sábado, 29 de febrero de 2020

Crónicas de California: Trabajar para la TV, una rutina diferente


Para mí, no hay nada más emocionante que un día productivo. Levantarme temprano, tomarme una buena taza de café y ponerme la "ropa de trabajo". Pero cuando trabajas para una serie de televisión o un estudio de televisión, una vez comienza tu día de trabajo, el resto del mundo es invisible, te desconectas de la sociedad y te envuelves en las tareas del día a día, a pesar de que ese término de rutina casi ni existe.

En un día suave, el trabajo es de oficina: contactar clientes, agendar reuniones y los siguientes días de rodaje de la semana, arreglar los presupuestos de la semana, corregir los dailies de la semana anterior, y así se extiende hasta que mi jefe considere que voy a estar ocupada todo el día. No se asusten: me da tiempo para comer e ir al baño. No se asusten: salgo a las 6PM normalmente del trabajo. En un día intenso, los días de estudio... se me olvida que existen las horas de descansar.

Lo (in)conveniente de cuándo trabajas para la televisión es que, por más que realices un calendario de trabajo, la rutina cambia todos los días. Estoy tan acostumbrada al calendario de producción de una película que me costó por lo menos tres semanas para poder desconectarme el chip de producción de mi cerebro y aprenderme que nunca habría un calendario fijo para el mes completo.

Cuando empecé a trabajar para este estudio, estaban cerrando la temporada y preparándose para la siguiente, así que tuve la dicha de ver todos los procesos.

Preproducción es muy similar al proceso para una película: una vez se tienen todos los guiones de la temporada, el co-productor se reúne con los productores de línea, coordinadores y encargados de rodaje, y se desglosa el guión en conjunto. Primero se reconocen los episodios más costosos, y luego las escenas más costosas. Al ser una serie de ciencia ficción (ya se imaginarán mi emoción con sus discusiones sobre la historia...), hay un guionista encargado de la "ciencia de la historia", mientras que otros se encargan de personajes específicos y su historia, y un tercero que se encarga del episodio completo. El asistente de guión se encarga de hacer notas durante las reuniones y mandarlas a todos después de cada día de desarrollo (casi como un supervisor de guión). Esas notas, sí han sido aprobadas por los guionistas, pueden ser presentadas para el proceso de preproducción.

Una vez se hace el desgloce, todos los supervisores de departamentos se reúnen, y hablan de todos los guiones, pero antes, se determinan las locaciones dónde se grabarán, a menos que se utilicen las mismas de la temporada anterior. Cada episodio tiene un asistente de dirección diferente pues casi siempre hay escenas de diferentes episodios que se graban al mismo tiempo en diferentes locaciones. Y todos los departamentos tienen pequeños equipos encargados de subtramas dentro del guión. Así mismo, hay un cinematógrafo general para la serie, y diferentes operadores de cámara; esto se debe a que se tiene que mantener el mismo estilo para toda la serie, muy diferente a la colección de directores que una temporada puede tener. Pero en el caso de esta serie, se tiene un director para todo.

Atrás de mí, todos los guiones divididos en strips.
Todos los departamentos se reúnen todas las semanas para hablar de los avances, y cuando se aproxima la fecha de rodaje, las reuniones son con más frecuencia. Los departamentos comienzan a preparar la locación para rodaje una semana antes del primer día. Esto porque no se quiere perder tiempo en estos días, ya que la prioridad es que se graben los cortes necesarios.

En el caso de la postproducción de los episodios, cada departamento tiene una oficina y todos trabajan al mismo tiempo en escenas diferentes, mientras el jefe en edición supervisa todo. Ya una vez se tiene la imagen bloqueada, todos se reunen con el editor principal y los artistas de VFX, para asignar cuáles artistas harán qué cortes dependiendo de su experiencia, con un supervisor de VFX asegurándose de que se mantenga una simetría entre todos. Después de ahí sigue la corrección de color que normalmente es realizada por una única persona, y la edición de sonido, que tiene un corrector diferente dependiendo de la subtrama. Así mismo, existe una banda sonora para cada personaje principal o subtrama que se presenta (comenzarán a notarlo ahora con sus series favoritas).

Ya después de que todo esto ha sido superado, y que cada episodio está completo y asegurado, lo envían al departamento de revisión, para que los productores principales lo aprueben, y luego ser aprobado por el estudio para que se envíe al canal correspondiente.

No todas las series tienen esta misma rutina. No creo que todas graben todos los episodios al mismo tiempo, pues todo dependerá del tipo de serie, la cantidad de personajes, de miembros de departamentos participando por rodaje, y de la extensión de los episodios. Sin embargo, la postproducción es la misma para todos, inclusive si son para una página de streaming, y no para un canal de televisión.

Con estos pocos meses de aprendizaje en un estudio de TV, ya si puedo confirmar que todos los medios tienen casi el mismo ritmo de producción. Algunos son más intensos que otros, pero en definitiva es un trabajo de "comunidad", sobretodo en la televisión que, como no tiene el mismo tiempo de producción que una película (una película puede tardarse hasta 5 años en el proceso completo, mientras que una serie no puede tardar más de año y medio entre temporadas), se requiere más personal para que todos los episodios puedan ser completados a tiempo.

Creo que me quedo más trabajando en la parte creativa y la preproducción cuando se trata de series, pues todo lo demás ya requiere personal bien específico. Ya para el resto de los proyectos, me pueden poner donde sea.


Crítica Cinéfila: Downhill

Tras escapar en el último instante de una avalancha durante unas vacaciones familiares en los Alpes, una pareja de casados comienza a tener problemas tras verse forzados a reevaluar sus vidas y cómo se sienten realmente el uno con el otro.



Pete (Will Ferrell) y Billie (Julia Louis-Dreyfus) son una próspera pareja estadounidense que está de vacaciones esquiando en los Alpes con sus dos hijos. ¿Ya se están divirtiendo? Esa es una pregunta que se cierne sobre la película, cuando los miembros de la familia bajan las laderas y hacen peregrinaciones al restaurante alpine-lodge, o se retiran a su habitación, donde siempre se sienten vagamente culpables de jugar o ver televisión, ya que podrían hacerlo en cualquier sitio. En el baño, Pete y Billie se paran uno al lado del otro y se miran al espejo con familiaridad. Están de vacaciones y hacen todo lo posible para relajarse y disfrutar, pero el solo hecho de esforzarse tanto revela que algo está mal.

Si "Downhill" fuera una comedia de Will Ferrell, podría haber jugado como "Vacaciones en el telesilla de National Lampoon", lleno de colisiones nevadas y personas que se convirtieron en idiotas borrachos de vacaciones. Si se tratara de una serie de televisión de Julia Louis-Dreyfus, podría haber sido una travesura de discordia matrimonial. Pero la película, que produjo Louis-Dreyfus no es una farsa o incluso una comedia puntiaguda, aunque sus momentos son inquietantemente divertidos. "Downhill" es un drama aireado y dislocado, y eso se debe a que es una nueva versión de "Force Majeure", la película de 2014 del director sueco Ruben Östlund que jugó como un thriller de combustión lenta inyectado con escenas de un matrimonio.

No es una experiencia tan intensa o de ceño fruncido como lo fue "Fuerza mayor"; No está tratando de ser. En cambio, los codirectores, Nat Faxon y Jim Rash, cuya única película anterior fue el sobrecogedor público de 2013 Sundance "The Way, Way Back", tomaron la base de cámara lenta de "Fuerza Mayor" y la aligeraron, y en su mayoría se mantuvo fiel a la visión de la película anterior de un esposo y un padre que tienen una crisis existencial. La historia funcionó brillantemente antes. En "Downhill", funciona bastante bien. La nueva película es una broma burlona con algo real en mente.


