimas, provocadas por cebollas y por una miseria que no se explicará por un tiempo. Dieciséis años después, Tita (Guaita) pasa la mayor parte de su tiempo en la cocina, aprendiendo bajo la supervisión de la cariñosa cocinera de la familia, Nacha (Ángeles Cruz). Tita siente que Elena tiene menos afecto por ella que por sus hermanas mayores, Rosaura (Ana Valeria Becerril), que es un poco simple y amargada, y Gertrudis (Andrea Chaparro), que es una activista en ciernes.

La frialdad de Elena llega a su punto más elevado cuando Tita recibe una propuesta de matrimonio de Pedro (Andrés Baida), un vecino heredero de una estancia que está enamorado de ella desde la infancia, y Elena le deja claro que esa unión está fuera de cuestión. En la película y en el libro se establece de inmediato que existe una tradición familiar en la que la hija menor no puede casarse y debe dedicar su vida a su madre. Aquí, sin embargo, se presenta inicialmente como una mezquindad más maternal. Entonces Pedro toma una decisión: se casará con Rosaura, porque es la única manera de seguir cerca de Tita.

Por su parte, Tita sigue perfeccionando sus habilidades culinarias, con un pequeño detalle: comer la comida de Tita es sentir lo que ella siente. Literalmente, no en sentido figurado; en el sentido de que eso es cierto para la comida de cualquier chef. “Ya fuera alegría o tristeza, todo estaba impregnado de ella. Era como si Tita fuera un ingrediente más”, explica una voz en off. 

Aunque no alcanza el nivel de impecabilidad de Lubezki, como lo fue la película visualmente deslumbrante de Arau, "Como agua para chocolate" es bastante hermosa. La serie obtiene un gran valor de sus locaciones de la época mexicana, y ciertas secuencias son realmente impresionantes. La gramática de la pornografía culinaria ha evolucionado drásticamente en la última década, y la influencia del estilo de presentación es evidente en toda la serie, hasta en la cuidadosa identificación en pantalla de los platos fundamentales en su forma final.

En torno a la comida, se hace un esfuerzo por reconstruir el mundo del México de la década de 1910, incluidos los enfrentamientos entre los terratenientes y sus siervos indígenas, la creciente frustración pública con la administración del general Porfirio Díaz y la creciente corriente subyacente de varias fuerzas revolucionarias convergentes. Todo esto está en el trasfondo del libro, y puede que también esté en la versión completa del director de la película de Arau. 

El hecho de que Pedro sea un progresista en ciernes y partidario de Francisco Madero le da un detalle secundario además de su amor por Tita, y como resultado, toda la serie es más interesante. Se puede ver cómo su interés en romper con los constructos sociales basados ​​en la clase complementa lo que Tita está haciendo en términos de constructos basados ​​en el género. Le da a su conexión una profundidad que va más allá del hecho básico de que ambos son lindos, que es todo lo que Pedro y Tita realmente tienen a su favor en la película.

Ayuda que Guaita surja rápidamente como el tipo de actriz que probablemente tendría química con cualquier persona. Como corresponde a un personaje que llega al mundo en un mar de lágrimas, Guaita es especialmente hábil para dejar que cualquier extremo de emoción salga a la superficie. Al igual que Tita con sus recetas, infunde alegría, tristeza o añoranza en cada escena, pero no en el estilo casi de pantomima que la mayoría de los actores utilizaron en la película de Arau. 

Aunque Elena y Rosaura son presentadas como madre y hermana malvadas en una historia que tiene mucho de Cenicienta, tanto Azuela como Becerril encuentran suficiente fragilidad en sus actuaciones para evitar que los personajes actúen como una mera oposición a la bondad general de Tita. Y el arco de Gertrudis va surgiendo en la medida que avanza la temporada, Chaparro sembrando una energía que da frutos sorprendentes.

Este es un buen ejemplo de una narrativa mejorada al expandir el tiempo en pantalla. Los personajes ya son más complejos y el mundo ya está más plenamente desarrollado. Cuando se trata de "Como agua para chocolate", ¿quieres que tenga sentido lógico o simplemente quieres que se sienta bien? Creo que esta versión hace lo suficiente de cada cosa para hacer que valga la pena volver a contar una historia familiar, concluyendo en una escena de cliffhanger que solo se le permitiría al realismo mágico.

Temporada de Premios: Nominados a la 82da entrega de los Golden Globe Awards

Emilia Pérez lidera las nominaciones a los Globos de Oro 2025 , que fueron presentados en vivo en una conferencia de prensa en el Beverly Hilton la mañana de este lunes.

La película obtuvo 10 nominaciones, más que cualquier otro título en cine o televisión, lo que rompe el récord que tenía anteriormente una comedia o película musical, superando a Barbie, que obtuvo un total de nueve nominaciones el año pasado.

En cuanto a películas, Emilia Pérez fue seguida por The Brutalist con siete nominaciones, Conclave con seis, y Anora y The Substance con cinco cada una. The Bear lidera las nominaciones de televisión con cinco menciones en total, seguida por Only Murders in the Building y Shogun con cuatro cada una.

La 82.ª edición anual de los Premios Globo de Oro se transmitirá en vivo desde el Beverly Hilton por CBS y se transmitirá por Paramount+ el domingo 5 de enero de 2025 a las 5 p. m., hora del Pacífico/8 p. m., hora del Este.

Nikki Glaser será la presentadora de los Globos de Oro de 2025, y los productores ganadores del Emmy Glenn Weiss y Ricky Kirshner se encargarán de la producción, por segundo año consecutivo. Se anunció previamente que Viola Davis recibirá el premio Cecil B. DeMille y Ted Danson recibirá el premio Carol Burnett, que reconoce la excelencia televisiva. Tanto Glaser como Danson también recibieron nominaciones el lunes por la mañana.

Se trata también de los segundos Globos de Oro desde que su patrocinador de siempre, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, fuese sustituida tras la adquisición de todos los activos, derechos y propiedades de la HFPA por parte de Dick Clark Productions y Eldridge. Dick Clark Productions es ahora propietaria y productora de los Globos de Oro. En lugar de la HFPA, un grupo de votantes racial y étnicamente diverso, integrado por periodistas que representan a países de todo el mundo, selecciona a los nominados y ganadores.

A continuación les comparto la lista completa de nominados a los Golden Globes 2025: 

CATEGORÍA CINE

Best Motion Picture – Drama

The Brutalist (A24)

A Complete Unknown (Searchlight Pictures)

Conclave (Focus Features)

Dune: Part Two (Warner Bros. Pictures)

Nickel Boys (Orion Pictures/Amazon Mgm Studios)

September 5 (Paramount Pictures)

Best Motion Picture – Musical or Comedy

Anora (Neon)

Challengers (Amazon MGM Studios)

Emilia Pérez (Netflix)

A Real Pain (Searchlight Pictures)

The Substance (Mubi)

Wicked (Universal Pictures)

Best Motion Picture – Animated

Flow (Sideshow/Janus Films)

Inside Out 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Memoir of a Snail (IFC Films)

Moana 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl (Netflix)

The Wild Robot (Universal Pictures)

Cinematic and Box Office Achievement

Alien: Romulus (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Beetlejuice Beetlejuice (Warner Bros. Pictures)

Deadpool & Wolverine (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Gladiator II (Paramount Pictures)

Inside Out 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Twisters (Universal Pictures)

Wicked (Universal Pictures)

The Wild Robot (Universal Pictures)

Best Motion Picture – Non-English Language

All We Imagine as Light (Sideshow / Janus Films) – USA / France / India

Emilia Pérez (Netflix) – France

The Girl With the Needle (Mubi) – Poland / Sweden / Denmark

I’m Still Here (Sony Pictures Classics) – Brazil

The Seed of the Sacred Fig (Neon) – USA / Germany

Vermiglio (Sideshow / Janus Films) – Italy

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Drama

Pamela Anderson (The Last Showgirl)

Angelina Jolie (Maria)

Nicole Kidman (Babygirl)

Tilda Swinton (The Room Next Door)

Fernanda Torres (I’m Still Here)

Kate Winslet (Lee)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Drama

Adrien Brody (The Brutalist)

Timothée Chalamet (A Complete Unknown)

Daniel Craig (Queer)

Colman Domingo (Sing Sing)

Ralph Fiennes (Conclave)

Sebastian Stan (The Apprentice)

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy

Amy Adams (Nightbitch)

Cynthia Erivo (Wicked)

Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez)

Mikey Madison (Anora)