El estado de ánimo es pesado con una tensión tácita, y lo que eso representa es la ruptura sutil de la cercanía familiar que ha acompañado al siglo XXI, con su desprendimiento por el dispositivo digital para todos. En "Downhill", el ambiente agrio doméstico flotante establece la mesa para el incidente central de la película: Pete, Billie y sus hijos, Finn (Julian Gray) y Emerson (Ammon Jacob Ford) almuerzan en la terraza del restaurante, con su espectacular vista de las nevadas montañas de Austria. Escuchan una explosión distante (como lo han estado escuchando desde que llegaron allí), y nubes ondulantes de nieve comienzan a bordearse hacia ellos, mirando muy lejos, hasta que se acercan y se hacen más grandes. En cuestión de segundos, todos en la cubierta comienzan a darse cuenta de que es una avalancha, y que se dirige hacia ellos. ¿Qué hacer? No hay nada que hacer. Pero Pete toma una forma de acción de todos modos. Corre hacia la parte posterior de la cubierta, dejando a su familia.

Es esa acción en una fracción de segundo, la encarnación de todo lo egoísta e impulsado por el miedo en el hombre contemporáneo de clase media pone en llamas la caja de tensión. Excepto que nadie hablará de eso por un día o dos. Pero ahora no se puede fingir que se están divirtiendo, o tal vez, al destruir todas las pretensiones, el incidente puede liberarlos.

Siempre ha habido un tono molesto de ira hacia Will Ferrell. En "Downhill", la irritación sale sin las comillas habituales, y es emocionante de contemplar. Hay una escena fabulosa en la que Pete y Billie van a quejarse por el incidente de la avalancha (en el que nadie, en última instancia, resultó herido, pero todos estaban aterrorizados), y el funcionario de la logia, que Kristofer Hivju jugó con consumada hostilidad civilizada en el Euro, no admitirá nada, cuando el vapor comienza a salir de los oídos de Pete. Esto también es parte del siglo XXI: todos los negocios corporativos, incluso los que se supone que deben atenderlo, se hacen por sí mismos. El otro personaje central en el albergue es la conserje escandalosamente ruidosa, interpretada por Mirando Otto como una nuez muy dura del narcisismo teutónico de amor libre.

En este punto, "Downhill" se convierte en la película de Julia Louis-Dreyfus, y presenta una actuación irónica, divertida y totalmente poseída como esposa y madre que se ha vuelto profundamente, aunque temporalmente, infeliz con todo lo que tiene. Cuando Pete trata de arreglar la situación organizando una mañana de esquí en helicóptero (sea lo que sea), las cosas se ponen más mal. Y cuando Billie, yendo sola, recibe una lección de esquí de un apuesto joven instructor, la forma en que Louis-Dreyfus lo interpreta es un astuto tour de force de la lujuria, la desesperación y la liberación mayor y más sabia. ¿Todo se resuelve en "Downhill"? Si y no. Lo que puede significar que la película tendrá una batalla cuesta arriba para encontrar una audiencia. Pero para aquellos que lo buscan, es un dulce con picos agradables.


domingo, 23 de febrero de 2020

Crítica Cinéfila: The Photograph

Cuando la famosa fotógrafa Christina Eames muere inesperadamente, su hija Mae Morton se queda confundida, enfadada y llena de preguntas. Cuando encuentra una fotografía escondida en una caja de seguridad, Mae comienza a investigar la vida de joven de su madre, comenzando al mismo tiempo un apasionado e inesperado romance con un periodista, Michael Block.



The Photograph es un vehículo estelar "romántico" para Issa Rae y Lakeith Stanfield que es profundamente defectuoso pero a la vez sexy y reflexivo. El cuarto largometraje de la escritora y directora Stella Meghie (después de  The Weekend, Everything Everything, Jean of the Joneses), es grueso y cubierto de múltiples capas con un lenguaje visual bien preciso, que invita a la audiencia a mirar debajo de la superficie de un encuentro estándar.

Para perseguir fotos históricas de una historia en la que está trabajando, el veterano reportero Michael (Stanfield) se encuentra en los archivos del museo donde Mae (Rae) trabaja como curadora. Michael se enamora al instante, pero Mae es más cautelosa, y que su mente está preocupada por la reciente muerte imprevista de su madre. A medida que avanza su relación, Mae siente la necesidad de conocer el pasado de su madre.

En realidad, hay bastantes historias de amor en la película: aparte de la que está entre los dos personajes principales, está el amor que se muestra en flashbacks entre la madre de Mae, Christina (Chanté Adams, quien da la mejor actuación en la película) y el pescador del país, Isaac (Rob Morgan); la estrecha relación de Mae con su padre (Courtney B. Vance); la estrecha relación de Michael con su hermano mayor Kyle (Lil 'Rel Howery); y el feliz matrimonio de Kyle con Asia (Teyonah Parris).


La trama de The Photograph literalmente se centra en la fotografía de Christina. Meghie envió a la entonces estudiante-fotógrafa de la Universidad de Nueva York, Jheyda McGarrell,  para capturar el paisaje de Luisiana de la infancia de Christina, y la forma en que estas imágenes se entrelazan con la historia hace que desees poner fin a la omnipresente sesión de fotos de la cara de un actor en imágenes de archivo tan a menudo vistas en películas. Los marcos del director de fotografía Mark Schwartzbard emiten tonos dorados de los actores contra un telón de fondo que en su mayoría sesga lo masculino y lo oscuro. Hay un brillo duradero en la apariencia de la imagen que es un verdadero regalo.

La sensual partitura de jazz llega a ese punto medio entre Coltrane y The Roots, esencialmente el sonido característico del compositor ganador del Grammy Robert Glasper. Meghie claramente voló a través de su presupuesto musical con alegría nostálgica: los artistas destacados incluyen a Al Green, Chaka Khan ("Ain't Nobody"), Whitney Houston ("You Give Good Love"), Anita Baker ("Caught Up in the Rapture") y Luther Vandross (su versión intoxicante de "If You Were Mine" de Marvin Gaye). Tanto la partitura de Glasper como esta mega-lista de reproducción de jams lentos de R&B le dan a la película un brillo emocional. Pero es tan musical que la imagen a veces se siente como un micrófono abierto de palabra hablada.

Pero en términos narrativos, The Photograph es un asunto decepcionantemente impredecible. Las fallas incluyen un huracán artificial que supuestamente es amenazante pero apenas se registra; escenas de sexo PG-13 atrofiadas y confusas de cuerpos apasionados y expuestos; y una química tenue entre Rae y Stanfield que fue forzada en romance, pues este no florece tan natural como se esperaría. Pero lo que más sorprende es el personaje de Rae, quien no termina de aterrizar en la anatomía de Mae y de momentos se siente sin emociones y sin un real atractivo para uno querer apoyarla en su travesía. 

El rendimiento de Rae está notablemente poco cocinado, como si la actriz no estuviera completamente conectada con el material. Esto inevitablemente te deja deseando haber podido acceder a las dramáticas habilidades que mostró sobre todo en el final explosivo de la primera temporada de Insecure . Los momentos sobresalientes de Rae aquí están ligados a la comedia, como cuando Mae habla sobre su amor por el rapero Drake (algo que comparte con el personaje de Rae en Insecure de HBO y la propia Rae). De hecho, la conversación de primera cita entre Kendrick Lamar y Drake entre Mae y Michael es la escena en la que la química aparece más entre los dos. 


La ruptura de Stanfield en los últimos años lo ha visto interpretar a un nerd negro así como al novio en un romance que se ha desmoronado. Pero aquí, tal vez por primera vez, interpreta su versión de un chico sexy y emocionalmente sintonizado con problemas de compromiso. Mientras que Rae a menudo es dramáticamente plano, la fanfarronería de Stanfield nos ayuda a invertir en la pareja.

The Photograph se encuentra en la compañía tonal de películas como el indie Love Jones de Witcher, que se hizo con un presupuesto muy reducido. Que Meghie cuenta con el respaldo de un gran estudio que puso en producción dólares reales, así como una agresiva campaña de marketing que apuesta por estrellas negras nuevas, es algo con lo que Witcher solo podría haber soñado.

The Photograph refleja una tendencia que está ganando más tracción de la que hemos visto antes. A pesar del impacto artístico de la película en el medio de la carretera, representa el crecimiento de algo invisible durante demasiado tiempo: el amor negro real que no solo se juega para reír. 


sábado, 22 de febrero de 2020

Crónicas de California: ¿Qué no hacer cuando eres productor?