Demi Moore (The Substance)

Zendaya (Challengers)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy

Jesse Eisenberg (A Real Pain)

Hugh Grant (Heretic)

Gabriel Labelle (Saturday Night)

Jesse Plemons (Kinds of Kindness)

Glen Powell (Hit Man)

Sebastian Stan (A Different Man)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture

Selena Gomez (Emilia Pérez)

Ariana Grande (Wicked)

Felicity Jones (The Brutalist)

Margaret Qualley (The Substance)

Isabella Rossellini (Conclave)

Zoe Saldaña (Emilia Pérez)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture

Yura Borisov (Anora)

Kieran Culkin (A Real Pain)

Edward Norton (A Complete Unknown)

Guy Pearce (The Brutalist)

Jeremy Strong (The Apprentice)

Denzel Washington (Gladiator II)

Best Director – Motion Picture

Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Sean Baker (Anora)

Edward Berger (Conclave)

Brady Corbet (The Brutalist)

Coralie Fargeat (The Substance)

Payal Kapadia (All We Imagine as Light)

Best Screenplay – Motion Picture

Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Sean Baker (Anora)

Brady Corbet, Mona Fastvold (The Brutalist)

Jesse Eisenberg (A Real Pain)

Coralie Fargeat (The Substance)

Peter Straughan (Conclave)

Best Original Score – Motion Picture

Volker Bertelmann (Conclave)

Daniel Blumberg (The Brutalist)

Kris Bowers (The Wild Robot)

Clément Ducol, Camille (Emilia Pérez)

Trent Reznor, Atticus Ross (Challengers)

Hans Zimmer (Dune: Part Two)

Best Original Song – Motion Picture

“Beautiful That Way” – The Last Showgirl; Music & Lyrics By: Andrew Wyatt, Miley Cyrus, Lykke Zachrisson

“Compress / Repress” – Challengers; Music & Lyrics By: Trent Reznor, Atticus Ross, Luca Guadagnino

“El Mal” – Emilia Pérez; Music & Lyrics By: Clément Ducol, Camille, Jacques Audiard

“Forbidden Road” – Better Man; Music & Lyrics By: Robbie Williams, Freddy Wexler, Sacha Skarbek

“Kiss The Sky” – The Wild Robot; Music & Lyrics By: Delacey, Jordan K. Johnson, Stefan Johnson, Maren Morris, Michael Pollack, Ali Tamposi

“Mi Camino” – Emilia Pérez; Music & Lyrics By: Clément Ducol, Camille

CATEGORÍA SERIES/TELEVISIÓN

Best Television Series – Drama

The Day of the Jackal (Peacock)

The Diplomat (Netflix)

Mr. & Mrs. Smith (Prime Video)

Shogun (FX/Hulu)

Slow Horses (Apple TV+)

Squid Game (Netflix)

Best Television Series – Musical or Comedy

Abbott Elementary (ABC)

The Bear (FX/Hulu)

The Gentlemen (Netflix)

Hacks (HBO/Max)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

Best Television Limited Series, Anthology Series or Motion Picture Made For Television

Baby Reindeer (Netflix)

Disclaimer (Apple TV+)

Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story (Netflix)

The Penguin (HBO/Max)

Ripley (Netflix)

True Detective: Night Country (HBO/Max)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Drama

Kathy Bates (Matlock)

Emma D’arcy (House of the Dragon)

Maya Erskine (Mr. & Mrs. Smith)

Keira Knightley (Black Doves)

Keri Russell (The Diplomat)

Anna Sawai (Shogun)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Drama

Donald Glover (Mr. & Mrs. Smith)

Jake Gyllenhaal (Presumed Innocent)

Gary Oldman (Slow Horses)

Eddie Redmayne (The Day of the Jackal)

Hiroyuki Sanada (Shogun)

Billy Bob Thornton (Landman)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Musical or Comedy

Kristen Bell (Nobody Wants This)

Quinta Brunson (Abbott Elementary)

Ayo Edebiri (The Bear)

Selena Gomez (Only Murders in the Building)

Kathryn Hahn (Agatha All Along)

Jean Smart (Hacks)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Musical or Comedy

Adam Brody (Nobody Wants This)

Ted Danson (A Man on the Inside)

Steve Martin (Only Murders in the Building)

Jason Segel (Shrinking)

Martin Short (Only Murders in the Building)

Jeremy Allen White (The Bear)

Best Performance by a Female Actor in a Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture Made for Television

Cate Blanchett (Disclaimer)

Jodie Foster (True Detective: Night Country)

Cristin Milioti (The Penguin)

Sofía Vergara (Griselda)

Naomi Watts  (Feud: Capote Vs. The Swans)

Kate Winslet (The Regime)

Best Performance by a Male Actor in a Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture Made for Television

Colin Farrell (The Penguin)

Richard Gadd (Baby Reindeer)

Kevin Kline (Disclaimer)

Cooper Koch (Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story)

Ewan McGregor (A Gentleman in Moscow)

Andrew Scott (Ripley)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role on Television

Liza Colón-Zayas (The Bear)

Hannah Einbinder (Hacks)

Dakota Fanning (Ripley)

Jessica Gunning (Baby Reindeer)

Allison Janney (The Diplomat)

Kali Reis (True Detective: Night Country)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role on Television

Tadanobu Asano (Shogun)

Javier Bardem (Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story)

Harrison Ford (Shrinking)

Jack Lowden (Slow Horses)

Diego Luna (La Máquina)

Ebon Moss-Bachrach (The Bear)

Best Performance in Stand-Up Comedy on Television

Jamie Foxx (Jamie Foxx: What Had Happened Was)

Nikki Glaser (Nikki Glaser: Someday You’ll Die)

Seth Meyers (Seth Meyers: Dad Man Walking)

Adam Sandler (Adam Sandler: Love You)

Ali Wong (Ali Wong: Single Lady)

Ramy Youssef (Ramy Youssef: More Feelings)

Crítica Cinéfila: Nosferatu

Nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, producida en 1922, que a su vez se basaba en la novela 'Drácula', de Bram Stoker.

Con el homenaje reverencial al primer clásico de terror que es “Nosferatu”, Robert Eggers ha creado más que un simple remake, pero de alguna manera no ha logrado ofrecer una experiencia cinematográfica completamente satisfactoria. Por muy impactante que sea visualmente, con composiciones que rivalizan con las grandes pinturas góticas, la sombría versión del obsesivo director es fiel a la película muda de 1922 y más accesible que “The Lighthouse” y “The Witch”, aunque extrañamente vacía de vida.

Al recrear lo que había antes, Eggers tiene presente el estilo distintivo de Murnau, pero es demasiado talentoso como para imitarlo. En cambio, el director, meticulosamente orientado a los detalles, ofrece su versión del clásico, tratando casi cada recuadro como una obra de arte en sí mismo, mientras embellece aún más los aspectos románticos de la historia, lo que podría haber tenido éxito, de no ser por el elenco. “Nosferatu” construye un final trágico, pero se ve lastrado por diálogos pretenciosos, ritmo somnoliento y actuaciones débiles, especialmente la de Lily-Rose Depp como la damisela condenada.

Por mucho que la admiremos ahora, el “Nosferatu” original era mucho más una imitación que el homenaje de Eggers, y no hizo mucho (o más bien, no lo suficiente) para disimular la deuda que tenía con el “Drácula” de Bram Stoker, tanto que la viuda de Stoker presentó una demanda por violación de derechos de autor y ganó. El veredicto exigía que se destruyeran todas las copias de la obra maestra de Murnau. Pero los no muertos no mueren tan fácilmente. Sobrevivieron al menos tres copias completas, y también lo hizo la icónica actuación de Max Schreck, el demacrado actor alemán de casi dos metros de altura cuya imponente silueta como el Conde Orlok se encuentra entre los monstruos más imponentes del género.

La cabeza calva de Orlok, las orejas de Spock, los dientes afilados como los de una rata y las garras huesudas son reconocibles al instante para prácticamente todo el mundo, haya visto o no la película muda. De forma bastante inesperada, el villano de la versión de Eggers tiene poco parecido con el fantasma prototípico, una extraña forma de distinguirse de este "Nosferatu", ya que propone una interpretación más peluda (y aparentemente desdentada) del personaje para una nueva generación. Mientras que Willem Dafoe interpretó a Schreck en “La sombra del vampiro”, Eggers eligió a Bill Skarsgård, tan aterrador como el payaso demoníaco en “It”. El director luego procede a enterrar a su estrella debajo de todo tipo de prótesis (en su mayoría piel en descomposición y bigotes descuidados) hasta que termina pareciendo un ángel del infierno sin hogar.