Si hace 6 años me hubiesen dicho que la mayoría de mis créditos serían como productora, nunca se lo hubiese creído a nadie. Aunque es una posición que trae muchos méritos y que le da mucho control a quién lo maneja, es a la vez la posición que muchos odian, no solo por las funciones, sino por la persona en que te conviertes.

Los deseos de muerte que muchas personas dentro de un rodaje sienten hacia el productor se deben a muchas razones; la principal es que, por ser una posición que requiere tanta atención y cuidado, su trato hacia otros termina siendo... indeseable. Y no es mentira que nos pasa a todos: a ley de días de rodaje, y tantas personas dependiendo de ti, lo importante no es ser amigable, sino que todo quede como ha sido planeado. Sin embargo, hay una gran diferencia entre perfeccionista diablito andante. Por eso, en base a mis experiencias y lo que he notado de los productores en Hollywood para los que he trabajado, he aquí 5 lecciones de qué no hacer cuando eres productor.

1. No delegar. Mientras producía el teaser de Exorcism 101, habían pasos que me los sabía tan de memoria o los había hecho tantas veces en otras ocasiones, que cuando lo hacía, mi propio equipo me decía: "pero... eso le corresponde a fulanito". Y era verdad, me molestaba delegarle algo a alguien porque entendía que yo lo podía hacer mejor o porque no se lo quería confiar a nadie. Entiende que el productor toma el rumbo del asunto, pero al final del día ningún bote anda en solitario. Además, si le estás pagando a un equipo, usa de él.

2. Abusar del rol. Ahora viene la contraparte de lo anterior. Uno de mis antiguos jefes trabajaba como encargado de producción del proyecto para una serie web. Trabajamos tantas horas de corrido juntos que llegó a un punto en que me contrató como su asistente porque le gustaba cómo manejaba la agenda y la lista de trabajos. Sin embargo, comenzó a incluir tareas que no correspondían, como limpiar el reguero de su oficina o devolver paquetes personales a tiendas; me sentía como la chacha. Recuerda que tus "empleados" tienen cargos específicos, e independientemente que sean tus asistentes, tienes que recordar que no son tus chachas(os).

3. Creerse el centro del universo. Hace un año me contrataron como asistente de producción para una productora mayor de 70 años. La mujer casi nunca me hablaba de trabajo, siempre quería hablar de su vida personal, cosas que quería que le ayudara a hacer o, peor, adivinar lo siguiente que iba a pensar para así hacer lo que ella quería tal y cómo lo quería. Como productora, puedes requerir ciertas necesidades de parte de tu equipo, pero aunque eres Dios en la producción, no lo eres en la vida real. Respeta a tus empleados y trátalos con dignidad, recuerda que ellos también son humanos y que aunque estén trabajando para ti, no quiere decir que son psíquicos y que sabrán lo que estás pensando.

4. Pensar que eres el único que sabe o que tiene buenas ideas. Este es un error constante de una persona muy cercana a mi (y seguro si lo lee, me escribirá): aunque eres la cabeza de la producción, ya por eso no te convertiste en la única persona que procesa y ejecuta dentro de una producción. Esa persona de la que hablo hasta le molesta cuando otros dan sugerencias. Entiendo perfectamente que cuando la agenda va apretada, es difícil aventurarse a ideas de todos, sin embargo (y lo repito como una guagua de frutas andante), una producción se hace con un equipo de personas, y a la hora de resolver problemas, a veces es bueno tener varias ideas de cómo hacerlo.

5. Tratar todas las producciones de la misma manera. Mi jefe actual tiene 40 años trabajando para la industria de cine. Ha estado en más de 25 producciones, incluyendo Total Recall, Pulp Fiction y Speed. Sin embargo, constantemente me dice de resolver situaciones de producción de maneras que ya no son efectivas, y se molesta cuando le explico que eso no aplica para el formato en que trabajamos ahora, pues dice que "a estas alturas, él no está para estar aprendiendo cosas nuevas dentro de producciones que ya ha hecho anteriormente". Les informo que el cine es un arte y cambia dependiendo de lo que vayas a hacer; cada producción tiene una estructura diferente. No quieras aplicar lo mismo que hizo el ganador al Oscar con sus películas, porque esa fórmula no le va a funcionar ni siquiera a él en todas sus historias. Aprende a comenzar de cero en cada etapa.

Finalmente, recuerda que nadie trabaja para ti día completo a menos que pagues ese precio. Nadie es tu esclavo ni mucho menos están supuestos a cumplir tus "necesidades personales". Me molesta cuando escucho productores discutiendo sin ninguna razón o riéndose de su equipo poor decisiones que tomen durante el rodaje. Recuerda que, así como tú no recomiendas a personal que no hizo su trabajo, así el personal habla de ti cuando otros aplican a trabajar contigo.

No te quieras convertir en el indeseable de gratis: no vale la pena. Ni aunque te ganes con eso 25 créditos en producción. 


jueves, 20 de febrero de 2020

Crítica Cinéfila: Sonic the Hedgehog

Sonic, el descarado erizo azul basado en la famosa serie de videojuegos de Sega, vivirá aventuras y desventuras cuando conoce a su amigo humano y policía, Tom Wachowski (James Marsden). Sonic y Tom unirán sus fuerzas para tratar de detener los planes del malvado Dr. Robotnik (Jim Carrey), que intenta atrapar a Sonic con el fin de emplear sus inmensos poderes para dominar el mundo.



A pesar de todo el alboroto que estalló en la primavera de 2019 sobre el diseño visual de Sonic the Hedgehog, al parecer los efectos visuales que querían trabajar solo se lograron única y exclusivamente en el muñeco y no en el resto de la película.

Sonic, quien fue atacado por claramente ser una criatura salida de otro universo, ahora está más cerca del estafador de ojos grandes y rojos con una sonrisa estilizada lanzada por Sega en 1991 y terminó convirtiéndose en una especie de Mario o Pac-Man para los millennials. En la película, ahora se aproxima al aspecto tierno de Astro Boy de Sonic de la franquicia del juego. Pero habla como el último bocado inteligente de dibujos animados excesivamente familiar: un poco sarcástico, un poco nerd, con un leve quejido de actitud, aunque esencialmente es expresivo para sonar como tu amigo, como si la película hubiera inventado algún tipo de batido vocal de Garfield y Fritz the Cat y Owen Wilson y Patton Oswalt.


Dado el nivel de obsesión con el que los fanáticos de Sonic lo consideran, los creadores de "Sonic the Hedgehog" habrían hecho bien en convertir la película en un parque temático de trucos de videojuegos, como el implacablemente imaginativo "Ralph Breaks the Internet". ¡Pero no! Su verdadera mala decisión épica, mucho peor que el diseño humanoide quisquilloso original de Sonic, fue convertir la película "Sonic" en una de esas comedias de aventura de acción en vivo torpe con una pelea genérica animada digitalmente en el medio.

El problema con esta forma es que el escenario de acción en vivo inevitablemente resulta en un tono empalagoso y alegre, y en este caso la historia de cómo Sonic compite con Tom Wachowski (James Marsden), un sheriff en la pequeña ciudad de Green Hills, Montana. Los dos finalmente aterrizan en San Francisco, para que la película pueda tener un clímax de acción sobre una de las plataformas de la Pirámide Transamerica. Sin embargo, estén donde estén, son una extraña pareja lo suficientemente sarcástica como para hacer que cualquiera se sienta incómodo.

¿Qué tan rápido es Sonic? Es tan rápido que trota a 297 millas por hora, juega un juego de béisbol consigo mismo y puede detener el tiempo efectivamente en cualquier situación, gateando dentro de él para hacer los ajustes necesarios (esta habilidad es útil y entretenida cuando está atrapado en una barra de redneck). Al principio, se lanza al ritmo de "Don't Stop Me Now" de Queen. Pero también, Sonic tiene sus anillos dorados de videojuegos que le permiten teletransportarse, y su mente también se mueve rápidamente, lo que significa que agrega un giro de fuego rápido a líneas como "La cara con la que nací, la confianza que recogí en el camino".


"Sonic the Hedgehog" se anima, más o menos, cuando Jim Carrey aparece en pantalla como el malvado Dr. Robotnik, cuya historia de origen es básicamente esta. Después de que la luz eléctrica de uno de los locos rayos de Sonic corta todo el Noroeste del Pacífico, el ejército de los EE. UU. está convencido de que debe haber algún tipo de invasión alienígena en marcha. Entonces envían a Robotnik, un mago de máquina independiente, para investigar. Carrey, con un gran bigote encerado de un viejo western, un largo abrigo negro con un forro rojo satánico y un corte de pelo que solo puede describirse como un desvanecimiento de Hitler, hace un giro vintage, es decir, podría haberse dado exactamente el mismo rendimiento en 1998, y tal vez lo hicieron, pero hay una vertiginosa nostalgia por verlo ejecutar estas rutinas con un abandono intemporal de demonios que solo nos recuerdan a The Grinch.

Robotnik es un genio tirano agrietado que controla un ejército de drones sensores, y su fuerza impulsora en la vida parece demostrar, en cada oportunidad , su superioridad innata. Todos sabemos que la comedia promedio de Hollywood tiende a incluir un poco de improvisación en el set, ¡pero en este caso el contraste entre la pseudo-descarado del resto de la película y el diálogo de Carrey es tan marcado que casi se siente como si hubiera inventado todo su personaje en el acto.

Una revisión como esta probablemente debería venir con un descargo de responsabilidad: a pesar de todo el tedio límite que sentí en "Sonic the Hedgehog", me doy cuenta de que esta es una imagen hecha para niños de 8 años. Y probablemente les gustará muy bien. Sin embargo, también llamaría un error el tono excesivamente infantil de la película. Los manifestantes que se unieron por los cambios en el diseño de Sonic tratándolo como un problema de línea en la arena, no eran niños de 8 años. Como héroe de la película, Sonic podría (y debería) haber sido más moderno y agudo, menos megaplex. Incluso mientras arreglaban su rostro, los cineastas se esforzaron tanto por hacerlo "agradable" que nunca descubrieron una manera de hacerlo genial.

jueves, 13 de febrero de 2020

Crítica Cinéfila: Birds of Prey

Después de separarse de Joker, Harley Quinn y otras tres heroínas (Canario Negro, Cazadora y Renée Montoya) unen sus fuerzas para salvar a una niña (Cassandra Cain) del malvado rey del crimen Máscara Negra.



Para una persona que no vio Suicide Squad, no le interesa ver películas de DC y no es fanática del género de la acción, Birds of Prey me entretuvo lo suficiente. El sacrificio no estuvo tan mal y los personajes me convencieron de que, independientemente de todo el mal karma que ha arrastrado esta franquicia de superhéroes en los últimos años, ellas no siguen los estereotipos tan al pie de la palabra... o no tanto como sus antecesoras, porque también tienen sus momentos exagerados.

Harley Quinn abre el telón narrando la historia, explicándonos que su relación con el Joker se acabó, pero que a ella le sigue yendo excelente. Mientras continúa embobando a la audiencia, vemos la realidad de una persona psicótica, dependiente del amor que necesita recibir de algún hombre, con daddy issues, y ahora temerosa de que, si alguien se entera de que su relación terminó, las venganzas que van en su contra comenzarán a caer como lluvia de verano. 

Pero a pesar de esto, cuando Harley Quinn (Margot Robbie), la vengativa villana "Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)", intenta romperle las piernas a alguien, lo hace con un cierto infierno que ni se puede explicar. Primero sucede en el club nocturno propiedad de Roman Sionis (Ewan McGregor), un señor del crimen de Gotham City, donde Harley, después de haber roto recientemente con el Joker, se está recuperando (no es que tenga un modo particularmente más restringido), probándola nueva identidad como un singleton desquiciado. El conductor de Roman intenta atraerla a un coqueteo vicioso llamándola "tonta" y "puta", y como cualquiera que conozca a Harley lo sabe muy bien, es la parte tonta lo que realmente le pica. Entonces ella salta de un escenario, chocando contra sus piernas extendidas. Eso no es solo un contraataque violento, es un momento feminista del siglo XXI.


Los movimientos de acción de rock and roll de Harley son rápidos, sueltos y fuera de control, ya sea que esté rompiendo extremidades entre disparos de bala o cargando a través de una estación de policía. Pero la mente de Harley tampoco deja de competir. Una ex psiquiatra que se cayó por un espejo roto cuando se enamoró del Joker y se unió a él en el inframundo, es un caso que parece ser en pleno control de su actual colapso mental. Al principio, ella cierra su relación fracasada con el Joker al enviar un camión de petróleo a una refinería química gigante y volarlo por las nubes.

La chispa inspirada de la actuación de Margot Robbie es un fenómeno total: con su cabello rubio platino dividido en coletas teñidas (una rosa, una azul), su cara adornada con tatuajes de un pequeño corazón negro y la palabra "ROTTEN", y esa sonrisa que ilumina la habitación con locura, es una sirena psicópata que se tambalea entre la venganza y el valor.

Harley, quien hizo su primera aparición en DC Comics en 1992, obviamente fue lo mejor de "Suicide Squad", el destartalado éxito de una travesura de la película de DC de 2016. Así que había muchas razones para esperar que construir una película completa a su alrededor valiera la pena a lo grande. "Birds of Prey" es una historia de origen de un equipo de superhéroes que rastrea cómo Harley, principalmente por pura casualidad, se une con una colección de inadaptados para formar un abigarrado equipo de superheroínas. Como película, es delgada, viva, ruidosa, descarada, divertida y olvidable. En todo caso, es una película más ajustada que "Suicide Squad", pero ha sido dirigida por Cathy Yan, con el mismo tipo de estética slapdash en la cara, intensificando los cómics en descarada sobremarcha. Harley eclipsó a sus camaradas infernales antes, y ella hace lo mismo aquí, aunque Mary Elizabeth Winstead, como la Cazadora que empuña una ballesta, tiene una implacabilidad feroz, fría y de gran tamaño que es lo suficientemente potente como para estar lista para spin-off.


"Birds of Prey" es la octava película del Universo Extendido de DC, así como la primera en ser clasificada como R, y después del fenómeno independiente de "Joker", es una película de cómics que no pretende ser, en un solo momento, lanzar un hechizo de asombro poético. Sin embargo, sigue siendo una gran novela de palomitas de maíz. "Wonder Woman" y "Captain Marvel" fueron películas de superhéroes femeninas que ofrecieron la potenciación de la fantasía sincera. "Birds of Prey" ofrece el poder de la irresponsabilidad absoluta. Las mujeres en esta película se ven más mal que las heroínas anteriores porque, en su mayor parte, simplemente no dan una... Pero sus actuaciones exageradas y líneas cuestionables no les quitan tantos puntos a su favor.

El guión, de Christina Hodson ("Bumblebee"), tiene actitud de sobra, pero de una manera bastante escueta. Se trata del desafío nihilista de "Deadpool", con un comentario de Harley que rompe la cuarta pared, y hay identificaciones de personajes descarados en la pantalla, como cuando Harley se descubre atacada por el conductor detrás de ella. Pero si el corazón (negro) de la película está en el lugar ácido correcto, "Birds of Prey" podría haber usado más de la intrincada inteligencia de "Deadpool". Las actrices que se unen para formar el grupo de Harley, como Jurnee Smollett-Bell como la cantante del club nocturno Black Canary, o Ella Jay Basco como la astuta Cassandra, tienen presencia de sobra, pero desearían que se les hubiera dado más para hacer.


Crítica Cinéfila: Dolor y Gloria

Narra una serie de reencuentros en la vida de Salvador Mallo, un director de cine adolorido. Algunos de ellos físicos, y otros recordados, como su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia, en busca de prosperidad, así como el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine, y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.