El Orlok reimaginado por Eggers aparece brevemente en el prólogo, lo que hizo que la multitud que me rodeaba saltara antes de reírse colectivamente por su reacción, como si reconocieran que esos sustos eran lo que esperaban. Pero, ¿qué es lo que realmente quiere el público de una película de “Nosferatu”? El guión de Eggers sigue la trama anterior, en la que el joven e ingenuo empleado Thomas Hutter (Nicholas Hoult) es enviado a obtener la firma del solitario Orlok en la escritura de una mansión en ruinas en la ciudad. Todo eso es una receta para el aburrimiento, en comparación con la forma abiertamente siniestra en que Orlok se comporta con su invitado y, más tarde, con cualquiera que se interponga en el camino de su reencuentro con la esposa de Thomas, Ellen (Depp).

Francamente, si no fuera por el rápido corte y el sonido que lo acompaña, la revelación temprana de Orlok no sería nada aterradora. Cara delgada, nariz larga, vello facial rebelde: es un aspecto que todos conocemos de la pandemia, cuando al menos uno de nuestros amigos decidió dejarse crecer la barba hasta extremos vikingos.

Eggers evoca a Vermeer y a otros maestros con su puesta en escena perfectamente organizada, y hace gala de una fuerte visión, pero tiene dificultades como narrador, lo que resulta sorprendente, teniendo en cuenta los méritos del material original. “Nosferatu” parece ahora más en deuda con “Drácula” que nunca. Al igual que Harker, el abogado (y primer narrador) de la novela de Stoker, Hutter viaja hasta Transilvania para encontrarse con su cliente. Una vez que llega al castillo de Orlok, su espeluznante anfitrión centenario mira con sed un corte en el dedo de Hutter y lo obliga a firmar un pergamino de aspecto fáustico.

A la mañana siguiente, Hutter despierta con marcas de mordeduras muy próximas entre sí en su pecho desnudo y con la intuición de que su esposa está en peligro. Lo percibimos incluso antes de que partiera en su misión, ya que Ellen claramente tiene algo de historia con Orlok, aunque insinuarlo al principio no ayuda a explicar la conexión entre ella y el vampiro. Mientras tanto, el vínculo entre marido y mujer apenas es transmitido por Hoult y Depp, cuyo estilo de actuación melodramático se filtra a través del diálogo innecesariamente ornamentado de Eggers.

En “The Lighthouse”, el guionista y director se complacía en atiborrar las bocas de sus personajes con expresiones barrocas que pretendían sonar como el lenguaje náutico de antaño. Aquí, las conversaciones son más fáciles de descifrar, a pesar de los esfuerzos similares por embellecer su vocabulario, lo que resulta tan poco convincente como la expresión de ojos abiertos de Depp, o la actuación afectada que se exige a Aaron Taylor-Johnson y Emma Corrin en papeles secundarios estilizados.

El vestuario, los decorados y los efectos extraordinariamente elegantes, todos ellos capturados con gran maestría por la cinematografía casi incolora de Jarin Blaschke, se combinan para hacer de “Nosferatu” una experiencia visual suntuosamente inmersiva. Aun así, la pesadilla que es el centro de la película nunca funciona del todo, ya que Eggers se apoya en pistas musicales amplificadas y una edición poco convencional para desconcertar, e incluso entonces, la metáfora subyacente no está clara. Aunque “Nosferatu” reconoce las ansiedades clásicas de la depredación sexual tan centrales en la tradición vampírica (al ver a Orlok inclinado sobre Thomas y luego Ellen, uno difícilmente puede negar el simbolismo carnal de su apetito), las imágenes de adoración a Satanás y ratas portadoras de plagas diluyen el impacto.

En este caso, el vampiro ha perdido los colmillos y ahora depende de unas largas garras que proyectan sombras siniestras sobre la tierra. Orlok aparece noche tras noche hasta que se sale con la suya y da la impresión de ser un ex novio sarnoso decidido a robarle la virtud a Ellen, no una figura sobrenatural todopoderosa a la que temer. Para Eggers, fue un error poner tanta atención en la estética y luego abandonar las cualidades que alguna vez hicieron de Orlok un personaje tan icónico.

Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.