Pedro Almodóvar ha encontrado un registro más intensamente personal que nunca para su nueva y tierna película sobre un director de cine envejecido retirándose de su profesión que enfrenta problemas de salud, depresión y el declive de sus poderes. Es la característica número 21 de Almodóvar: tal vez podría llamarse 20 ½ .

Dolor y Gloria es una película otoñal en clave menor negativo, con más dolor que gloria, aunque la gloria hace un resurgimiento tardío. Hace que el enfoque de Almodóvar muera: el suyo y el de las personas que ama, pero también la pasión por el cine que aún puede conquistar la muerte o proporcionar una forma de aceptarla.

Como siempre, Almodóvar ha realizado una película sobre el placer, que es en sí misma un placer: ingenioso, inteligente y sensual. Se trata de amor, memoria, arte, madres, amantes y, sobre todo, se trata de sí mismo, que en manos de un director menor sería terriblemente indulgente. Pero Almodóvar es un maestro de la autorreferencia e intertextualidad: la película dentro de una película, la historia dentro de una historia, el sueño dentro de un sueño. Almodóvar opera en una especie de motor de combustión interna de creatividad y sentí que esta película se estaba ejecutando de manera tan suave y tan seductora que podría haber continuado durante otras cinco horas.


Antonio Banderas asume el papel para el que nació para jugar, aunque sin el sorteo copo de nieve. Él es Salvador Mallo, un director de cine que no ha hecho nada durante años pero que ha acumulado suficiente dinero para vivir cómodamente entre obras de arte caras, reflexionando sobre sus diversas dolencias: dolores de cabeza, dolores de espalda, una tendencia a ahogarse con cualquier alimento sólido, y en general depresión; todos estos tienen una misteriosa relación de causa o efecto con su bloque creativo.

Un encuentro casual con una vieja amiga actriz, Zulema (un cameo para Cecilia Roth) lo reconecta con el ex actor estrella Alberto (Asier Etxeandia); se pelearon hace décadas mientras hacían su obra maestra. Alberto le presenta a Salvador la heroína, un nuevo sabor peligroso que le recuerda a un guión de teatro autobiográfico abandonado llamado Adicción, sobre el abuso de drogas de un ex amante. Se lo da a Alberto para que actúe en el escenario y esto trae a las personas del pasado a la vida de Salvador, y su estado mental se altera repentinamente. Todo el tiempo hay recuerdos extáticos de su madre, interpretada magníficamente por Penélope Cruz y como una mujer mayor al borde de la muerte por Julieta Serrano. La madre mayor lo desaprueba cuando su hijo comienza a pedirle sus propios recuerdos de su vida: "No quiero nada de esto en sus películas".


Como siempre, el cinematógrafo José Luis Alcaine y el diseñador de producción Antxón Gómez le dan a la película una riqueza y calidez maravillosas, los colores pululando y reventando. Hay algunas risas, especialmente cuando Alberto y Salvador han sido persuadidos para hacer una sesión de preguntas y respuestas en el escenario después de una proyección de su controvertida película. Almodóvar puede tener sentimientos encontrados acerca de las preguntas y respuestas como una tradición cinematográfica.

Hay una agilidad magistral en el estilo narrativo de Almodóvar: una cosa lleva a otra, o a un recuerdo asociado, o a una versión ficticia creada. Saltamos de un lado a otro entre el pasado y el presente. Hay algo incompleto o inacabado en este trabajo, pero quizás esto simplemente representa la condición de la vida misma. Dolor y Gloria te deja con una dulce tristeza, pero con un fuerte apetito por la próxima película.


Crítica Cinéfila: The Lodge

Una mujer (Riley Keough) que está apunto de convertirse en madrastra se encuentra atrapada, junto a los dos hijos de su prometido, en una casa alejada de la civilización por culpa de una fuerte nevada. Justo cuando la relación entre los tres empieza a florecer, la mujer adopta una actitud aterradora que proviene del adoctrinamiento religioso que sufrió en su dura infancia. 



Algo malvado ciertamente está llegando a The Lodge, pero lo que es aterrador es que nunca está claro desde dónde, o exactamente por qué. Construyendo maravillosamente el horror apasionante de Goodnight Mommy de 2014, los cineastas Veronika Franz y Severin Fiala nos regalan un escalofriante escenario en una cabaña en el medio de la nada que está electrificada por el complicado desempeño de Riley Keough como una mujer que es la causa o la víctima de la ansiedad nerviosa de la película. Tal vez un punto de la trama aquí o allá no tiene sentido, pero los espectadores solo podrán tomar esas determinaciones una vez que finalice la película y finalmente se calmen. 

Inevitablemente, se harán comparaciones con Hereditary, que presumía de un elegante aire de terror al examinar a una familia en desorden emocional. El reconocimiento del nombre de Keough agregará empuje comercial, pero lo más probable es que el boca a boca extático sea el punto de venta clave para los fanáticos del horror indie inteligente.

The Lodge comienza con una tragedia que (como gran parte de esta película) no debe revelarse para que los espectadores puedan entrar en la experiencia sin ninguna noción preconcebida de hacia dónde se dirige la historia. Basta decir que los niños Aiden (Jaeden Martell) y Mia (Lia McHugh) se resienten de la nueva novia de su padre, Richard (Richard Armitage), Grace (Keough), y prefieren a su problemática madre Laura (Alicia Silverstone). Pero Richard está decidido a hacer que la relación con Grace y su familia funcione, especialmente porque planea casarse con ella, por lo que decide que los cuatro deberían pasar la Navidad en su elegante cabaña de invierno en medio de un bosque nevado y remoto. Los otros tres están menos entusiasmados por pasar tiempo juntos en un lugar tan aislado, pero tendrán que aprovecharlo una vez que Richard tenga que regresar inesperadamente a la ciudad por unos días.


Con indicios de The Shining, The Lodge promete conmociones incluso antes de que este cuarteto llegue a la casa, pero Franz y Fiala nos molestan magistralmente, dejando a los espectadores preguntándose precisamente por qué se sienten tan nerviosos. No es solo el diseño de sonido magníficamente evocador o las pistas de música de Danny Bensi y Saunder Jurriaans lo que sacude: es la ubicación precisa de la cámara de los cineastas y el ritmo deliberado lo que agrega premonición a cualquier imagen, incluso si solo Alka-Seltzer se disuelve en agua.

La mayor parte de la película se refiere al tiempo que Grace pasó en la casa con Aiden y Mia mientras trata de hacer que se acerquen a ella. Parece una tarea insuperable, pero eventualmente los niños comienzan a suavizarse, justo a tiempo para que ocurran extraños sucesos alrededor de la cabaña. Se nos da una pista bastante grande sobre el pasado traumático de Grace, pero a medida que los ambiguos temores de The Lodge comienzan a acumularse, nunca estamos seguros de si lo que estamos experimentando se debe a sus antecedentes o si hay alguna otra explicación.

El desafío con una película como esta es mantener el misterio: extiéndelo demasiado tiempo y el estado de ánimo se vuelve rancio o la respuesta se vuelve obvia. Wizardly, Franz y Fiala (a quienes se les atribuye el guión junto a Sergio Casci) lanzan suficientes giros y pistas falsas para que permanezcamos en el estrangulamiento de la película.


La clave para el control tonal de The Lodge son las tres actuaciones centrales, que nunca nos permiten sentirnos seguros de dónde deben estar nuestras condolencias. Como hermana menor, McHugh evita los tópicos cursis / demoníacos que a menudo vemos de los niños actores en las películas de terror, mientras que Aiden de Martell revela una leve atracción sexual por Grace que le da a sus escenas una carga inquietante.

Pero la película pertenece a Keough, quien tiene la costumbre de interpretar personajes intensos e inescrutables. Sin embargo, Grace es otra marca alta: la actriz interpreta a este personaje como víctima y amenaza, cambiando de un lado a otro con tanta fluidez que no puede ser inmovilizada. Mientras Grace mira por la ventana al bosque helado que rodea la cabaña, es imposible saber si sus pensamientos silenciosos son benignos o atormentados, y The Lodge mantiene sus intenciones turbias hasta el final devastador.

Cuanto más avanza The Lodge, la gran habilidad de la ejecución, la manipulación precisa de los temores de la audiencia, se vuelve tan impresionante que uno se siente tentado a sucumbir a su fría y cruel eficiencia. El Lodge tiene más experiencia sin saber nada sobre la trama. Dos horas después, cuando termina la película, te sorprenderá lo poco que sabes sobre lo que has visto, solo que has quedado profundamente conmocionado.


domingo, 9 de febrero de 2020

Temporada de Premios: Ganadores de los Premios de la Academia


Y así se acabó la temporada de premios, pero que manera tan increíble de hacerlo. Hollywood hace historia, tras premiar Parasite como la Mejor Película de la temporada. La película coreana de Bong Joon Ho hizo historia tras llevarse 4 estatuillas a casa, y convirtiéndose en la primera película internacional en ganarse el premio a Mejor Película.

En su discurso, Bong Joon Ho hace honor a Martin Scorsese, llamándolo su maestro e impulsor mientras estaba en la escuela de cine.

Otros de los momentos más conmovedores fue el discurso de Hildur Guðnadóttir después de ganar Mejor Banda Sonora por Joker, donde hace honor a todas las mujeres que deben de ser reconocidas en la industria del cine.

Aunque estas premiaciones fueron fácil de predecir, aún no dejan de sorprender algunas categorías como el premio de Mejor Efectos Visuales a 1917, o Mejor Documental a American Factory.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores:

Best Picture
Ganadora: Parasite (Neon)
1917 (Universal)
Ford v Ferrari (Fox)
The Irishman (Netflix)
Jojo Rabbit (Fox Searchlight)
Joker (Warner Bros.)
Little Women (Sony)
Marriage Story (Netflix)
Once Upon a Time in Hollywood (Sony)

Actor in a Leading Role
Ganadora: Joaquin Phoenix, Joker
Antonio Banderas, Pain and Glory
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time... in Hollywood
Adam Driver, Marriage Story
Jonathan Pryce, The Two Popes

Actress in a Leading Role
Ganadora: Renée Zellweger, Judy
Cynthia Erivo, Harriet
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell

Best Supporting Actress
Ganadora: Laura Dern, Marriage Story
Kathy Bates, Richard Jewell
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell

Best Supporting Actor
Ganadora: Brad Pitt, Once Upon A Time... In Hollywood
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman

Directing
Ganadora: Bong Joon Ho, Parasite
Sam Mendes, 1917
Todd Phillips, Joker
Martin Scorsese, The Irishman
Quentin Tarantino, Once Upon a Time... in Hollywood

Adapted Screenplay
Ganadora: Jojo Rabbit, Taika Waititi
The Irishman, Steven Zaillian
Joker, Todd Phillips & Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony McCarten

Original Screenplay
Ganadora: Parasite, Bong Joon Ho & Jin Won Han
1917, Sam Mendes & Krysty Wilson-Cairns
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon a Time... in Hollywood, Quentin Tarantino

International Feature Film
Ganadora: Parasite (South Korea)
Corpus Christi (Poland)
Honeyland (North Macedonia)
Les Miserables (France)
Pain and Glory (Spain)

Production Design
Ganadora: Once Upon a Time... in Hollywood
1917
The Irishman
Jojo Rabbit
Parasite

Film Editing
Ganadora: Ford v Ferrari, Andrew Buckland & Michael McCusker
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Parasite, Jinmo Yang

Cinematography
Ganadora: 1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
The Lighthouse, Jarin Blaschke
Once Upon a Time... in Hollywood, Robert Richardson

Visual Effects
Ganadora: 1917
Avengers: Endgame
The Irishman
The Lion King
Star Wars: The Rise of Skywalker

Costume Design
Ganadora: Little Women
Jojo Rabbit
Once Upon a Time... in Hollywood
The Irishman
Joker

Sound Mixing
Ganadora: 1917
Ad Astra
Ford v Ferrari
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood

Sound Editing
Ganadora: Ford v Ferrari
1917
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood
Star Wars: The Rise of Skywalker

Original Score
Ganadora: Joker, Hildur Guðnadóttir
1917, Thomas Newman
Little Women, Alexandre Desplat
Marriage Story, Randy Newman
Star Wars: The Rise of Skywalker, John Williams

Documentary Feature
Ganadora: American Factory (Netflix)
The Cave (National Geographic)
The Edge of Democracy (Netflix)
For Sama (PBS)
Honeyland (Neon)

Documentary Short Subject
Ganadora: Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl)
In the Absence
Life Overtakes Me
St. Louis Superman
Walk Run Cha-Cha

Makeup and Hairstyling
Ganadora: Bombshell
1917
Joker
Judy
Maleficent: Mistress of Evil

Animated Feature Film
Ganadora: Toy Story 4 (Pixar)
How to Train Your Dragon: The Hidden World (Dreamworks)
I Lost My Body (Netflix)
Klaus (Netflix)
Missing Link (United Artists Releasing)

Animated Short Film
Ganadora: Hair Love
Dcera (Daughter)
Kitbull
Memorable
Sister

Live-Action Short Film
Ganadora: The Neighbors’ Window
Brotherhood
Nefta Football Club
Saria
A Sister

Original Song
Ganadora: "(I'm Gonna) Love Me Again" (Rocketman), Elton John & Bernie Taupin
"I Can't Let You Throw Yourself Away" (Toy Story 4), Randy Newman
"I'm Standing With You" (Breakthrough), Diane Warren
"Into the Unknown" (Frozen 2), Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez
"Stand Up" (Harriet), Joshuah Brian Campbell & Cynthia Erivo

sábado, 8 de febrero de 2020

Crítica Cinéfila: The Rhythm Section

Stephanie Patrick (Blake Lively) sufrió la pérdida de su familia en un accidente de avión. Cuando descubre que el accidente no fue tal, su rabia encontrará un nuevo sentido a su vida y se adentrará en una peligrosa misión para intentar descubrir la verdad y vengar a su familia.



Es sorprendente que Stephanie Patrick llegue al final de "The Rhythm Section" con vida. La gente normal tiende a no sobrevivir al tipo de misión de venganza sofisticada que saca a Stephanie de su depresión y entra en el modo de héroe de acción en el oscuro, melancólico e inesperado thriller de recuperación de Reed Morano, protagonizado por Blake Lively como un personaje más motivado que -dispensador de sufrimiento postraumático coordinado. Si temes que cualquier mención de su supervivencia sea un spoiler, considera esto: la película fue adaptada de la primera de las cuatro novelas pulposas de Stephanie Patrick escritas por Mark Burnell, por lo que, por supuesto, no muere. 

La Sección de Ritmo tiene un comienzo depresivo con la vida inicial de Stephanie esbozada de manera bastante enojosa como la de una persona enojada y llena de dolor que ha rebajado su vida a la prostitución y abuso de drogas. Pero cuando un periodista llamado Proctor (Raza Jeffrey) la pone en la imagen de cómo murió su familia, se embarca en una misión para encontrar al asesino, y esto la pone en contacto con Boyd (Jude Law), un tipo inconformista incondicional del MI6, que vive en las Tierras Altas de Escocia, y con el detective secreto Serra (Sterling K Brown).

Las escenas de Lively con Law son muy observables, ya que él la instruye en un estado físico fanático y combate cuerpo a cuerpo, enseñándole a mantener la calma y dejar que su ritmo cardíaco y su respiración le proporcionen la "sección de ritmo" física tan importante como música de fondo para la bravura solo del asesinato. La relación entre Law y Lively permite que la película se relaje y acelere el ritmo. Morano reúne buenas escenas de lucha, un trabajo de acrobacias robusto y sabrosas persecuciones de autos.


En realidad, dado que la novela de Burnell fue optada por Eon, la compañía productora detrás de la franquicia de James Bond, algunos se han preguntado si se supone que Stephanie Patrick es una especie de 007 con un cambio de género, lo cual no es así. La historia mantiene una estructura bien similar al "Viaje del Héroe", donde nuestra protagonista está en total negación al principio y solo el impulso de una muerte injusta la convence que el camino de la venganza es el más adecuado para ella. Es obvio que el público debe darse cuenta de que están viendo un tipo de personaje muy diferente. En muchos sentidos, ella es aún menos como "Atomic Blonde"; Stephanie, por el contrario, entra en pánico bajo presión. Ella es un mal tiro, y un conductor aún peor. En el combate cuerpo a cuerpo, es arrojada, maltratada y casi muerta. Varias veces.

De pie allí en silueta, con su arma extendida, Stephanie está nerviosa. Pero esa es una forma mucho más interesante de acercarse a su primer golpe de todos modos. La única persona obligada a ser un profesional consumado aquí es Morano, una ex Directora de Fotografía que dirigió los primeros tres episodios de "The Handmaid's Tale", estableciendo efectivamente el tono para la exitosa serie de Hulu. Este es su tercer largometraje, después de "Meadowland", una tragedia pornográfica, y el post-apocalíptico de dos jugadores "Creo que estamos solos ahora", y la asignación pide nuevas exigencias a su director. Lograrlo significa que Morano está obligada a pensar de manera diferente no solo sobre la acción, sino también sobre cómo trabaja con los actores.

Este no es un papel fácil, pero Lively lo logra con mucha altitud. En vez de convertir al personaje en un ser rencoroso capaz de asesinar sin nada de rencor, se muestra un ser más humano, capaz de dudar de la "muerte declarada" a quienes ella asume que no la merecen. Una vez más, Lively demuestra que su género es definitivamente el thriller y el terror, con una personalidad oscura pero a la vez aterrizada en la realidad de que hasta los protagonistas podrían morir con facilidad. La recuperación de su personaje a las drogas en este momento es creíble, y Lively nos muestra cómo se ve eso, sacudiéndose además de todo el trauma que Stephanie ya está llevando. La psicología de cómo esta graduada universitaria que alguna vez fue prometedora se transformaría primero en un choque de trenes, todos los moretones y huellas, el cabello puntiagudo y los ojos ahumados, y desde allí en un rudo vengador es inestable, pero el compromiso de Lively lo vende. Y aún así cuando Stephanie asume la identidad de una despiadada sicaria, Petra Reuter, aún así demuestra las grandes debilidades del personaje.


Sobre el papel, el resto de la película parece bastante rutinaria: una serie de escenarios en un contexto giratorio de glamorosas ubicaciones internacionales. Lo hemos visto en películas como "Atomic Blonde", "Red Sparrow" y "La Femme Nikita". Todas esas mujeres son máquinas asesinas sexys y seguras de sí mismas. Pero lo que distingue a "The Rhythm Section" es la simple cuestión de identificación. Ella no es natural. Ella se congela y no puede hacer para lo que fue entrenada. En lugar de pelear, se agita salvajemente, esperando que una de sus patadas se conecte con la entrepierna de su adversario. Cuando la golpean, parece que duele. Y cuando su arma cae en las manos del chico malo, ella bien podría ser carne muerta.

Al final, es la suerte, no la habilidad lo que la mantiene viva. Así es como la mayoría de nosotros estaríamos en su situación. Momentos después, en una impresionante persecución en automóvil de una sola toma, Stephanie casi es empujada por un precipicio. Y así continúa hasta el enfrentamiento final. Probablemente sea lo mejor que la mayoría de las películas de acción no se desarrollen así, donde una planificación cuidadosa se convierte en una innovación desesperada en el calor del momento. Pero esto es lo que se entiende por "visceral", y funciona en este contexto, y debe ser mucho más difícil de lograr, detrás de la cámara. Morano se las arregla, y si Stephanie Patrick alguna vez consigue otra misión en la pantalla grande, será interesante ver lo que esta experiencia le ha enseñado.



Crítica Cinéfila: Gretel and Hansel

Cuando su madre cae en la locura, los hermanos Gretel y Hansel deben valerse por sí mismos en el bosque oscuro e implacable. Hambrientos y asustados, tropiezan fortuitamente con una generosa cantidad de comida que queda fuera de una casa aislada. Invitados al interior por el dueño aparentemente amigable, los niños pronto sospechan que su comportamiento generoso pero misterioso es parte de un siniestro plan para hacerles daño.



El mundo no necesitaba otra película sobre el famoso cuento, pero dado que Hollywood se agota de historias constantemente, ¿por qué no?

La posible realidad es que los hermanos Grimm deben estar realmente indignados porque su simple historia sobre abuso infantil, desnutrición, canibalismo y brujería ha sido tan retorcida. El guión de Rob Hayes se centra en Gretel, de ahí el cambio de nombre del título, y la convierte en una súper heroína despierta y mayor que vence a una bruja. No está claro por qué esta historia del siglo XIX necesitaba ser remodelada de esta manera. El cuento original trata sobre hermanos hambrientos que se encuentran con una casa hecha de pan y pastel, un señuelo construido por una malvada bruja que quiere cocinarlos y comerlos. Ella es más astuta y los niños llegan a casa a salvo. La moraleja: los extraños apestan y no se salen del camino.

Gretel (Sophia Lillis) y su hermano Hansel (Sammy Leakey) viven en un momento y lugar de pestilencia y pobreza. Incapaces de cuidarlos, su madre expulsa a los niños y los dirige a través del bosque hacia un convento que, con suerte, los acogerá. Pero Gretel y Hansel toman desvíos que los encuentran viendo siluetas en los árboles, conversando con hongos y, finalmente, sucediendo en la casa de una anciana, Holda (Alice Krige).


Impulsado por un hambre gruñona y una mesa forrada de comida, Hansel entra a la casa pero pronto descubre que la dueña está muy feliz por su compañía. Los niños son acogidos, pero Gretel comienza a cuestionar los motivos de su anfitriona mientras los secretos acechan detrás de las paredes y debajo de las tablas del piso de la casa.

Alice Krige interpreta a la bruja aterradora con un bufé sin fin y está perfectamente moldeada, usando su amenaza precisa y silenciosa para un uso excelente, como cuando huele siniestramente la cabeza de Hansel. Ella tienta a Gretel con la vida eterna, por un precio. 

Este recuento parece ser una lección sobre la corrupción o tal vez el ecologismo: "nada se da sin que se quite algo", entona Gretel, pero todo está confundido por sets muy estilizados y piezas de montaje que son visualmente fascinantes pero sumando poco, todo listo para una banda sonora nivel "Stranger Things". La única lección que los cineastas no nos dijeron es que los carbohidratos son claramente el demonio.


El director Osgood Perkins conoce una toma bien enmarcada cuando la ve: misteriosas figuras envueltas en la distancia con sombreros extraños en bosques brumosos, pero conectar cientos de imágenes artísticas no hace una película coherente. Todos están muy orgullosos de convertir la deliciosa cabaña del cuento de hadas en el ejemplo posmoderno de la arquitectura. Felicidades por el fresco y asimétrico techo, pero olvidaste que la historia no tiene sentido. Muchas velas y árboles desnudos no son una trama.

"Gretel & Hansel" es tan visualmente deslumbrante como tediosa. Entre el diseño de producción de Jeremy Reed y la cinematografía de Galo Olivares, "Gretel & Hansel" es una maravilla visual. Las películas anteriores de Perkins, "The Blackcoat's Daughter" y "I Am the Pretty Thing That Lives in the House", fueron creadas con elegancia, pero esto parece una obra de arte. La arquitectura y el diseño del escenario le dan a la película una inclinación expresionista. Cada cuadro está compuesto tan cuidadosamente que es más probable que pierda el aliento debido a la belleza de la película en lugar de sus horrores.

Lillis, que dejó su huella en "It", interpreta a Gretel, de 16 años, mientras que Leakey interpreta a su hermano Hansel de 8 años. Aumentar la edad de Gretel la pone en la cúspide de la feminidad y le da dominio sobre su hermano menor. Pero no solo eso... pronto ella se entera que tiene poderes relacionados a la brujería, preparando el escenario para la trama de que Gretel es sombría. Sin embargo, incluso aquellos que conocen el clásico de memoria encontrarán algunas sorpresas aquí, particularmente en torno a sus ideas feministas modernas. Desafortunadamente, sus temas están confusos, lo que hace que la audiencia se pregunte si un director y guionista masculino encuentran el poder femenino irremediablemente contaminado con una mancha de maldad.

También está Charles Babalola como un buen tipo fugaz que mata a un demonio con un disparo en la cabeza impulsado por una flecha, una secuencia completa que parece de otra película. Pero esa es la acción más real en la película hasta el final cuando hay cadáveres sangrientos en las mesas de autopsias, entrañas humanas moviéndose y alguien se quema gráficamente vivo. Por qué esto está clasificado PG-13, no tenemos idea. Por qué incluso se hizo esta película en primer lugar también está más allá de nosotros. 


lunes, 3 de febrero de 2020

Temporada de Premios: Ganadores de los BAFTA 2020


Los EE British Academy Film Awards tuvieron lugar en Londres el domingo en el Royal Albert Hall. La ceremonia fue organizada por Graham Norton y se transmitirá exclusivamente en BBC One y BBC One HD más tarde esta noche en los Estados Unidos. La ceremonia también se transmite en todos los principales territorios del mundo. En esta temporada de premios truncada, los BAFTA de este año llegaron solo dos días antes de la fecha de entrega de las boletas de la Academia el 4 de febrero. BAFTA tiene una superposición de varios cientos de votantes, que residen principalmente en Londres, Nueva York y Los Ángeles.

Aproximadamente 6,700 miembros de BAFTA votaron por las nominaciones que abarcan 39 largometrajes. La épica 1917 del director de cine y cineasta británico Sam Mendes, que obtuvo nueve nominaciones, se llevó a casa siete victorias, incluyendo Mejor película y Mejor película británica. La película ya ha acumulado dos victorias en el Globo de Oro, el Premio del Gremio de Directores de América y el Premio del Gremio de Productores de América, todos apuntando hacia una posible victoria en la Mejor Película en los Oscar. Por lo general, alrededor de dos tercios de los contendientes al BAFTA también obtienen ofertas de los Oscar. El año pasado, los BAFTA eligieron Roma en lugar de Green Book de Oscar a la Mejor Película.

A continuación, echa un vistazo a los ganadores.

Best Film
Ganadora: 1917
The Irishman
Joker
Once Upon a Time in Hollywood
Parasite

Outstanding British Film
Ganadora: 1917
Bait
For Sama
Rocketman
Sorry We Missed You
The Two Popes

Best Director
Ganador: Sam Mendes, 1917
Martin Scorsese, The Irishman
Todd Phillips, Joker
Quentin Tarantino, Once Upon a Time… in Hollywood
Bong Joon-ho, Parasite

Outstanding debut of Director, Producer and/or Writer
Ganadora: Bait, Mark Jenkin (Writer / Director), Kate Byers, Linn Waite (Producer)
Para Sama, Waad al-Kateab (Director / Producer), Edward Watts (Director)
Maiden, Alex Holmes (Director)
Solo Usted, Harry Wootliff (Writer / Director)
Retablo, Álvaro Delgado-Aparicio

Best Leading Actress
Ganadora: Renée Zellweger, Judy
Jessie Buckley, Wild Rose
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell

Best Leading Actor
Ganador: Joaquin Phoenix, Joker
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time… in Hollywood
Adam Driver, Marriage Story
Taron Egerton, Rocketman
Jonathan Pryce, The Two Popes

Best Supporting Actress
Ganadora: Laura Dern, Marriage Story
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell
Margot Robbie, Once Upon a Time… in Hollywood

Best Supporting Actor
Ganador: Brad Pitt, Once Upon A Time … In Hollywood
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman

Best Film Not In The English Language
Ganadora: Parasite
The Farewell
For Sama
Pain And Glory
Portrait Of A Lady On Fire

Best Documentary
Ganadora: Para Sama
American Factory
Apollo 11
Diego Maradona
The Great Hack

Best Animated Film
Ganadora: Klaus
Frozen 2
A Shaun The Sheep Movie: Farmageddon
Toy Story 4

Best Original Screenplay
Ganadora: Parasite, Han Jin Won, Bong Joon-Ho,
Booksmart, Susanna Fogel, Emily Halpern, Sarah Haskins, Katie Silberman
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon A Time… In Hollywood, Quentin Tarantino

Best Adapted Screenplay
Ganadora: Jojo Rabbit, Taika Waititi
The Irishman, Steven Zaillian
Joker, Todd Phillips, Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony Mccarten

Best Original Score
Ganador: Joker, Hildur Guđnadóttir
1917, Thomas Newman
Jojo Rabbit, Michael Giacchino
Little Women, Alexandre Desplat
Star Wars: The Rise Of Skywalker, John Williams

Best Casting
Ganadora: Joker, Shayna Markowitz
Marriage Story, Douglas Aibel, Francine Maisler
Once Upon A Time… In Hollywood, Victoria Thomas
The Personal History Of David Copperfield, Sarah Crowe
The Two Popes, Nina Gold

Best Cinematography
Ganador: 1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
Le Mans ’66, Phedon Papamichael
The Lighthouse, Jarin Blaschke

Best Editing
Ganador: Ford v Ferrari, Andrew Buckland, Michael Mccusker
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Once Upon A Time… In Hollywood, Fred Raskin

Best Production Design
Ganador: 1917, Dennis Gassner y Lee Sandales
The Irishman, Bob Shaw, Regina Graves
Jojo Rabbit, Ra Vincent, Nora Sopková
Joker, Mark Friedberg, Kris Moran
Once Upon A Time… In Hollywood, Barbara Ling, Nancy Haigh

Best Costume Design
Ganador: Little Women, Jacqueline Durran
The Irishman, Christopher Peterson, Sandy Powell
Jojo Rabbit, Mayes C. Rubeo
Judy, Jany Temime
Once Upon A Time… In Hollywood, Arianne Phillips

Best Makeup & Hair
Ganadora: Bombshell, Vivian Baker, Kazu Hiro, Anne Morgan
1917, Naomi Donne
Joker, Kay Georgiou, Nicki Ledermann
Judy, Jeremy Woodhead
Rocketman, Lizzie Yianni Georgiou

Best Sound
Ganador: 1917, Scott Millan, Oliver Tarney, Rachael Tate, Mark Taylor, Stuart Wilson
Joker, Tod Maitland, Alan Robert Murray, Tom Ozanich, Dean Zupancic
Le Mans ’66, David Giammarco, Paul Massey, Steven A. Morrow, Donald Sylvester
Rocketman, Matthew Collinge, John Hayes, Mike Prestwood Smith, Danny Sheehan
Star Wars: The Rise Of Skywalker, David Acord, Andy Nelson, Christopher Scarabosio, Stuart Wilson, Matthew Wood

Best Special Visual Effects
Ganadora: 1917, Greg Butler, Guillaume Rocheron, Dominic Tuohy
Avengers: Endgame, Dan Deleeuw, Dan Sudick
The Irishman, Leandro Estebecorena, Stephane Grabli, Pablo Helman
The Lion King, Andrew R. Jones, Robert Legato, Elliot Newman, Adam Valdez
Star Wars: The Rise Of Skywalker, Roger Guyett, Paul Kavanagh, Neal Scanlan, Dominic Tuohy

Best British Short Animation
Ganadora: Grandad Was A Romantic, Maryam Mohajer
In Her Boots, Kathrin Steinbacher
The Magic Boat, Naaman Azhari, Lilia Laurel

Best British Short Film
Ganadora: Learning To Skateboard In A Warzone (If You’re A Girl), Carol Dysinger, Elena Andreicheva
Azaar, Myriam Raja, Nathanael Baring
Goldfish, Hector Dockrill, Harri Kamalanathan, Benedict Turnbull, Laura Dockrill
Kamali, Sasha Rainbow, Rosalind Croad
The Trap, Lena Headey, Anthony Fitzgerald

Best Rising Star Award
Ganador: Micheal Ward
Awkwafina
Jack Lowden
Kaitlyn Dever
Kelvin Harrison Jr.